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viernes, 9 de diciembre de 2016

"Anna Bolena": La corona maldita

Que la vida de la mayoría de las esposas de Enrique VIII, siendo reinas, fue un camino más lleno de espinas que de rosas es un hecho: Muertes (Ana Bolena y Catherine Howard por ejecución, y Jane Seymour tras el parto del heredero al trono) y rechazos (Catalina de Aragón y Ana de Cleves). Si obviamos a Catalina Parr, la sexta y última esposa del monarca, parece que el portar la corona inglesa era un mal augurio y causa de una gran sed de poder.

En la humilde opinión de quien escribe esta crítica, parece que Graham Vick (y Stefano Trespidi como repositor) tuvo claro esto a la hora de realizar la puesta en escena de Anna Bolena de Gaetano Donizetti, ópera que ayer se representó por primera vez en el Teatro de la Maestranza. Con dos elementos escenográficos, obra de Paul Brown, se representa el sufrimiento y la muerte premonitoria de Ana Bolena, en este caso, aunque los dos elementos también pueden asociarse a Catalina de Aragón (que es mencionada) y a Jane Seymour (no sólo por lo que muestra Donizetti del personaje en este título sino por el final que éste tuvo, antes mencionado): Una corona de espinas ensangrentada y una enorme espada son suficientes para reflejar lo que un servidor ha explicado anteriormente.
Un potente momento de la puesta en escena de Anna Bolena. Guillermo Mendo
Anna Bolena centra su acción en la caída en desgracia del personaje del título, con infidelidades, traiciones y ejecuciones. Esta producción del Teatro Filarmónico de Verona y la Fundación Arena de Verona tiene en el apartado vocal una de sus mayores bazas. Angela Meade sorprendió gratamente por su poderío vocal, de gran potencia pero controlándola y modulándola en todo momento y la verdad es que se luce en todas las escenas en las que interviene, aunque las que protagoniza junto a Ketevan Kemoklidze (Jane Seymour) y Lord Richard Percy (Ismael Jordi) son de especial gran intensidad. Así como la última escena, previa a su ejecución donde muestra al personaje perdiendo la cabeza en sentido figurado justo antes de perderla literalmente.
Angela Meade, sublime en toda la ópera, en la última escena. Guillermo Mendo
Siguiendo con los mencionados, Kemoklidze interpreta a Jane Symour con una ambivalencia de sentimientos, deseos y actitudes, que le hace tener intensos debates internos y en la referida escena con Bolena al comienzo del segundo acto mezcla su calidad vocal con un dramatismo que ahonda en lo antes mencionado, porque da la sensación de ser ella la que ha sido arrestada a la espera de juicio y no Ana.

Ismael Jordi es un valor seguro cuando se trata de encarar vocalmente a un personaje, lo cual ya demostró con creces hace cuatro temporadas cuando interpretó magistralmente al Duque de Mantua en Rigoletto de Verdi en el coliseo sevillano. En la piel de Lord Richard Percy se muestra seguro cantando de forma clara y modulada, expresando el amor hacia Ana sin tapujos mientras que en la escena con Lord Rocheford en el segundo acto se muestra muy convincente exaltando la lealtad hacia el hermano de Ana, su preferencia a morir, y el momento final con los ojos vendado, al igual que Rochefort y Smeton, es angustioso por el final que les espera.
Ismael Jordi, un gran Lord Richard Percy, junto con Angela Meade. Guillermo Mendo.
Simón Orfila no baja la guardia para mostrar al rey inglés como el malo de la historia. Su seguridad vocal era necesaria para enfatizar la seguridad que proporciona el poder y el deseo, más cercano a un capricho carnal, por Jane Seymour y el rechazo que le provoca Ana, puesto que ya tiene a Jane como amante. A la interpretación se añade el porte regio de Orfila que queda enfatizado en la escena a caballo o cuando viste los ropajes que lo identifican más con la imagen que se tiene de este rey. Aquí hago un inciso en el tema del vestuario, obra también de Paul Brown, porque está muy logrado para trasladarnos al siglo XVI. La vestimenta naranja de Orfila llena de ojos es un gran hallazgo que evidencia la capacidad del rey de verlo todo, ya sea por sí mismo o por informaciones de terceros. El traje que luce Kemolikdze es de una composición y color acertadísimo mientras que la vestimenta negra del coro es muy familiar si se ha visto por ejemplo la película Las hermanas Bolena. También el negro de Meade al final es de un negro apabullante que contrasta con el blanco inmaculado de Jane y Eduardo casándose, que se muestra a la vez que Ana vive sus últimos momentos de vida.
Una muestra del vestuario de Paul Brown: Kemoklidze y Meade (Jane Seymour y Ana Bolena). Guillermo Mendo
Tanto Manuel De Diego como Alexandra Rivas y Stephano Palatchi cumplen con creces su cometido vocal e interpretativo con sus respectivos personajes.

