Dos entrañables renglones torcidos de Dios

                                        CRÍTICA TEATRAL: ELLING

La locura se puede abordar de muchas maneras diferentes, por eso tomo las palabras de la novela de Torcuato Luca de Tena para hablar de Elling ya que ambos títulos tratan el mencionado tema con la sensibilidad suficiente para despertar en el lector/espectador sonrisas y lágrimas.

El director Andrés Lima, que ya estuvo en el Teatro Lope de Vega con una versión arriesgada y transgresora de Tito Andrónico, de William Shakespeare, ha vuelto con una pieza peculiar por diversos motivos: Se trata de una obra  basada en una novela del escritor Invar Ambjornsen, autor noruego desconocido por estos lares ya que de este país el público suele tener como referencia a su compatriota Henrik Ibsen, autor clave de principios del siglo XIX, gracias sobre todo a Casa de muñecas, obra de la que se vio una versión en este teatro de la mano de Silvia Marsó el año pasado bajo la dirección de Amelia Ochandiano.

En segundo lugar, los actores hacen un trabajo soberbio porque saben mostrarse comedidos o excesivos, debido a su condición, no en vano son dos hombres recién salidos de un manicomio. Por un lado, Carmelo Gómez demuestra una enorme versatilidad ya que, en lo que a teatro se refiere encarnó hace más de una década al atormentado Brick en La gata sobre el tejado de zinc caliente de Tennessee Williams y a un alcohólico en Días de vino y rosas de J. P. Miller, más recientemente. En esta ocasión Gómez se muestra vulnerable y desmadrado a la vez, mientras que Javier Gutiérrez, quien formó parte del reparto de Tito Andrónico, está genial y muestra su lado más animal y primario. Finalmente Rebeca Montero y Chema Adeva dan muestras de una gran calidad interpretativa al encarnar a varios personajes muy diferentes entre sí a lo largo de la función.

Javier Gutiérrez, Chema Adeva y Carmelo Gómez en la obra teatral Elling

La puesta en escena es sencilla: un cuadrado en el que caben dos camas, una mesa, una radio y un indispensable teléfono. Mientras, la música romántica interpretada en directo contribuye a envolver al público en un mundo donde la locura, los sentimientos y, sobre todo, la amistad afloran con fuerza haciendo que el público se ría en determinados momentos y sienta ternura por la pareja protagonista en otros. En resumen, Andrés Lima consigue dar un salto al vacío del que sale bien parado gracias a unos actores que muestran el lado más tierno de la locura.  

FOTO: ALEJANDRO RECHE SELAS

Carmelo Gómez y Javier Gutiérrez traen al Teatro Lope de Vega "Elling"

La literatura nórdica está de moda y no sólo con las novelas policiacas. Sus obras teatrales tienen una gran vigencia, no sólo gracias a August Strindberg (El Pelícano) o Henrik Ibsen (Un enemigo del pueblo, Casa de muñecas) y eso lo demuestra la obra teatral Elling adaptación de una novela del noruego Ingvar Ambjornsen.

La obra, que se estrena hoy en el Teatro Lope de Vega de Sevilla y permanecerá en cartel hasta el domingo, se centra en la amistad entre dos hombres encerrados en un manicomio a los que se le da la oportunidad de salir de él y compartir piso. Esta premisa sirve al director Andrés Lima, quien ha estado varias veces en la capital hispalense con obras como la premiada Urtain, Tito Andrónico o Penumbra, todas ellas con la Compañía Animalario, para hablar de la amistad y la locura.  Para dar veracidad a las interpretaciones los actores visitaron a enfermos mentales y conversaron con ellos.

Lima ha contado con la ayuda de David Serrano para la adaptación y del productor Coté Soler, responsable de éxitos como Closer o Días de vino y rosas donde actuaba Carmelo Gómez, protagonista de la presente obra, encarnando a Elling, junto a Javier Gutiérrez (su amigo Kjell Bjarne), Chema Adeva y Rebeca Montero, además del pianista Mikhail Stuydenov que toca piezas del romanticismo alemán, concretamente de Johannes Brahms y el matrimonio formado por Robert y Clara Schumann.

Javier Gutiérrez, Andrés Lima, Coté Soler, Rodríguez Yagüe y Carmelo Gómez

Durante la rueda de prensa se recalcaron hechos como que, según Lima, Elling es una historia de amistad en el marco de la locura, habla de ella de una manera muy lúcida, haciendo que nos planteemos qué es normal". Lima también lamentó que no llegase a España obras de teatro nórdicas, portuguesas, italianas, etc...

Tras la rueda de prensa el actor Javier Gutiérrez (El Ferrol, A Coruña, 1971),  popular actualmente gracias a su papel de Sátur en la serie Aguila Roja tuvo la amabilidad de contestar una serie de preguntas.

Pregunta: ¿Qué es lo que tiene esta obra para que usted decidiese que fuese su siguiente incursión en los escenarios?

Javier Gutiérrez: Yo me fijo en el texto, en la obra en sí, pero también le doy mucha importancia a los compañeros de viaje y estoy seguro que no me enfrentaría a este texto ni a este personaje si no estuviese acompañado por actores como Carmelo Gómez, Rebeca Montero y Chema Adeva y dirigido por la mano maestra de Andrés Lima. Le doy mucha importancia a esto porque el teatro, al contrario que el cine o la televisión, supone salir todos los días a actuar y hay obras que pueden permanecer en cartel un año y medio o dos años y el teatro en ese sentido es más placentero.

P: Andrés Lima es uno de sus directores fetiche en el teatro ¿se puede decir que ya existe un grado de complicidad y de entendimiento mutuo a la hora de trabajar?

J.G.: Sí, existe un lenguaje común, pero no sólo con Andrés sino con los demás miembros de la Compañía Animalario, con la que suelo trabajar. Hay una forma de enfrentarse al trabajo y a los problemas

P: ¿Los personajes de Elling tienen un carácter simbólico? ¿Representan a un colectivo o una situación determinada?

J.G.: Son enfermos mentales pero no son muy diferentes a lo que se describe como "seres normales". De hecho el ser humano está lleno angustias, tiene sus propios monstruos. Todos tenemos una cara A y una cara B, un mundo que no queremos descubrir ni que la sociedad sepa de nuestras vergüenzas, en ese sentido es muy transparente y por eso son personajes muy gratificantes de interpretar, te sientes como un niño puedes hacer absolutamente de todo.

