El Teatro Lope de Vega acogerá dos estrenos nacionales y una ópera de Mozart en la temporada 2012-2013

EL  CONVENTO SANTA CLARA SERÁ OTRO ESPACIO DEL TEATRO

Una programación para todos los gustos es lo que ofrecerá el Teatro Lope de Vega la temporada 2012-2013. El director del Teatro, Juan Víctor Rodríguez Yagüe y la delegada de cultura del Ayuntamiento de Sevilla Mª del Mar Sánchez Estrella se encargaron de desgranar algunos aspectos de la temporada próxima que viene cargada de novedades. Sánchez Estrella destacó el hecho de que "hasta cinco compañías sevillanas van a estar en el Teatro Lope de Vega". Por otro lado mencionó que " en el espacio Santa Clara, al norte de la ciudad, se representarán obras de pequeño formato". En este aspecto destacan, del 8 al 11 de noviembre La lengua en pedazos de Juan Mayorga, con Clara Sanchís y Pedro Miguel Martínez o Informe para una academia, de Franz Kafka, con Luisa Martín (Médico de Familia, Gran Reserva) dirigida por Juan Carlos Pérez de la Fuente, del 13 al 15 de febrero.

El Teatro, tras la Bienal de Flamenco y la actuación de Moncho el 2 de octubre,  comenzará las representaciones teatrales con El Buscón de Francisco de Quevedo a cargo de la Compañía de Teatro Clásico de Sevilla con dirección de Alfonso Zurro. 

Sánchez Estrella y Rodríguez Yagüe durante la presentación

En líneas generales hay que destacar dos estrenos nacionales: el primero de ellos, del 11 al 14 de octubre, Wilt: El crimen de la muñeca hinchable de Tom Sharpe con Fernando Guillén Cuervo, Ana Milán (Física o Química) y Angel de Andrés, entre otros. El segundo vendrá a cargo del veterano director de escena Miguel Narros, quien estuvo en la presentación de la programación junto con el productor Celestino Aranda.  Narros estará por partida doble en el Lope de Vega: del 22 al 25 de noviembre con Yerma, de Federico García Lorca, protagonizada por Silvia Marsó, Marcial Alvarez e Iván Hermes (ambos han coincidido en la serie Bandolera), entre otros y del 31 de enero al 3 de febrero con el mencionado estreno nacional, el de El sirviente de Robin Maughan, obra de la que Joseph Losey hizo una película con Dirk Bogarde en 1963, y que protagonizarán Eloy Azorín y Eusebio Poncela.

Pero, antes de adentrarnos más en la programación teatral hay que destacar la puesta en escena del 16 al 18 de diciembre, de la ópera Cosi fan tutte de Mozart, que, en palabras de Rodríguez Yagüe "se trata de un convenio entre la Universidad y el Conservatorio de Sevilla con la Universidad y el Conservatorio de Varsovia. Es una ópera de cámara". Del 2 al 11 de noviembre, se celebrará una nueva edición del Festival de Cine Europeo. Además Lope de Vega no podía faltar a la cita con el teatro que lleva su nombre y, en este caso, llega en forma de espectáculo flamenco con Fuenteovejuna a cargo de la Compañía de Antonio Gades los días 19 y 20 de enero

La programación teatral combinará teatro clásico y contemporáneo, donde se incluye desde una visión moderna de La Regenta, que estará del 24 al 26 de octubre, protagonizada por Mariona Ribas, una buena ración del ingenio de Enrique Jardiel Poncela, del 29 de noviembre al 2 de diciembre, con Los habitantes de la casa deshabitada, con un extenso reparto encabezado por Pepe Viyuela (Chema, en Aída), hasta un clásico de nuestro teatro como La vida es sueño de Calderón de la Barca del 6 al 10 de febrero, a cargo de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, en el primer montaje de su nueva directora, Helena Pimenta, y con Blanca Portillo encarnando el personaje de Segismundo.

JUAN DIEGO, NURIA ESPERT, MARIBEL VERDÚ, CAYETANA GUILLÉN CUERVO O JOSÉ SACRISTÁN, TAMBIÉN SE SUBIRÁN A LAS TABLAS DEL TEATRO

Otros nombres propios, en lo referente al teatro son el actor Juan Diego quien vendrá los días 15 y 16 de diciembre con La lengua madre, de Juan José Millás, con dirección de Emilio Hernández; por su parte, el director Gerardo Vera, que traerá a Sevilla La Loba de Lillian Hellman del 10 al 13 de enero. Recordada por la versión cinematográfica protagonizada en 1941 por Bette Davis, esta producción del Centro Dramático Nacional y Juanjo Seoane contará en el reparto con Nuria Espert, Héctor Colomé o Carmen Conesa. El célebre autor Chejov tendrá cabida esta temporada, del 24 al 27 de enero, con la obra Tío Vania a cargo de la compañía L'Om Imprebis. Por otro lado, del 14 al 17 de febrero se podrá ver Orquesta de señoritas, de Jean Anouilh, con Juan Ribó o Juan Carlos Naya dirigidos por Juan Carlos Pérez de la Fuente.