Anna Bolena, con la ROSS (dirigida en esta ocasión por Maurizio Benini) sonando de manera armoniosa y potente cuando lo requería, y el Coro de la Asociación de Amigos del Teatro de la Maestranza realizando una labor impecable, se suma a la larga lista de títulos representados en el Teatro de la Maestranza en su historia, con una obra de nuevo de Donizetti, del que un servidor guarda un reciente grato recuerdo gracias al montaje de L'elisir d'amore que se vio la temporada pasada.  

viernes, 2 de diciembre de 2016

"Anna Bolena" de Gaetano Donizetti se representa por primera vez en el Teatro de la Maestranza

La vida amorosa de Enrique VIII ha sido objeto de interés continuo por parte de estudiosos y artistas. Episodios de su vida se han mostrado en el teatro, con obras de autores como William Shakespeare o Calderón de la Barca, en novelas (La quinta Reina de Ford Maddox Ford o La otra Bolena, de Philippa Gregory), en el cine, en títulos como La vida privada de Enrique VIII (Alexander Korda, 1933), Un hombre para la eternidad (Fred Zinnemann, 1966), Ana de los mil días (Charles Jarrot, 1969), o Las hermanas Bolena, adaptación de la citada novel a Gregory (Justin Chadwick, 2008) e incluso la televisión como la serie Los Tudor (2007-2010). 

La ópera tampoco ha sido ajena a la vida del monarca inglés que se casó en seis ocasiones, siendo uno de los máximos exponentes Anna Bolena de Gaetano Donizetti (1797-1848). Este gran título del bel canto, estrenado el 26 de diciembre de 1830 en el Teatro Carcano de Milán llega al Teatro de la Maestranza de Sevilla para representarse por primera vez en la historia del coliseo sevillano los días 8, 10, 13 y 16 de diciembre a las 20:30 horas. Se trata de una producción del Teatro Filarmónico de Verona y de la Fundación Arena de Verona con dirección musical de Maurizio Benini (quien ya dirigió en Sevilla Norma, de Vincenzo Bellini) el cual dirigirá a la ROSS. Stefano Trespidi asume la tarea de reponer la puesta en escena de Graham Vick . La producción cuenta con escenografía y vestuario de Paul Brown e iluminación de Giuseppe di Orio. Por su parte Iñigo Sampil dirigirá, como es habitual, al Coro de la Asociación de Amigos del Teatro de la Maestranza.

Con respecto al apartado vocal, los roles principales de esta ópera, (que abarca la etapa en la que Enrique VIII estaba casado con Ana Bolena, la ejecución de ésta y la boda del monarca con Jane Seymour) está compuesto por la soprano estadounidense Angela Meade (Ana Bolena), el bajo menorquín Simón Orfila (Enrique VIII), el tenor jerezano Ismael Jordi (Lord Richard Percy), la mezzosoprano georgiana Ketevan Kemoklidze (Jane Seymour), el bajo barcelonés Stefano Palatchi (Lord Rochefort), la mezzosoprano austriaca Alexandra Rivas (Smeton) y el tenor santanderino Manuel de Diego (Sir Hervey)
El equipo de Anna Bolena, esta mañana en el exterior del Teatro de la Maestranza. Alejandro Reche Selas
Pedro Halffter, Director Artístico del Teatro de la Maestranza, presidió la rueda de prensa en la que Maurizio Benini dijo que "Anna Bolena es una ópera que musicalmente a la que Donizetti llegó tras haber compuesto catorce óperas sin haber alcanzado un lenguaje principal, lo que sí logra con este título. Como siempre, lo más importante en el bel canto son las voces y en esta producción tenemos grandes voces que pueden dar vida a esta ópera. La pureza la da la línea vocal. Anna Bolena es una ópera de la que se pasa del aria al recitativo y viceversa para dar un discurso más dramático de continuidad y de teatralidad. El coro, siendo amateur, tiene una calidad impresionante gracias al trabajo de Iñigo Sampil que consigue dar un sonido profesional, es algo que le da nombre a este Teatro.

Stefano Trespidi recordó que esta producción es del año 2007 y "tiene una gran modernidad, con dos plataformas que se cambian de posición y crean muchas situaciones escénicas diferentes". Trespidi reafirmó la opinión de Benini sobre la profesionalidad del Coro. Sobre el personaje de Anna Bolena, Trespidi destacó que se ha enfatizado "su humanidad, no es buen ni mala, es muy inteligente, ella sabe todo lo que pasa". 
Retratos de Enrique VIII y Ana Bolena
A este respecto la propia Angela Meade se pronunció afirmando que no creyese que Anna Bolena fuese una mala persona: "pienso que fue una víctima de las circunstancias de la época en que vivió. Era ambiciosa, como cualquier mujer en esa época, por el deseo de ser reina de Inglaterra. Además tenía una familia que la empujaba a lograrlo, ya que su hermana ya había sido amante del rey, y cuando supo que Catalina de Aragón no le pudo dar un heredero, lo aprovechó para llegar a ser reina. Se sabe que ella estuvo embarazada de un varón, pero lo perdió. No pienso de que tuviese los amantes que se le adjudican como su propio hermano. Creo que si hubiese tenido una actitud diferente, como la de Catalina de Aragón, no hubiera sido decapitada"   

Benini aportó otro punto de vista, aseverando que "Enrique VIII no se toma en consideración, que es un fracasado en el amor, ya que tanto Ana Bolena como Jane Seymour ambicionan el poder y no lo aman realmente, es una nulidad y tiene la humildad de aquel que se encuentra solo consigo mismo". 