P: La particularidad de los personajes ¿hace que en la interpretación haya hueco para la improvisación o está todo medido?

J.G.: Yo  soy un actor que necesito que todo esté atado y bien atado y dentro de ese juego escénico se puede ser libre. De hecho, una de las grandes bazas que tiene el teatro es que cada función es diferente. Se puede ir a ver una misma obra dos días y ver cada vez una función distinta. Es un espectáculo que te da mucha libertad para jugar.

P: En su carrera en cine y televisión hay papeles muy distintos El asombroso mundo de Borjamari y Pocholo (comedia), Un franco, 14 pesetas (comedia dramática) La habitación del niño (terror) ¿es un actor que elige los proyectos para evitar el encasillamiento?

J.G.: En este país no se puede elegir mucho, ahora sí empieza a decir que no a alguna cosa pero no suelo elegir proyectos diciendo  "ahora voy a hacer drama, ahora comedia", de hecho acabo de hacer con el Centro Dramático Nacional Woyzeck dirigido por Gerardo Vera, donde interpreto a otro loco. Lo que viene y me interesa por el personaje, el director o los compañeros de viaje, es lo que voy haciendo.

P: Un franco 14 pesetas de Carlos Iglesias, fue todo un descubrimiento...

J.G.: Sí, precisamente vamos a rodar la continuación de esta película durante el verano en Suiza, donde continuamos contando la historia de Carlos Iglesias,un descubrimiento como director para muchos espectadores.

P: Con el éxito de Aguila Roja, englobada en un período histórico concreto, ¿se puede decir que España puede competir en ese tipo de proyectos como otros países que levantan series como Los Tudor o Los Borgia?

J.G.: Uno de los grandes aciertos de la serie para el espectador es esa ambientación en el Siglo de Oro. Creo que tenemos una historia muy rica y con unos personajes que pueden ser llevados al cine con éxito. De hecho, ha habido grandes películas como Alatriste o Juana La Loca, que lo han demostrado. A rebufo de Aguila Roja, que es una superproducción, se han hecho otras historias, que unas han funcionado y otras no, lo cual es una lástima sobre todo por la inversión de dinero y por el trabajo de tanta gente. Pero creo que estamos empezando a hacer otros proyectos con más enjundia, metiendo más dinero, con medios más potentes, y eso el espectador lo agradece, no es baladí que Aguila Roja la vean más de seis millones de espectadores, una audiencia similar a la de los partidos de fútbol y con las cadenas ya tan fragmentadas y la llegada de la TDT. Y eso demuestra que, además de hacerlo bien, creo que el espectador está interesado en cosas nuevas. Durante mucho tiempo se han hecho series costumbristas en torno a la familia, los bares etc... por lo que se ve que el espectador demanda otras cosas.

FOTO: ALEJANDRO RECHE SELAS

Una voz que siempre debe permanecer despierta

                        CRÍTICA CINEMATOGRÁFICA: LA VOZ DORMIDA

Tratar un tema como el de la posguerra en España nunca es fácil. Se ha tratado en muchas ocasiones, pero lo que las diferencia es la forma. La voz dormida de Benito Zambrano es una de esas películas que consiguen que no se te desprendan de la memoria. En este caso, la labor del elenco de los actores es el principal elemento que sustenta la película con un gran descubrimiento: María León en el papel de Pepita. La hermana de Paco León da una lección con un registro dramático sobrecogedor, por lo que su premio en el reciente Festival de San Sebastián y todos los que vengan, seguro que serán muchos están totalmente justificados. Aquí encontramos otro ejemplo de la versatilidad de los actores ya que era una persona vinculada a la comedia. 

Pero no es sólo María León: Inma Cuesta en el papel de su hermana, encarcelada y embarazada hace que una nana cantada por la propia actriz te haga un nudo en la garganta. El resto de actores está al mismo nivel: Marc Clotet hace que se nos olvide su papel de Vaquero en Física o Química, Miryam Gallego hace una creación que recuerda muy vagamente a la Marquesa de Santillana de Aguila Roja, ya que su personaje tiene un fondo dramático que justifica sus acciones. Begoña Maestre ("hermana" de Inma Cuesta en la segunda temporada de Amar en tiempos revueltos) hace mantener la tensión debido a sus acciones, que ponen en peligro su propia vida y la de los demás.

Zambrano consigue extraer lo mejor de la novela de Dulce Chacón, en la que se basa el filme y logra mover los resortes para tocar la fibra sensible del espectador, por lo que ha demostrado no haber bajado el nivel desde su aclamado debut, Solas en 1999. Al igual que Las 13 rosas (Emilio Martínez Lázaro, 2007) esta película nos muestra las consecuencias de nuestra Guerra Civil que, como bien dice un personaje en el filme de Zambrano, "nunca debió ocurrir".

Benito Zambrano: "María León es Pepita y Pepita es María León"

El estreno de una película, un proyecto al que alguien le ha dedicado un tiempo importante de su vida, siempre es motivo más que suficiente para estar nervioso, pero Benito Zambrano (Lebrija, Sevilla, 1965) puede estar tranquilo. El éxito de su última película, La voz dormida en el Festival de San Sebastián, con premio incluido para María León, la Concha de Plata a la Mejor Actriz, hace que esta nueva aproximación a la posguerra española sea una de los filmes de la temporada. Para ello cuenta con un elenco de actores de primera. Aparte de María León (hermana de Paco León), intervienen Inma Cuesta, Begoña Maestre, Myriam Gallego y Marc Clotet, entre otros.

Benito Zambrano con María León , rodando La voz dormida

El director de películas tan emotivas como su ópera prima Solas (1999), o la TV movie Padre Coraje (2002), con un sensacional Juan Diego, vuelve a apelar a los sentimientos para recordarnos un periodo de nuestra Historia que no debemos olvidar, basándose en una novela de Dulce Chacón . El responsable del descubrimiento para el gran público de grandes intérpretes como Ana Fernández, Macarena Gómez o María Galiana, concedió una entrevista a este blog a pocos días del estreno nacional de su último trabajo detrás de las cámaras. 

Pregunta: Las reacciones y el éxito de la película en el Festival de San Sebastián ¿le han hecho que se relaje o tiene nervios ante el estreno a nivel nacional?