La compañía sevillana La Fundición pisará las tablas del Lope de Vega con Tomar Partido, obra dirigida por Pedro Alvarez Ossorio y protagonizada por Antonio Dechent. El relevo teatral lo tomará el ciclo Las cinco caras de Rafael Alvarez el Brujo, quien, del 27 de febrero al 3 de marzo representará una obra diferente, como El Testigo, La Odisea o Mujeres de Shakespeare.

El mes de marzo traerá al actor Miguel Angel Solá ejerciendo de director de la obra Antes te gustaba la lluvia, de Lot Vekemans, protagonizada por Blanca Oteyza y Sergio Otegui y que estará en cartel del 7 al 10 de dicho mes. Otros dos platos fuertes serán Si supiera cantar me salvaría (El crítico) de Juan Mayorga, con Pere Ponce y Juanjo Puigcorbé, del 14 al 17 de marzo, y El tipo de al lado, de Catarina Mazzetti donde Maribel Verdú Y Antonio Molero son dirigidos por José Mª Pou, del 19 al 23 de marzo.

Abril comienza con La dama de las camelias (del 3 al 7) de Alexandre Dumas hijo en una coproducción de la Compañía TNT y la Junta de Andalucía, dirigida por Ricardo Iniesta y Juana Casado. A continuación, del 10 al 14, la Agrupación Alvarez Quintero pone en escena El Nido, de los hermanos sevillanos que dan título a la compañía.

Del 2 al 5 de mayo,llegará El Malentendido de Albert Camus, donde Cayetana Guillén Cuervo será dirigida por Eduardo Vasco la Agrupación Alvarez Quintero pone en escena El Nido, de los hermanos sevillanos que dan título a la compañía, mientras que, del 8 al 12 de mayo el actor José Sacristán traerá el espíritu cervantino con Yo soy Don Quijote de la Mancha  y otro veterano, Arturo Fernández, vendrá del 15 al 26 de mayo con la obra Los hombres no mienten que dirige además de interpretarla. La Compañía La Cubana estará del 6 al 16 de junio con su espectáculo Campanadas de boda.

Con respecto a otros eventos destaca el circo con Cirque Style, del 5 al 9 de diciembre, conciertos como los de Mayte Martín, el 22 de octubre, Pastora Soler, el 26 y el 27 de noviembre, Juan Perro, el 22 de enero, Valderrama, el 12 de marzo , o José Manuel Soto, el 30 de abril, así como un homenaje a Rafael de León, el 23 de abril. También habrá espacio para el fado de la mano de artistas como Carminho, que actuará el 10 de octubre, Misia, el 16 de octubre o Cuca Roseta, el 19 de febrero.

YO SI FUERA USTEDES ME HACÍA UN CALENDARIO, PORQUE HAY MUCHOS EVENTOS APETECIBLES A LOS QUE IR.

Todos somos Viriato

                              ANÁLISIS DE LA SERIE "HISPANIA: LA LEYENDA"

Ha terminado, a mi modo de ver, una gran serie. Hispania: La leyenda ha demostrado que los esfuerzos en España por realizar productos televisivos de calidad pueden dar buenos frutos. Las series históricas son un gran filón si se saben hacer bien y sin complejos a las comparaciones. En este caso, al estar ambientada en la época del Imperio Romano, la gente suele acordarse de famosos filmes o series recientes extranjeras, pero no hay nada mejor que llevarlo a un terreno propio, la de la narración de la historia de un héroe nacional, cuya vida se encuentra envuelta entre la realidad y parte de leyenda, aunque sí se confirma que fue un hombre que existió y que luchó contra los romanos como ha reflejado la serie.