Las entradas para Anna Bolena cuestan entre 46 y 116 euros y pueden adquirirse en las taquillas del Teatro o pinchando en este enlace.

sábado, 29 de octubre de 2016

"Tannhäuser": Música y voces sobresalientes

Empezó fuerte la temporada de ópera en el Teatro de la Maestranza. La puesta en pie de la versión de París de Tannhäuser fue una apuesta que resultó ganadora de largo por varios motivos. Musicalmente, Pedro Halffter dirigió a la ROSS de manera impoluta haciendo que ya desde la obertura el oído sólo percibiese sonidos hermosos. Halffter dirigió por primera vez esta ópera de Richard Wagner con la bisnieta del propio compositor y la conoce como la palma de su mano, de lo que dio sobradas pruebas anoche.
Ricarda Merbeth y Peter Seiffert (Elisabeth y Tannhäuser). Guillermo Mendo
La hermosa música de Wagner estuvo muy bien coordinada con las voces del reparto de esta producción del Teatro de la Maestranza y el Teatro Wielki-Poznán. Que Peter Seiffert haya interpretado al personaje protagonista de Tannhäuser por todo el mundo no es casualidad ya que su calidad vocal es incuestionable y no bajó la guardia en ningún momento pero brilló especialmente en la escena con Venus del primer acto y en el relato del peregrinaje a Roma en el tercero. 

Hilando temas y momentos el primer acto, de setenta minutos de duración, éste no se hizo nada largo gracias al buen hacer de los cantantes, los bailarines y la puesta en escena de Achim Throwald ya que es de las primeras veces que veo un primer acto de larga duración sostenido vocalmente en su mayor parte por dos cantantes. Alexandra Petersamer brilló como Venus vocal e interpretativamente ya que mostró el vaivén emocional del personaje ante la decisión de Tannhäuser de abandonarla y regresar al mundo de los mortales, rechazando el placer eterno que con ella tendría. 

El ballet, una de las novedades de la versión de París, contribuyó al ambiente de sensualidad y erotismo que impera en la morada de Venus, de ahí que destaque la labor de Carolina Armenta con la coreografía donde ocho bailarines (cinco mujeres y tres hombres) ejecutaron los movimientos con limpieza, precisión, y, reitero, una sensualidad en los movimientos que vino como anillo al dedo con lo que se cuenta en el primer acto. Gran sorpresa la de Estefanía Perdomo como el pastor pues su belleza vocal fue incuestionable.

Venus, Tannhäuser y el espléndido ballet del primer acto. Guillermo Mendo
Siguiendo con los cantantes, Martin Gantner, en su cuarto título en el coliseo sevillano volvió a demostrar su calidad interpretando a Wolfram así como Ricarda Merbeth en la piel de Elisabeth que demostró su calidad vocal desde el comienzo de su intervención del segundo acto. Damián del Castillo se lució como Biterolf sobre todo en el concurso de canto y Attila Jun entonó su contundente voz para mostrar la autoridad de Landgrave. José Manuel Montero, David Lagares y Vicente Ombuena también tuvieron ocasión de lucirse como caballeros trovadores y contribuyen al clima de tensión que se produce durante el concurso de canto, donde el amor y, sobre todo, el concepto que de él se tiene es motivo de controversia y la caída en desgracia del protagonista.

El clímax del concurso de canto. Guillermo Mendo
El coro de los peregrinos tiene una hermosa aparición por detrás del escenario en el primer acto y luego en el tercer acto realiza una intervención más extensa donde el vestuario de Ute Frühling-Stief crea una escena de gran impacto visualmente de igual manera el coro del castillo de Wartburg hizo una magnífica y compactada intervención, lo que da muestras una vez más de la calidad del Coro de la Asociación de Amigos del Teatro de la Maestranza dirigido por Iñigo Sampil.

El espléndido coro de peregrinos. Guillermo Mendo
La escenografía de Christian Floeren estuvo en sintonía con el vestuario para crear sobre todo un gran contraste, como se demostró en la blancura de la sala del castillo y el negro de las vestimentas. De igual modo la iluminación de Juan Manuel Guerra creó atmósferas de todo tipo pero personalmente me quedo con la belleza del cambio de luz azul a rosada en el tercer acto ante la aparición de Venus volviendo de dicho color la blancura de la estatua de la virgen, una gran simbología entre religiones opuestas uno de los temas centrales de Tannhäuser.