Benito Zambrano: Yo ya estoy más tranquilo. Estos días la hemos pasado en otros lugares y la reacción de la gente me está dejando ya un poco más tranquilo. Va bien, cómo está funcionando todo y eso me hace feliz. Hombre, cuando se apaga la luz y empieza la película y estoy en la sala me pongo nervioso porque me preocupa cómo va a sentir la gente la película. Creo que todo lo que está pasando hasta ahora es muy bueno y maravilloso. Cuando ya se estrene comercialmente sentiré otro tipo de nervios por saber cómo la gente va reaccionar en el país.

P: ¿Qué vio en la novela de Dulce Chacón para decidir que su adaptación fuese su siguiente proyecto para la gran pantalla?

B.Z.: La novela me tocó, me conmovió, me hizo llorar, reir. Es una historia preciosa cargada de Historia, de un pasado con un tema de fondo como es la posguerra española contada desde las mujeres que es otra  visión que me interesó mucho.  Había muchos elementos que me atraían. Hablaba de la Historia de este país y  todo lo que tiene que ver con las historias paralelas, de las dos hermanas, Pepita (María León) y Hortensia (Inma Cuesta), me atraía mucho. Todos estos elementos eran para mí muy atractivos. Luego siempre uno termina haciendo la  película de  algo no sólo porque te guste y te toque sino porque realmente ves la posibilidad de hacer una película.

P: A la hora de elegir a las actrices, ¿tenía alguna ya en mente antes del rodaje? 

B.Z.: Yo cuando estoy trabajando en una  película, hasta que no tengo el guión cerrado, no me pongo a pensar en eso, es algo que me gusta descubrir en el proceso de casting de la película.

P: ¿Qué vio en María León para que interpretara a Pepita?

B.Z.: María es Pepita para mí. Tiene alegría, frescura, ganas de comerse el mundo, Pepita también es una mujer inteligente, increíble. Ambas cosas caminan juntas. Pepita para mí es María León y María León es Pepita.

P: Cuando María León recibió el Premio en el Festival de San Sebastián, mencionó que la mitad del premio era para Inma Cuesta...

B.Z.: Ese fue un detalle muy generoso e inteligente por parte de María. Ella sabe, porque lo hemos hablado mucho, que el trabajo de un actor depende no sólo de que él esté bien sino que el resto también lo esté porque si no, el actor no crece. Para interpretar a un buen personaje el actor debe tener un buen guión. Si a un actor se le da un personaje mal construido, la actuación no es que sea mala o el actor sea malo, es que el personaje es indefendible. Eso para empezar. Todo el mundo contribuye al trabajo del actor: el maquillaje, el  guión, los compañeros que tenga al lado. Todo hace que luzca su trabajo, aparte de su talento , por supuesto. Ningún actor puede hacer un gran trabajo, bueno, profesional,aceptable, serio, de oficio si no tiene un buen guión, un gran grupo de actores  y un equipo detrás. Todo esto influye.

P: En el reparto se da una curiosa circunstancia, ya que, aparte de María León, hay tres actrices que han trabajado o trabajan juntas en la actualidad (Inma Cuesta y Myriam Gallego triunfan con la serie Aguila Roja y Cuesta y Begoña Maestre interpretaron a dos hermanas en la segunda temporada de Amar en tiempos revueltos). El hecho de que se conocieran ¿favoreció a que hubiera un buen ambiente en el rodaje?

 

B.Z.: Todos los actores de la película han trabajado con mucha energía y compromiso, haciendo un trabajo de interpretación muy serio y riguroso. No he tenido ningún problema en ningún momento. Cuando los actores se conocen ayuda a que el trabajo sea más llevadero. En el caso de las tres actrices mencionadas, no coinciden juntas en pantalla. El único personaje que tiene relación con las tres es el que interpreta María León.

P: Todas sus películas se caracterizan por ser muy sentimentales ¿se ve haciendo en un futuro otros géneros como el terror, la ciencia ficción...?

B.Z.: Me planteo más hacer una comedia, mi cuerpo ya me pide que haga reír, pero es mucho más difícil encontrar un buen guión de comedia que un buen guión de drama.

P: Repasando su filmografía ¿se ha dado cuenta de la cantidad de actores que han saltado a la fama tras la intervención en sus películas?

B.Z.: En eso se fija más la prensa. He tenido la  suerte de haber trabajado con muy buenos actores, unos con más o menos experiencia y la verdad es que me siento muy contento con la gente con la que he trabajado porque se han logrado trabajos muy interesantes. Si da la casualidad que el proyecto en el que han intervenido es un "boom" y mis películas han servido para que sigan bien sus carreras después, pues yo me siento feliz. Todo depende del trabajo de casting, en este caso he contado con dos directores muy buenos: Luis Gimeno y Rosa Estévez que han hecho un trabajo excelente de búsqueda muy concienzudo. 

Tras estas últimas palabras sólo una cosa: Un servidor ha leído la novela de Dulce Chacón. Como consiga transmitir la emoción de las páginas a la pantalla, Benito Zambrano conseguirá, una vez más, emocionar al público con toda seguridad.

FOTO: MAESTRANZA FILMS

Ventura Rico: "Este premio ha sido una gran alegría y una inyección de moral"

La cara de Ventura Rico (Sevilla, 1963), expresa felicidad y satisfacción se mire por donde se mire. La concesión del Premio Nacional de Música 2011 en el ámbito de Interpretación a la Orquesta Barroca de Sevilla, de la que es cofundador y coordinador, ha sido un respaldo importante a un grupo de personas que, ante todo, aman la música. Rico, que, además de lo mencionado, es músico especializado en la viola da gamba, concedió a este blog una entrevista, que, como la buena música que la Orquesta se encarga de difundir, no debe dejar de leerla todo aquel amante de la música clásica. 

Ventura Rico, coordinador y cofundador de la Orquesta Barroca de Sevilla

Pregunta: ¿Qué siente al recibir este premio?

Ventura Rico: Una gran satisfacción, es un reconocimiento al trabajo que llevamos realizando desde hace 16 años. Somos una agrupación independiente, pequeña y nuestra existencia es más complicada que la de una gran orquesta sinfónica o una entidad más consolidada. Nosotros hemos ido progresando en consolidación, en la calidad de nuestro trabajo a lo largo de los años y por todo ello estamos contentísimos con este premio.

P: ¿La noticia de la concesión del premio fue una sorpresa?