La aparición de Venus inunda de rosa el escenario. Guillermo Mendo
Un conjunto de elementos para una noche en la ópera por todo lo alto, que se repetirá el 1 y el 5 de noviembre.     

viernes, 21 de octubre de 2016

El Maestranza monta por primera vez la versión de París de "Tannhäuser"

Richard Wagner (1813-1883), autor de la Tetralogía del Anillo o Tristán e Isolda, estrenó en 1845 Tannhäuser otra de sus obras cumbre. En 1861 estrenó en París una nueva versión. Esta es precisamente la elegida, en contraposición con la original de Dresde, por el Teatro de la Maestranza para contar la historia del famoso trovador, sus amores con la diosa Venus y con Elisabeth y la expiación de sus pecados y así inaugurar la temporada operística del coliseo sevillano que ya montó esta ópera (la versión de Dresde) en 1997 con dirección de escena de Werner Herzog.

En esta ocasión se trata de una producción del Teatro de la Maestranza y el Teatro Wielki-Poznan con dirección musical de Pedro Halffter dirigiendo a la ROSS, y escénica de Achim Thorwald quien ya dirigió en el Maestranza El cazador furtivo de Carl Maria Von Webber en marzo del año 2011 y que cuenta con Gregor Acuña Pohl como asistente. El Coro de la Asociación de Amigos del Teatro de la Maestranza estará de nuevo dirigido por Iñigo Sampil y de nuevo colabora la Escolanía de Los Palacios

En el apartado técnico también destaca la iluminación de Juan Manuel Guerra, la escenografía de Christian Floeren y el vestuario de Ute Frühling-Stief, esenciales para trasladar la acción del medievo al siglo XIX, la principal novedad de esta producción en la que se ha apostado por identificar a Tannhauser con el propio Wagner. También tiene un papel fundamental la coreografía de Carolina Armenta para introducir una de las novedades que contiene esta versión parisina. 

El elenco artístico está integrado por el tenor alemán Peter Seiffert para encarnar el rol principal y la soprano Ricarda Merbeth da vida a Elisabeth mientras que el papel de Venus es interpretado  por la mezzosoprano Alexandra Petersamer. Por su parte, Martin Gantner, que cerró la temporada anterior del Maestranza interpretando a Gyges en el estreno en España de El Rey Kandaules de Zemlinsky y que ha estado en el Maestranza en dos ocasiones anteriores más (El ocaso de los dioses y Tristán e Isolda) da vida a Wolfram y el cantante coreano Attila Jun, que fue el gigante Fasolt en El oro del Rin, interpreta a Landgrave, tío de Elisabeth.

El reparto se redondea con un grupo de excelentes cantantes españoles como Vicente Ombuena, Damián del Castillo, José Manuel Montero (los tres también estuvieron en El Rey Kandaules) David Lagares (presente en Sevilla gracias a su participación en títulos como Thäis, El gato montés o El barbero de Sevilla entre otros), todos ellos dando vida a caballeros trovadores y Estefanía Perdomo que interpreta a un pastor.    

El equipo de Tannhäuser. Alejandro Reche Selas
Durante la rueda de prensa Pedro Halffter detalló las diferencias entre la versión de Dresde y la de París (que se verá en Sevilla el 28 de octubre, el 1 y el 5 de noviembre a las 20:30 horas) afirmando que "la versión de París difiere en el primer acto con respecto a la de Dresde por la inclusión de un ballet que se exigió a Wagner para su representación en la Ópera de París y contiene una música que enriquece mucho al personaje de Venus y es un reto porque recuerda en ocasiones a Tristan e Isolda"

Por su parte Achim Thorwald destacó el hecho de poder colaborar con Halffter y el entusiasmo de todas las personas involucradas en esta producción, así como la calidad y la entrega del Coro, "dando todos lo mejor de ellos, así como los cantantes solistas, muchos de los cuales ya han interpretado sus personajes en otras producciones de esta ópera pero todos están abiertos a todas las indicaciones que les doy, siendo esta una producción muy viva".

Alexandra Petersamer señaló que en la versión de París "se resalta más una riña de pareja, por lo que muchas parejas pueden verse reflejadas en Tannhäuser y Venus. Además Venus tiene un gran desgarro sentimental y emocional un placer jugar con estos elementos en el personaje". Todo esto tiene que ver con "la seducción explícita de Venus hacia Tannhäuser con grandes momentos de intimidad", como añadió Halffter.

Martin Gantner aseveró que su personaje, Wolfram, "es amigo de Tannhäuser y consigue que éste sea de nuevo admitido en la corte. Al mismo tiempo son rivales por el amor de Elisabeth".

Las entradas para Tannhäuser, con precios que oscilan entre los 50 y los 125 euros pueden adquirirse en las taquillas del Maestranza en su propia web y en generaltickets.

viernes, 30 de octubre de 2015

"Otello" de Verdi inaugura la temporada operística del Teatro de la Maestranza

Uno de los compositores clave en la historia de la ópera, Giuseppe Verdi (1813-1901) vuelve al Teatro de la Maestranza, donde se ha podido disfrutar en estas temporadas pasadas de títulos míticos como Rigoletto, con ese inolvidable doble reparto y Aida. Pues otro título del maestro italiano, Otello, es el elegido por el coliseo sevillano para inaugurar la temporada de ópera por todo lo alto. Se trata de la penúltima ópera de Verdi, estrenada en 1887 en el Teatro alla Scala de Milán. Se podrá ver en Sevilla el 31 de octubre y el 3, el 6 y el 9 de noviembre a las 20:30 horas.

Como su propio nombre indica, la ópera está basada en la célebre obra teatral homónima escrita por William Shakespeare, considerada la tragedia sobre los celos por excelencia. Verdi se sirvió del libreto escrito por Arrigo Boito para poner en pie esta cumbre del bel canto. El montaje que se verá en el Teatro de la Maestranza se trata de una coproducción de la Fundación Teatro Massimo de Palermo y la Fundación Teatro San Carlo de Nápoles.

La dirección musical corre a cargo de Pedro Halffter poniéndose al frente de la ROSS, y la dirección escénica  es del alemán Henning Brockhaus. Esta producción cuenta con el tenor  Gregory Kunde, quien ya estuvo en el Maestranza en el 2009 interpretando Tancredi de Rossini para interpretar al celoso personaje del título, el barítono español Ángel Ódena, recordado por su interpretación en El gato montés que dirigió José Carlos Plaza, da vida al perverso Yago y la soprano Julianna Di Giacomo interpreta a Desdémona. El reparto se completa con Francisco Corujo (Cassio), Manuel de Diego (Roderigo), Mireia Pintó (Emilia), Roman Ialcic (Ludovico) y Damián del Castillo (Heraldo y Montano). Hay que destacar la participación del Coro de la Asociación de Amigos del Teatro de la Maestranza dirigido por Iñigo Sampil, y de la Escolanía de los Palacios, dirigida por Enrique Cabelló y J.Manuel Busto. En total son más de doscientas cincuenta personas las que trabajan en esta ópera.

El equipo de Otello. Alejandro Reche Selas

Halffter destacó de Otello  que es una ópera “donde se tratan tres temas de una enorme actualidad: la integración de una persona de otra raza en nuestra sociedad, la violencia de género, que por desgracia sigue estando vigente en la sociedad actual, y la mentira, representada por el personaje de Yago”. Halffter se refirió al libreto que escribió Boito destacando “el momento de Esultate, que consigue transmitir en muy pocos compases la fuerza y la energía  de Otello. Ese instante no está en la obra de Shakespeare sino que es un añadido que incluyen Boito y Verdi, al igual que el Credo de Yago, porque define a los dos personajes antagónicos. Es un grandísimo libreto y en el mundo se representa más esta ópera que la obra de Shakespeare”.

Por su parte Gregory Kunde expresó su alegría por volver a Sevilla “porque es una ciudad de la que han salido muchos títulos de ópera como Don Giovanni, El barbero de Sevilla o La forza del destino y se trabaja muy bien con todo el personal del Teatro. He esperado mucho para hacer el papel de Otello, uno de los más importantes para el repertorio de los tenores y ya lo he cantado en siete producciones. Yo pienso en Otello simplemente como un hombre que está  en un mundo con gente distinta a él. Es un hombre enamorado de esta mujer, pero se planta la semilla de los celos, que van creciendo y hace que mate a la persona que más quiere en este mundo. Lo importante es retratar a un ser humano que es guiado por su supuesto amigo, Yago, el personaje más diabólico, a hacer lo que hace”.

Kunde también ha interpretado el Otello que compuso Rossini y lo diferenció del de Verdi comentando que “el personaje es prácticamente igual en las dos óperas pero en la versión de Rossini la principal diferencia es el racismo, Otello está muy expuesto por ser un hombre negro y se siente muy diferente. En el caso de Verdi todos desde el principio celebran su llegada y él y Desdémona están felizmente casados, en cambio Rossini solo los junta al final de la ópera cuando él la mata”.

Henning Brockhaus destacó sobre Otello que evita “ser realista porque en mi opinión, el realismo en el mundo del teatro es un lenguaje equivocado porque la música es el lenguaje de nuestros sentimientos. En el barroco expresaba hasta sesenta estados distintos. Todo lo digo porque en este montaje verán a los figurantes hacer movimientos que amplifican las visiones de Otello. Lo he hecho  por respeto a la partitura y porque creo que así se entiende mejor.