V.R.: La verdad es que sí, no esperábamos nada. De hecho, una de las personas que trabajan en nuestra oficina, Nicolás, me llamó a casa y me dijo que le había llamado la Ministra de Cultura para decirnos que nos habían dado el Premio Nacional de Música. No nos lo esperábamos en absoluto y ha supuesto una gran alegría y una buena inyección de moral que nos hace falta porque es un trabajo muy esforzado y nos viene muy bien. También hemos recibido un telegrama del Presidente del Gobierno felicitándonos por el premio, además de muchas personas del mundo de la cultura, de la Junta de Andalucía, de autoridades etc...

P: Echando la vista atrás ¿qué hizo que en 1995 se crease la Orquesta Barroca de Sevilla?

V.R.: La Orquesta la fundamos Barry Sargent y yo. Barry Sargent es un violinista norteamericano que se había afincado en Mallorca. Ambos coincidimos en un curso de verano en Algeciras como profesores y comentamos  que había una generación joven de violinistas barrocos interesante con la que se podía formar ya una orquesta. Había ya un proyecto similar en la Universidad de Salamanca de Orquesta Barroca que fue nuestro modelo e intentamos hacer algo parecido. En la Universidad de Cádiz se intentó pero no pudo ser, aunque la idea se nos quedó. Ya en 1995 nos llamó el director de la primera edición del Festival de Música Antigua de Aracena por si conocíamos una orquesta barroca, fuimos diez personas, dimos allí nuestro primer concierto y ya empezamos a funcionar hasta que en 1998 Caja San Fernando nos apadrinó y eso supuso un salto cualitativo importante porque ya contamos con un presupuesto suficiente para poder traer a grandes directores y hacer proyectos ambiciosos. En 2009 acaba el patrocinio con Cajasol y pasamos un momento de crisis del que hemos conseguido remontarnos y somos optimistas con respecto a nuestro futuro. Nos estamos redefiniendo y diversificándonos, haciendo teatro para niños, proyectos pedagógicos, de cámara etc...

P: En la trayectoria de la Orquesta ha habido actuaciones en diversos países europeos (Francia, Alemania, Italia o Suiza) ¿cómo han sido esas experiencias en el extranjero?

V.R.: En esas actuaciones siempre hemos recurrido a un repertorio internacional. En Alemania hemos tocado temas de Handel, en Francia hemos hecho una gira con  El Mesías de Handel y también con un Oratorio de Handel Israel en Egipto, en Suiza hemos tocado Pasión según San Mateo. La experiencia ha sido muy buena, recuerdo el concierto en París en la Salle Gaveau, donde tuvimos una ovación del público impresionante y fue muy emocionante, además fue nuestra primera salida al extranjero.

P: ¿Qué criterio tienen para elaborar el repertorio de un concierto?

V.R: Siempre intentamos tener digamos "clásicos populares" de Haydn, Bach, Handel y los solemos combinar con obras de autores menos conocidos, de repertorio español, como Iribarren, Scarlatti, que no era español, pero vivió en España, Rabassa, compositor de la Catedral de Sevilla, del que hemos grabado un disco, e incluso autores extranjeros que son menos interpretados como Rameau, o música alemana del siglo XVII, como Muffat.

P: ¿Suelen incluir alguna sorpresa en los conciertos?

V.R: Alguna vez hemos hecho alguna "broma musical", pero nosotros pretendemos ser una Orquesta clásica, que toque bien, y que difunda un repertorio desconocido, pero también en el conocido, hacerlo bien.

P: ¿Se han planteado alguna vez hacer una variación moderna de algún tema clásico?

V.R: No, en ese sentido somos muy conservadores. Seguimos el modelo de las Orquestas del siglo XVIII y de las grandes Orquestas Barrocas europeas.

P: En ciudades europeas como Praga o Salzburgo hay conciertos de música clásica diaria y continuamente ¿Sevilla tiene capacidad para llegar a ese nivel? O en tal caso ¿qué faltaría según su opinión?

V.R: Sevilla tiene un público potencial de sobra. En esas  ciudades mencionadas lo que ocurre es que hay una combinación de factores: Hay un público formadísimo, tradicional, desde hace generaciones, tienen una educación musical que funciona muy bien, salas  adecuadas, la música está inserta en la vida de las personas como una costumbre más, como aquí la Semana Santa o la Feria. Pero yo creo que en Sevilla hay curiosidad por la música e interés y hay que ayudar a potenciar eso. Una serie de factores tendrían que ordenarse de una manera, además de tener más oferta y más organizada. Además, en esas ciudades centroeuropeas hay un sector de profesionales que son freelance, por la cantidad de trabajo que hay pero aquí no es posible y la gente joven opta por trabajar como profesor en un conservatorio, lo cual hace que se reduzca su actividad como músico activo.

 

P: Volviendo a la trayectoria de la Orquesta sorprende la cantidad de directores que han pasado por ella, como Jordi Savall (ganador del César de la Academia Francesa por la música para el filme Todas las mañanas del mundo ¿qué podría destacar de este factor?

V.R: Savall nos dirigió en una gira. La Orquesta ha contado con el elenco más brillante de directores: Gustav Leonhardt, Monica Huggett, Christophe Coin, Enrico Onofri, Harry Christophers....Han sido montones de profesionales de un nivel impresionante, la mayoría extranjeros aunque también hemos tenido directores españoles como el mencionado Savall, Eduardo López Banzo o el propio Pedro Halffter. Nosotros tenemos un criterio: decidir qué director nos conviene para un programa musical concreto, no tenemos un director titular, es una seña de identidad de la Orquesta.

P: De todos los autores que se interpretan  ¿tiene predilección por algunos?

V.R: Sí, sobre todo Johann Sebastian Bach y Joseph Haydn.

P: Para acabar, una pregunta cinéfila ¿considera que el cine ha retratado la vida de grandes compositores de forma acertada, con ejemplos como Amadeus o Copying Beethoven?

V.R: Creo que todo lo que sea dar una semblanza de un músico y ensalzar una figura como las mencionadas o Bach, es positivo. La película que mencionaste antes, Todas las mañanas del mundo, con el trabajo que hizo Jordi Savall, ha tenido un efecto tremendo en la difusión y el conocimiento sobre la viola da gamba y figuras como Sainte Colombe o Marin Marais, que eran desconocidas para el gran público, por lo tanto el nivel de divulgación del cine lo veo muy positivo.

Tras esta instructiva conversación, sólo me queda agradecer a Ventura Rico  los minutos de su tiempo que me dedicó y sumarme a las múltiples felicitaciones que la Orquesta Barroca de Sevilla ha recibido con motivo de este galardón que, como sevillano, siento mucho orgullo de que se lo hayan concedido.