Ángel Ódena explicó que “aunque todo sea ficción, hay que buscar elementos en nuestra vida y en el mundo que nos rodea para poder hacer un personaje. Para mí Yago no es un ser malo, sino que es un enfermo y él se va inventando las mentiras una detrás de otra para salir del paso”.
Aun quedan entradas para los días 3 y 9 de noviembre y pueden adquirirse en las taquillas del Teatro y en la web http://www.generaltickets.com/.

viernes, 26 de junio de 2015

"Otello" de Verdi inaugurará en octubre la nueva temporada operística del Maestranza

En la programación brillan, además, títulos como El barbero de Sevilla, Los diamantes de la corona, L'elisir d'amore o el estreno en España de El Rey Candaulo


Ya se conocen todos los detalles de la programación del Teatro de la Maestranza para la temporada 2015-2016 y que marca una nueva etapa con John Axelrod como Director Artístico y Musical de la ROSS, precisamente cuando, tanto el Teatro como la Orquesta, celebran sus bodas de plata.
Por empezar, hay que destacar que el Teatro de la Maestranza, cuyo Director Artístico sigue siendo Pedro Halffter, ofrecerá una serie de títulos destacados si nos centramos, en primer lugar, en la ópera y la zarzuela.

. La temporada operística comenzará el 31 de octubre con la primera representación (estará en cartel hasta el 9 de noviembre) de Otello de Giuseppe Verdi. El gran compositor italiano, del que hemos visto en estas últimas temporadas Aida o Rigoletto, se basó en la célebre obra teatral de William Shakespeare para realizar una ópera apasionante que se estrenó en la Scala de Milán en 1887. El montaje que se verá en Sevilla se trata de una coproducción entre la Fundación Teatro Massimo de Palermo y la Fundación Teatro San Carlo de Nápoles.
Una imagen del Otello que se verá en el Maestranza. L. Romano
Halffter se encargará de la dirección musical mientras que el alemán Henning Brockhaus se encarga de la dirección de escena y de la iluminación. Esta producción contará con las voces del tenor estadounidense Gregory Kunde, la soprano nacida en Santa Monica, Julianna Di Giacomo o barítono español Ángel Ódena.

. El segundo plato fuerte de la temporada llegará los días 2, 4 y 5 de diciembre con la representación de la zarzuela Los diamantes de la corona, con música de Francisco  Asenjo Barbieri. Se trata de una producción del Teatro de la Zarzuela del 2010 con dirección escénica del maestro José Carlos Plaza (de quien pudimos ver en el coliseo hispalense su espléndido montaje de El gato montés) y Musical de Oliver Díaz.
Los diamantes de la corona, a principios de diciembre. Fernando Marcos      
Profesionales de la talla del figurinista Pedro Moreno, quien pinta a mano trajes de época, o Francisco Leal a cargo de la escenografía, y la iluminación, junto a Pedro Yagüe, o Jorge Torres como ayudante de dirección, ponen toda su sabiduría para poner en pie esta joya de corte histórico estrenada en 1854. Estará interpretada por Sonia de Munck, Cristina Faus, Carlos Cosías o Fernando Latorre, entre otros.

. Ya en el 2016 continúa la ópera con un título muy significativo, El barbero de Sevilla de Gioacchino Rossini. Se trata de la reposición de la producción del propio Teatro de 1997 con dirección escénica de José Luis Castro y musical de Giuseppe Finzi. Con escenografía de Carmen Laffon y Juan Suárez, este célebre título del bel canto, ambientado precisamente en Sevilla, se verá del 8 al 16 de febrero, coincidiendo con la conmemoración de los doscientos años de su estreno en Roma.
Una escena de El barbero de Sevilla de Rossini, en escena en febrero                          
La producción contará con las voces del tenor italo-americano Michele Angelini, el barítono canadiense  Elliot Madore o el barítono italiano Renato Girolami.

. Del 13 al 21 de mayo se representará la tercera ópera de la temporada, L'elisir d'amore de Gaetano Donizetti, producción del Nausica Ópera Internacional de Parma que cuenta con dirección escénica de Víctor García Sierra y musical de Yves Abel y la peculiaridad de la escenografía y el vestuario a cargo del célebre artista colombiano Fernando Botero, lo cual da un toque especial a esta joya estrenada en 1832.
Una escena de L`elisir d'amore bajo la óptica de Botero
En cuanto a las voces destacan las de la soprano granadina María José Moreno y la del tenor californiano Joshua Guerrero.

. La temporada operística del Maestranza finalizará con un estreno nacional: Del 20 al 24 de junio se representará El Rey Candaulo, ópera inconclusa de Alexander von Zemlinsky y que fue estrenada en Hamburgo en 1996 una vez que la completó Anthony Beaumont. Se trata de una producción de la Fundación Teatro Massimo de Palermo con dirección musical de Pedro Halffter y escénica de Manfred Schweigkofler. Contará con las voces de Nicola Berger Carbone y Martin Gantner.

Una escena de El Rey Candaulo, estreno en España en junio
. Los niños también forman parte del público del Teatro de la Maestranza como lo demuestra la programación de dos óperas para que puedan apreciar de una manera lúdica el valor de la ópera.