FOTO: ALEJANDRO RECHE SELAS

"El primer día", terror para internautas

Cuando algo te gusta de verdad, si eres constante y tienes perseverancia, se puede lograr un objetivo. Esto lo ha demostrado David Luque (Sevilla, 1979). Aunque estudió Filología Inglesa, el cine fue para él, desde pequeño, una de sus grandes pasiones. Esa es la razón por la que, en la actualidad se está labrando una carrera en el terreno audiovisual con mucho esfuerzo e ilusión. Tras rodar el cortometraje Una escena más, se marchó a Inglaterra, para realizar diversos cursos de cine y ha dejado un muy buen sabor de boca gracias a otro cortometraje: The Wheel (La Rueda), rodado en inglés, el cual ha recorrido festivales de toda España ganando el Premio al Mejor Cortometraje en dos celebrados certámenes en Andalucía y Galicia.

David Luque, director de The Wheel y la webserie El primer día

En la actualidad Luque se encuentra ultimando el lanzamiento de una webserie de terror, "El primer día", en el que intervienen, entre otros, Sebastián Haro, popular gracias a películas como El laberinto del fauno o 15 días contigo, aparte de su papel de Gabino Cifuentes en la veterana serie Amar en tiempos revueltos, que repite con igual éxito la adaptación teatral. que dirige Antonio Onetti. También se puede ver a la actriz Teresa  Arbolí (la madre de Isaac y Paula en la serie Física o Química).

Luque tuvo la gentileza de contestar a una serie de preguntas para este blog, sobre su actual proyecto en Internet, del que ya se puede ver una parte del primer capítulo, donde aparecen precisamente los dos actores mencionados ,y de sus anteriores trabajos.

Pregunta: ¿Cuándo surge la idea de El primer día?

Respuesta: Hace un año yo quería hacer un corto, venía de Londres, ya había hecho The Wheel y las webseries ahora están de moda. Además, el tipo de terror que se muestra me gusta mucho desde siempre y José Luis López, coproductor,me ayudó en el proceso.

P: ¿Qué es lo que quiere contar en este proyecto?

R: Básicamente mostrar qué pasaría si en Sevilla la normalidad se viese alterada por un acontecimiento terrorífico. No hay  tiros porque no estamos en Ohio sino en Sevilla. Yo definiría este proyecto como una crónica de lo que ocurriría si el terror llegase inesperadamente a la vida cotidiana.

P: ¿Por qué elige el género del terror para este proyecto y el formato de webserie?

R:  Porque siempre es más digerible el terror que un drama sobre una ama de casa en un barrio pobre, sabes que va a haber un abanico más amplio de público. Y lo del formato webserie está motivado porque Internet es una plataforma de lanzamiento brutal actualmente y si a alguien le gusta mi forma de dirigir o el trabajo de las maquilladoras es muy fácil contactar con nosotros.

P: ¿Cuántos episodios tiene El primer día?

R: Hay seis episodios ya escritos y acaba de salir una parte del primer capítulo, y todo dependerá de que al público le guste.

P: ¿Qué puede decir del reparto?

R: Pues que participan Sebastián Haro y Teresa Arbolí, que ha salido en varias series de televisión. También está Mamen Gallardo, que es una de las fundadoras de la compañía de teatro Atalaya, Rita Iglesias y Sara Fernández. Es increíble la cantidad de actores buenos que están dispuestos a colaborar, como Sebastián Haro, que es un pedazo de actor. Si hubiese nacido en Minnesota a lo mejor tendría hasta un Oscar. Su hija también sale en la webserie. Aparte, él particularmente, el día antes de rodar una escena, no había dormido por un dolor de muelas y aun  así fue al rodaje. Ahí se demuestra la profesionalidad de él como actor.

Sebastian Haro y Teresa Arbolí, al fondo, en El primer día

 P: ¿El primer episodio tiene una trama con un final cerrado?

R: No, es un final abierto para que la historia continúe en el siguiente episodio, donde una serie de personajes morirán y otros sobrevivirán. Estos últimos continuarían en los siguientes episodios. Lo que pasa es que en los episodios piloto la gente puede reaccionar diciendo "no me interesa nada más" o espera a ver qué ocurre en el segundo. De hecho, hasta en las mejores series de televisión el episodio piloto no suele ser el mejor de todos.

P: ¿Cómo está concebida narrativamente?

R: La historia se divide en tres bloques, cada uno de un personaje, el de Sebastián Haro, una violinista y una chica normal y a cada uno le afecta la situación extraordinaria de un modo distinto. No se avisa en ningún momento lo que va a ocurrir.

P: Al ser una historia de terror, como manda el género, se necesita un buen maquillaje ¿cómo se consiguió para este proyecto?

R: Hemos tenido mucha suerte, he contado con tres maquilladoras, que han hecho un buen trabajo a pesar de contar con pocos medios. En el caso de la sangre o los vómitos, se ha usado de todo: colorante de comida, Cola Cao, caldo de verduras...Otro aspecto destacado son los implantes de heridas, porque cuando rodamos hacía muchísimo calor, 43 grados, y se derretían enseguida, incluso el suelo ardía y cuando los actores caían al suelo se quemaban de verdad.

P: ¿Podría destacar algo más del rodaje?

R: La profesionalidad de los actores. Sara Fernández se revuelca por el suelo, la muerden... y no se quejaban en ningún momento. He tenido suerte con los actores con los que he trabajado porque hay gente que sale de la escuela de interpretación y que hagan bien lo que se le pide es de agradecer. Ya verás cómo grita esa niña, la "Scream Queen". Todo el sufrimiento que se ve es debido a las perrerías que yo les mandaba hacer.

P: Echando un poco la vista atrás The Wheel (La Rueda) trata el mundo de las fortunetellers o adivinas ¿ usted cree en eso?

R: Yo fui hace unos años a una y fue curioso porque me adivinó cosas de mi presente y de mi pasado, sin conocerme de nada pero del futuro me dijo que llegaría a ser director de cine. Es un origen lejano del cortometraje. También me interesaba hacer algo sobre el maltrato, pero hacerlo de una manera diferente, porque es un tema que se ha abordado ya mucho.


P: En el corto el espectador llega a saber el futuro de la protagonista pero ella no ¿por qué decide que sea así?

R: Siempre me han gustado los contrastes en todo lo que escribo. No sabemos lo que va a pasar pero se nos muestra lo que la adivina ve, aunque yo lo dejo todo a la interpretación libre del espectador y que la gente saque sus conclusiones. Una de las cosas que la gente ha destacado y que siempre imprimo a mis trabajos, es un buen ritmo. De hecho, este corto dura nueve minutos y se pasan muy rápido.

P: ¿Qué puede decir de su futuro más inmediato?

R: Pues, después de El primer día, estoy dándoles vueltas a una historia para otro cortometraje, con los mejores actores y medios que pueda conseguir, pero sería una historia más pequeña, más tranquila en comparación con la webserie.

Bueno, pues, después de esta conversación, sólo queda esperar a la reacción de la gente y que disfruten, gracias a David Luque, de una buena dosis de terror en la Red. Para aquellos que no quieran esperar visiten la Web de "El Primer Día".

Juventud + talento + pasión por el cine = Angel Gómez Hernández

El post parece lógicamente una operación matemática, pero simplemente refleja las cualidades de un cineasta, Angel Gómez Hernández. Nacido en Algeciras en 1988, con 23 años recién cumplidos, este joven ha visto cómo sus cortometrajes han obtenido diversos premios y los dos últimos, Sed de luz (2010) y La última víctima, están teniendo una muy buena acogida, incluso a nivel internacional. El segundo título mencionado ha sido presentado en el prestigioso Festival de Sitges, además de confirmarse que viajará a ciudades como Lyon y Bogotá.

Angel Gómez, a la izquierda, durante el rodaje de Sed de Luz

El cortometraje La última víctima está protagonizado por Macarena Gómez, Lola en La que se avecina, con experiencia en el cine de terror, gracias, entre otras, a Para entrar a vivir, dirigida por Jaume Balagueró en 2006 y englobada en las Películas para no dormir. Además de Gómez, intervienen Juanma Lara y Gale, ambos vistos en otras series, como Hospital Central. De sus inicios, sus inquietudes y proyectos más inmediatos Angel Gómez charló con un servidor y contestó amablemente a una serie de preguntas. Sigan leyendo y descubrirán a un diamante el bruto de nuestro futuro cine.

Pregunta: ¿Cuando comienza su afición por el cine?

Respuesta: Desde siempre me ha gustado y mi padre, Angel Gómez Rivero, ha tenido una predilección por el cine fantástico y de terror, además de tener una serie de amistades, como Paul Naschy o Chicho Ibáñez Serrador, que solían ir a mi casa, ya que se ha movido mucho por festivales, siendo redactor jefe en Sitges alrededor de 25 años. Además, él es novelista y ha escrito ensayos cinematográficos como Paul Naschy: La máscara de Jacinto Molina o Cine Zombie y a través de las amistades mencionadas, además de otras, como Carlos Aured, me fue interesando el mundo del cine. Escuchar especialmente a Paul Naschy hablar de los rodajes, me hizo que me dijera que me gustaría conseguir eso. Todo empezó como un juego ya que empecé con cortos que emulaban a películas como Viernes 13 o La noche de Halloween, que era el cine que me atraía. Y poco a poco ese juego fue ocupando más espacio en mi vida.

Pregunta: ¿A qué edad realiza su primer cortometraje?

Angel Gómez Hernández: El primero lo hice a los 12 años con una cámara Súper 8, pero, digamos, el primero un poco serio, La cuanta atrás lo dirijo en 2002 donde el equipo y los actores eran más profesionales.

Pregunta: Haciendo un salto en el tiempo, "Sed de luz" ha sido visto en América, concretamente, en Illinois y Atlanta, además de confirmarse su proyección en Sudáfrica ¿tiene noticias de la repercusión allí? ¿Qué destacarías del reconocimiento de tus cortometrajes, a nivel de premios?

A.G.H.: La verdad es que no suelo seguir ese proceso, cuando envío un corto a un festival, me intereso por si ha sido seleccionado y finalmente premiado pero nada más.No me gusta ver los cortos con los que compito, por ejemplo sé que ha sido seleccionado en Dallas. A nivel de premios, acabamos de recibir uno con Sed de Luz, (en el Festival Cesur en Corto), y con mis anteriores cortos, como Lágrimas de papel (2008), El Perdón (2005) o Vuelven (2007) he obtenido 16 premios en distintas zonas: Sevilla, Cáceres, Madrid, Cádiz etc...

P: ¿Cómo definiría Sed de luz?

A.G.H.: Es un cortometraje que siempre quise rodar, tiene una temática y género muy concretos, que no se puede desvelar hasta que no se ve. He sido desde niño seguidor de ese tipo de cine, de ese tipo de terror. Fue un sueño poder rodarla y me ha servido de gran entrenamiento para "La última víctima".

P: ¿Qué siente al ver que este corto, dedicado a Paul Naschy, está incluido en los extras del DVD de La noche del demonio (Jacques Tourneur, 1957)?

A.G.H.: Es un honor. Es para estar contento, porque, además, creo que de diciembre a abril ha sido el DVD de terror más vendido. Aparte, me gusta mucho el cine de Tourneur.

P: ¿Y qué nos puede contar de La última víctima?

A.G.H.: Es un proyecto ambicioso, duro y arduo en cuanto a producción, preproducción y postproducción y ha marcado una senda a seguir, fue un rodaje duro pero muy satisfactorio. 

P: En La última víctima destaca el entorno rural en el que se desarrolla...

A.G.H.: Sí, es una historia de terror rural, transcurre en un pueblo frío, alejado de la civilización, desconectado del mundo. Además, la historia se ubica temporalmente en 1994, época en la que no hay teléfonos móviles y la incomunicación aumenta las situaciones de terror.

P: Tengo entendido que su último proyecto es un western con elementos de terror titulado Y la muerte lo seguía....

A.G.H.: Sí, repetirán Gale, Macarena Gómez y Juanma Lara y también intervendrán Pedro Casablanc (Motivos Personales), Lidia San José (A las once en casa) y Manuel Tallafé (actor fetiche de Alex de la Iglesia). Quedan personajes por asignar y el proyecto llama la atención por tratarse precisamente de un western de terror. 

P: ¿Le han influido videojuegos como Resident Evil para sus cortometrajes? 

A.G.H.: No mucho, he jugado a algunos, pero más bien ha sido algo por etapas,  de hecho, al estar este último corto ambientado en el Oeste, me han recomendado que le eche un vistazo a , aunque sí es cierto que el cine está muy influenciado por los videojuegos.