Para la temporada 2015-2016 se contará con Guillermo Tell de Rossini a cargo de La Baldufa para poner en pie esta célebre composición del 9 al 11 de diciembre. Y por otro lado, del 27 al 29 del mismo mes se podrá ver El pequeño deshollinador de Benjamin Britten, que estrenó en 1949 inspirándose en una historia real ambientada en el Londres victoriano. Se trata de una producción del Teatro de la Maestranza con dirección musical de Manuel Busto y de escena de Juan Dolores Caballero, con la participación de la Escolanía de Los Palacios, como ya ocurriese en Tosca.
El pequeño deshollinador, ópera para toda la familia en diciembre
DANZA, RECITALES Y FLAMENCO

El Teatro de la Maestranza ofrecerá espectáculos de los más diversos géneros. La danza nunca falta en la programación, como lo demuestra la presencia de diversas compañías:

. El Ballet Nacional de Johannesburgo dirigido por Iain MacDonald representará el 14 de noviembre Don Quijote con coreografía de Alexander Gorsky sobre la de Petipa con partitura de Ludwig Minkus y el 15 de noviembre tendrá lugar una Gala de Danza, donde ofrecerá fragmentos de varias de sus coreografías más reconocidas.
Un momento de Don Quijote por el Ballet Nacional de Johannesburgo
. Tras las navidades el alemán Aalto Ballet Essen, dirigido por Ben Van Cauwenbergh, estará del 7 al 10 de enero representando Romeo y Julieta con la música del gran Sergei Prokofiev.
Un instante de Romeo y Julieta. Photos Bettina
. Otro plato fuerte en lo que a danza se refiere será la llegada del Ballet Nacional de España el 5 y el 6 de mayo con el espectáculo Sorolla, basada en cuadros del célebre pintor valenciano. El director del Ballet, Antonio Najarro, se encarga de la coreografía y la dirección de escena correrá a cargo de Franco Dragone, en un espectáculo con música del gran Paco de Lucía, Juan José Colomer, Enrique Bermúdez, además de temas populares.
Un bello momento de Sorolla, por el Ballet Nacional de España    S. Belyaevsky

Los Recitales Líricos serán otros de los platos fuertes de la temporada, haciendo que pisen el escenario artistas de reconocidísima trayectoria:

. Para empezar, la gran Ainhoa Arteta, acompañada al piano por Rubén Fernández Aguirre ofrecerá el 31 de enero el espectáculo denominado La Voz y el Poeta. Homenaje a Federico García Lorca. Donde textos del autor de Yerma o La casa de Bernarda Alba serán acompañados por hermosas músicas del propio Fernández Aguirre, Antón García Abril o Xavier Montsalvatge.

Ainhoa Arteta rendirá tributo a Federico García Lorca
. Otra gran cita será el 20 de febrero en la que el veterano barítono y maestro del bel canto Leo Nucci (inolvidable Rigoletto), acompañado por la Italian Opera Chambre Ensemble cantará canciones y arias de Verdi, Bellini y Donizetti.
Leo Nucci, el 20 de febrero. R.Ricci
 . Por último, el 12 mayo la soprano milanesa Roberta Invernizzi, acompañada por la Orquesta Barroca de Sevilla ofrecerá arias de un genio: Haendel

El flamenco tendrá también un lugar destacado durante la próxima temporada del Maestranza como demuestran el guitarrista y compositor Rafael Riqueni quien, el 21 de noviembre presentará su nuevo disco, Parque de Maria Luisa. El 15 y el 16 de diciembre tendrá lugar el espectáculo Farruquito y familia, y el 6 de febrero el Ciclo Flamenco finaliza  con Trío de Oro, ideado y dirigido por José Luis Ortiz Nuevo y que reunirá en el mismo escenario el cante de José Valencia, el baile de Isabel Bayón y Pepe Habichuela a la guitarra.
Trío de Oro, con Isabel Bayón, Pepe Habichuela y José Valencia
Asimismo habrá conciertos de piano a cargo de la donostiarra Judith Jaúregui, quien, el 21 de febrero, interpretará música de Chopin, Debussy, Liszt o Federico Mompou. A su vez la georgiana Khatia Buniatishvili actuará el 29 de marzo ofreciendo un concierto romántico.
Judith Jáuregui actuará el 21 de febrero
Por otro lado, en la sala Manuel García se desarrollará el Ciclo de Jóvenes Intérpretes con el violonchelista asturiano Gabriel Ureña, quien , el 3 de diciembre, tocará música de Beethoven, Brahms y Schumann. Y el 17 de mayo, el pianista nacido en Ubrique Gregorio Benítez tocará piezas de Bach, Manuel Castillo, Beethoven o Messiaen.

Gabriel Ureña dará un concierto el 3 de diciembre      Yerai Menéndez
Y el Ciclo Grandes Intérpretes lo compondrán Chick Corea y su banda The Vigil, que actuarán el 7 de noviembre, Hiromi Trío, el 14 de marzo y Estrella Morente junto al pianista Javier Perianes unen sus fuerzas el 30 de junio en un concierto donde se dan la mano Manuel de Falla, Lorca, Bizet o Poulenc.