P: ¿Qué influencias o referentes principales tiene a nivel cinematográfico?

A.G.H.: Mis directores favoritos son Alfred Hitchcock, Billy Wilder, Sergio Leone, Murnau y Stanley Kubrick. Pero muchos me han dicho que mis cortos recuerdan a M. Night Shyamalan y es algo que me gusta mucho.

P: ¿Qué opina del cine de terror que se hace actualmente en España?

A.G.H.: Tengo una muy buena opinión. Títulos como Los Otros, la saga de Rec, El Orfanato, Los Cronocrímenes, y no sólo de terror sino también de suspense como "Buried"porque para mí son una esperanza, ver que se está respaldando este tipo de cine.

P: ¿Tiene pensado el salto al largometraje?

A.G.H.: Hay varias ideas. En su día se pensó transformar la historia de mi corto Lágrimas de Papel, que protagonizaba Paul Naschy, en un largometraje, estaba todo preparado, iba a ser una película modesta, pero desgraciadamente Paul nos dejó y para mí fue como perder a alguien de mi familia. Actualmente, después del corto ambientado en el Oeste, si funciona, pasaré ya al largometraje.

Tras esta cinéfila charla con alguien tan joven y con un bagaje tan extenso y con tanta proyección, no puedo hacer otra cosa que agradecer a Angel el tiempo que me atendió y desearle toda la suerte del mundo, porque, como siga así, puede llegar muy lejos.

FOTO Y VIDEOS INCLUIDOS CON LA AUTORIZACIÓN DE ANGEL GÓMEZ

¿Dónde estaba el mando de la PlayStation?

             CRÍTICA CINEMATOGRÁFICA: LOS TRES MOSQUETEROS

Una historia puede contarse muchas veces, y la forma en que se hace es donde se nota la diferencia. El cine se ha servido de clásicos de la literatura desde siempre. En la actualidad se está volviendo a esta tendencia, baste echar un vistazo a la revisión de Alicia en el País de las Maravillas, de la mano de Tim Burton, que imprimía su particular universo visual al mundo de fantasía imaginado por Lewis Carroll. Otro ejemplo es Sherlock Holmes, por parte de Guy Ritchie y que le daba un atractivo toque a las aventuras de este famoso detective salido de la mente de Arthur Conan Doyle.

D'Artagnan en pleno y múltiple combate

Ahora le ha llegado el turno a otro clásico incontestable: Los tres mosqueteros de Alejandro Dumas padre. Esta obra cumbre de las letras francesas ha sido revisitada de la mano del director Paul W.S.Anderson. Y es que el pasado y el estilo traiciona, pero no en el mal sentido. Me explico: si Anderson, a lo largo de su carrera ha destacado por adaptar para la gran pantalla videojuegos como Mortal Kombat (1995) o Resident Evil (2002) y secuelas, de las que ha ejercido en algunas de guionista y productor y con cuya protagonista, Milla Jovovich, se casó hace dos años, es normal que el estilo de los videojuegos se imponga incluso en una historia que transcurre en el siglo XVII. 

El factor histórico hace que las coreografías de luchas y, sobre todo, el inicio del filme, se inspiren claramente, por no decir descaradamente, en una de las sagas de videojuegos actuales de mayor éxito: Assassin's Creed, cuya segunda parte está ambientada en la Italia del Renacimiento y con uno de los tramos de la historia transcurriendo en Venecia, ciudad donde comienza la película. Además, en el videojuego, el protagonista es ayudado por Leonardo Da Vinci y sus inventos y la misión veneciana de esta película tiene que ver también con este artista visionario ¿casualidad?, yo creo que no. Tal es así que creía estar viendo el propio videojuego en la pantalla del cine.

Imagen de Assassin's Creed 2, referente del filme

Luego, el director tiene la decencia de contar la historia literaria de Dumas con la llegada a París de D'Artagnan y el inicio de su amistad con los tres mosqueteros. Pero simplemente es correcto, aunque se tome licencias narrativas y se centre únicamente en la famosa aventura de los herretes de diamantes de la Reina Ana. El director abandona la historia clásica en el tercio final para volver a plantearnos unas secuencias de videojuegos, con un estilo visual atractivo.

Precisamente, si hablamos de atractivos, la película los tiene en la elección de los villanos de la función: Christoph Waltz (ganador del Oscar hace dos años por Malditos Bastardos, de Quentin Tarantino) interpreta convincentemente al Cardenal Richelieu, Orlando Bloom encarna al Duque de Buckingham, y Milla Jovovich interpreta a Milady, transformada en una letal asesina y que tiene secuencias de acción, como recuerdo de su papel en las películas de Resident Evil, aunque hay que decir que parece más posar, no en vano también es modelo, que actuar.

Milla Jovovich, esposa del director, como Milady

La película, hecha para los espectadores del siglo XXI, acaba dando a entender que habrá una nueva franquicia de películas, esta vez con los mosqueteros de protagonistas, pero, personalmente, no creo que hagan olvidar a otras versiones anteriores, donde, he de confesar, sigo prefiriendo la versión dirigida por George Sidney en 1948 y protagonizada por Gene Kelly, Lana Turner, Vincent Price, June Allyson y Angela Lansbury y que sí abarca narrativamente toda la trama de la novela.

La entrañable Shirley

                       CRÍTICA TEATRAL: SHIRLEY VALENTINE 

El teatro es palabra y movimiento que consigue despertar sentimientos en el público y hacer que reaccione de diversas maneras, como que ría o se emocióne ante lo que se ve en el escenario. Todo esto tiene mucho más mérito si se consigue con un solo personaje en escena, donde habla consigo mismo o con el público, lo que se conoce como monólogo. El Teatro Quintero ha inaugurado su temporada con uno, y la jugada le ha salido redonda. Shirley Valentine, de Willy Russell, es una pieza excepcional, algo a lo que contribuye la actriz que encarna a la mujer del título: Verónica Forqué. 

La obra consigue que te rías a carcajadas en muchos momentos y sientas ternura en otros, ya que Shriley es un ama de casa que cuenta al público y a la pared de su cocina lo que ha sido su vida y la ilusión que tiene por realizar un viaje a Grecia, un lugar donde la protagonista puede sentirse libre y salir de su rutina, que acepta con resignación en un primer momento. 

Verónica Forqué, una perfecta Shirley Valentine

La adaptación que realiza Nacho Artime de la obra estrenada en 1986 tiene pequeños guiños más modernos para hacer el texto más cercano al espectador aunque Shirley hable de temas universales como el matrimonio, el sexo o la rebeldía. Además, la puesta en escena es muy sencilla pero muy realista y el vestuario, sobre todo el de la primera parte de la obra contribuye al retrato del ama de casa que es Shirley Valentine.

La interpretación de Verónica Forqué es sencillamente perfecta y se nota que la directrices que le ha marcado el director de la función, su pareja en la vida real, Manuel Iborra son las idóneas para que Shirley consiga expresar pasajes de su vida con humor, tristeza o melancolía. El personaje pasa por estas etapas con una enorme convicción y eso es gracias a las inmensas dotes interpretativas de Forqué, que demuestra ser una de las grandes intérpretes de este país.

Hasta hoy había visto representado un solo monólogo: Cinco horas con Mario de Miguel Delibes, con una prodigiosa Lola Herrera en un papel, el de Carmen Sotillo, que ha retomado recientemente Natalia Millán. Pues bien, hoy puedo decir sin ninguna duda que Shirley Valentine, es, como la mencionada pieza de Delibes, uno de los grandes monólogos del siglo XX, con una protagonista de la que te gustaría saber más cosas y, sobre todo, hacerte amigo suyo, porque Shirley es una mujer, en el buen sentido, para llevársela a casa.

Maravilla sobre hielo

CRÍTICA DE ESPECTÁCULOS: EL LAGO DE LOS CISNES SOBRE HIELO

Creo que el título del post ya lo dice todo: El Lago de los Cisnes sobre hielo es una auténtica maravilla. La inmortal obra de Tchaikovsky es puesta en pie por la compañía The Imperial Ice Stars, dirigida por Tony Mercer de una manera impecable. La hermosa historia de amor entre Odette (Olga Sharutenko) y el Príncipe Siegfried (Andrei Penkin), está narrada de una manera ejemplar, gracias al poder de la música y las coreografías de patinaje sobre hielo que le da un  aliciente a la representación, y donde se demuestra con creces que el elenco está muy experimentado y que haya ganado tantas medallas en competiciones internacionales.

Es tal la fuerza y profesionalidad de los bailarines que la historia se entiende sin necesidad de que se diga una sola palabra, en una historia donde convive armoniosamente el mundo real con la fantasía y la magia. Hay muchos aspectos que destacar, como las coreografías de diversos momentos: el baile de los cisnes blancos con su hermosísima melodía, o los bailes en el palacio donde hay parejas de varias nacionalidades, incluso una española, muy reconocible, bailes en el aire o vertiginosos giros. 

El grupo de los cisnes blancos, con Odette en el centro

Sólo una pincelada del argumento: la aparición de Odile (Olena Pyatash), el "cisne negro", con su padre el Barón Von Rothbart (Vadim Yarkov), le da el contrapunto oscuro, nunca mejor dicho, a la historia y el comienzo del conflicto de la obra, donde la rivalidad en el amor tiene un contrapunto fuerte en la forma de bailar de los dos cisnes: Odette, el cisne blanco, es toda delicadeza mietras que Odile es más brusca y provocadora. En un apunte cinematográfico, diré que ahora entiendo el conflicto y el esfuerzo del personaje de Natalie Portman en Cisne Negro (Darren Aronofsky, 2010) por interpretar a los dos cisnes, ya que son muy diferentes y hacerlos una misma bailarina era un gran reto.

Odile, Siegfried y Odette, protagonistas del ballet de Tchaikovsky

La luz en este espectáculo tiene un papel muy importante, ya que sirve para complementar la ambientación del lugar o el momento que se está desarrollando en el escenario: luces blancas, violetas o azules contribuyen a la belleza de un espectáculo difícil de olvidar. Ojo, no marcharse al terminar la obra: después de los aplausos hay regalo extra.  Por lo tanto, un consejo: NO SE LO PIERDAN. 

"La voz dormida", un libro lleno de sensibilidad

Siempre que se estrena una película basada en una novela, he sentido la necesidad de leerme el material de partida. A la espera del estreno el 21 de octubre, ayer acabé de leerme La voz dormida de Dulce Chacón y ahora entiendo el éxito de la película de Benito Zambrano en el Festival de San Sebastián. 

La novela, publicada en 2002, un año antes de fallecer su autora, es un  duro y conmovedor retrato de la posguerra española, donde el protagonismo se centra en un grupo de presas en la cárcel de Ventas de Madrid, sus familiares y en la descripción dentro y fuera del centro penitenciario. La novela tiene la virtud de leerse rápido al estar compuesta de muchos episodios cortos. Su estilo narrativo puede chocar al principio porque repite frases con bastante frecuencia, pero yo lo achaco a que la narración es una especie de gran recuerdo, que la autora pudo esbozar gracias a la ayuda brindada por personas que vivieron esa época de primera mano.

Dulce Chacón (1954-2003)

La historia gana en emotividad, aparte  de cuando narra los acontecimientos que viven los protagonistas de la historia, en el constante recuerdo a las trece jóvenes fusiladas en 1939, conocidas como Las Trece Rosas, hecho que fue reflejado en una extraordinaria película dirigida por Emilio Martínez Lázaro en 2007 y con un reparto que incluía a Pilar López de Ayala, Marta Etura, Verónica Sánchez,  Nadia de Santiago, Félix Gómez y Fran Perea, entre otros muchos.

Cartel de Las 13 rosas

La voz dormida es otro ejemplo de capacidad narrativa y descriptiva ya que, hablando a título personal, consigue que el lector empatice con los personajes y les coja cariño logrando que se tenga interés por conocer el destino de ellos. Con un libro así, si la película de Benito Zambrano consigue transmitir la emotividad de las páginas escritas por Chacón, las lágrimas están aseguradas y como lector, reconozco que la elección de María León como Pepita, y de Inma Cuesta en el de Hortensia, son acertadas, sólo queda que vea la película  y pueda opinar con criterio de la adaptación, aunque el tráiler ya da una pista de la sensibilidad de la película.

Ya, cuando haya visto la película, me centraré en su análisis, lógicamente sin destripar la trama, pero, en estas líneas, quisiera felicitar desde aquí al equipo de la película y en especial a Zambrano y a María León, premiada como Mejor Actriz en el anteriormente citado Festival de San Sebastián.