Si hablamos de conciertos una cita obligada de la temporada 2015-2016 es la Gala Lírica que se celebrará el 30 de abril para conmemorar los 25 años del Teatro de la Maestranza y de la ROSS y los 20 del Coro de la Asociación de Amigos del Teatro de la Maestranza  y que estará dirigida por Pedro Halffter.
Pedro Halffter dirigirá la Gala Lírica Conmemorativa de Aniversario


CONCIERTOS DE LA ROSS

La temporada 2015-2016 es el comienzo de una nueva etapa para el Teatro de la Maestranza y la ROSS, ya que John Axelrod afronta la dirección artística y musical de la Orquesta. El Maestranza ofrecerá dieciséis conciertos de abono de los que dirigirá ocho.  Todos están englobados en el sugerente título de Los Sonidos del Mediterráneo. Axelrod dirigirá el primero de los conciertos el 17 y el 18 de septiembre, el cual, bajo el título de Nueva Era, que apuesta por piezas de compositores vivos como Nuria Núñez o Aaron Jay Kernis.
John Axelrod

. Axelrod volverá a dirigir a la ROSS en el sexto concierto (19 y 20 de noviembre) que tiene el esclarecedor título de Francia se inspira en España en el que oiremos música compositores de nuestro país vecino como Emmanuel Chabrier, Maurice Ravel o Jacques Ibert con aires españoles.

. Los tres conciertos siguientes también estarán dirigidos por John Axelrod. El séptimo (14 y 15 de enero) tiene un marcado carácter español. Bajo el título de El Amor y la Muerte se tratará se un concierto que contará con la voz de Esperanza Fernandez, la guitarra de José María Gallardo del Rey y un conjunto de bailarines . Todo ello para disfrutar de la Suite de El amor brujo de Manuel de Falla, Danzas españolas de Enrique Granados o el Concierto de Sevilla del propio Gallardo del Rey.

. El octavo y el noveno concierto nos introducen directamente en el exotismo oriental y cuenta con estrenos absolutos del compositor turco Fazil Say, residente durante esta temporada. En el concierto denominado Gran Bazar (18 y 19 de febrero) se escuchará Grand Bazaar de Say y piezas de Avner Dorman y Haydn. Por su parte el concierto Música del Magreb (25 y 26 de febrero) ofrecerá, además de la Obertura de El rapto del serrallo de Mozart, otra composición de Say: El Concierto para violín "1001 noches en el harén". El concierto se completa con temas provenientes de películas de la mano de compositores legendarios del séptimo arte como Max Steiner (Casablanca), Miklos Rozsa (El Cid), Vangelis (1492. La Conquista del Paraíso) o John Williams (Indiana Jones: En busca del arca perdida).

. John Axelrod también dirigirá el 7 y el 8 de abril el concierto número trece, Primavera, que lo compondrá Los pinos de Roma de Ottorino Respighi, Concierto para la mano izquierda de Ravel y La consagración de la primavera de Stravinski. Finalmente, Axelrod dirigirá el último concierto de la temporada, el 7 y el 8 de junio, titulado Sinfonía Sevillana que incluirá piezas de Joaquín Turina, la Habanera de Carmen de Bizet, Sevilla, suite española, de Albéniz y La vida breve y El sombrero de tres picos de Manuel de Falla.

. Por otro lado habrá conciertos con prestigiosos directores invitados como Philippe Bender, responsable del tercer concierto de abono (1 y 2 de octubre) que, bajo el título de El color francés ofrecerá piezas de Bizet, Jacques Offenbach y César Franck.
Philippe Bender                                                             Philippe Laville
. Por su parte Vahan Mardirossian dirigirá el cuarto concierto (8 y 9 de octubre): Sombras de España que incluye Corpus Christi en Sevilla de Albéniz o Danzas nocturnas de Don Juan Quijote de Aullis Sallinen.

. Giacomo Sagripanti, quien dirigió en el mes de febrero del año pasado La Cenerentola de Rossini en el coliseo sevillano, regresa para dirigir el quinto concierto de abono, La Libertad  (12 y 13 de noviembre), que incluye la Sinfonía nº 4 en La mayor de Mendelssohn o el Concierto para piano nº 27 en Si bemol mayor de Mozart.
Giacomo Sagripanti
. Otro regreso es el de Maxim Emelyanychev, quien dirigió esta pasada temporada Don Giovanni de Mozart para conducir el decimoquinto concierto el 26 y el 27 de mayo, Divertimento, con piezas con ese mismo título de Mozart y Béla Bartók y el Concierto in modo galante, de Joaquín Rodrigo.

. Finalmente destaca el concierto número catorce (14 y 15 de mayo) que, bajo el nombre de Feria y dirigido por  Mihnea Ignat ofrecerá la proyección de la película Carmen dirigida por el maestro Cecil B. De Mille (Los Diez Mandamientos, El mayor espectáculo del mundo etc...) en 1915 seguida de la bella música de Carmen de Bizet con arreglos de Hugo Riesenfeld