Aparte de un esfuerzo de producción importante, por parte de Bambú Producciones y que ha dado como resultado una recreación de la época muy creíbles, con unos paisajes espectaculares, el punto fuerte de la serie se encuentra en la calidad de los actores, que se traduce en que, por sus acciones despierten distintos sentimientos. Con su encarnación de Viriato, Roberto Enríquez ha demostrado una capacidad para emocionar extraordinaria: La muerte de Viriato forma parte ya de las imágenes imborrables de la historia de la ficción televisiva española. Viriato necesitaba un físico y una energía que Enríquez ha sabido darle con contundencia, despertando ternura y emoción. Con este personaje se ve que a Enríquez le van muy bien los personajes complejos y con finales trágicos. Su personaje en La Señora, donde curiosamente era "padre" de Manuela Vellés (Elena en Hispania), tenía un final en 14 de Abril. La República igual de trágico pero , pienso que por las características de ese otro personaje, totalmente opuesto al de Viriato, su muerte no fue muy lamentada, como sí lo era la de su personaje en la obra de teatro La Gaviota de Chejov que el actor hizo en 2002-2003 bajo la dirección de Amelia Ochandiano compartiendo escenario con Silvia Abascal y Carmen Elías, entre otros.

Por otro lado, uno de los atractivos de Hispania: La leyenda, eran los romanos cuya crueldad no tenía límites. Lluis Homar como Galba muestra un registro más cruel aún que el que se le pudo ver en Los Borgia (Antonio Hernández, 2006), pero si hablamos de maldad y falta de escrúpulos se lleva la palma los personajes encarnados por Nathalie Poza y Jesús Olmedo, éste último sin ningún tipo de remordimientos a la hora de atravesar el cuerpo de algún enemigo y Claudia (Poza), es un claro ejemplo de poder de manipulación y de momentáneos momentos de debilidad. 

 El resto del reparto está a la altura con Hovic, Juan José Ballesta y Alfonso Bassave como fieles aliados de Viriato y que cumplen como nunca la frase de "juntos hasta la muerte". Iván Sánchez demuestra, con respecto a su personaje que la sangre tira y uno no puede evitar ser lo que se es.

Al término de la serie, uno siente pena por el destino de Viriato y sus amigos, pero con el adelanto del spin off Imperium, nos ha dejado con ganas de saber lo que se cuece en Roma. Estaremos esperando su comienzo, ya que los enemigos ya no se encuentran en un pueblo invadido, sino en "casa".

Tributo a Juan Luis Galiardo (1940-2012)

Cuando he escuchado su nombre no podía creerlo. El actor Juan Luis Galiardo ha muerto a los 72 años. Digo que no me lo creo porque yo lo conocí el pasado mes de enero durante la presentación en el Teatro Lope de Vega de Sevilla de la obra con la que yo lo veía por primera vez sobre un escenario: El Avaro de Moliere, donde asumía el papel de Harpagón, uno de los iconos del teatro universal.

Juan Luis Galiardo durante su visita a Sevilla con El Avaro

Durante la sesión de fotos y la rueda de prensa, desprendió una espontaneidad y alegría contagiosas, gracias a sus acertados golpes de humor, además de darme un abrazo cuando acabó la rueda de prensa. Incluso fue con una furgoneta por Triana promocionando la mencionada obra de teatro, dirigida por Jorge Lavelli. Además se mostraba entuiasmado con su participación en la serie Gran Hotel, donde estaba rodando junto a Concha Velasco y otros muchos actores y tenía palabras de elogio por la ilusión de los jóvenes protagonistas de la serie: Amaia Salamanca y Yon González.

Con la muerte de Juan Luis Galiardo el panorama artistico español se queda sin una de sus figuras más carismáticas, uno de esos seductores natos que mantenía ese aire de don Juan que le vino como anillo al dedo para el primer papel que yo recuerdo verle inerpretar cuando yo tenía trece años: Alvaro Mesía en la serie de TVE  La Regenta (Ferrnando Méndez Leite, 1995), una ejemplar adaptación de la novela de Leopoldo Alas "Clarín", donde seducía a la protagonista, encarnada por Aitana Sánchez Gijón y tenía escenas de gran complicidad con el personaje que interpretaba Fiorella Faltoyano.

En La Regenta junto a Aitana Sánchez Gijón

Pero al ir haciéndome mayor fui siendo más consciente de la importancia de este singular actor. Otro recuerdo es televisivo, por una reposición de la serie Anillos de oro (Pedro Masó, 1983), serie encabezada por Ana Diosdado, creadora a su vez de la serie y un joven Imanol Arias, encarnando a una pareja de abogados especalizados en divorcios. En el capítulo en el que Juan Luis Galiardo intervenía compartía escenas con dos bellas actrices: Mónica Randall y María Kosty.

Pero hay que decir que la carrera de Juan Luis Galiardo está plagada de éxitos con varias características: Por ejemplo,su figura estará siempre ligada a otro icono de la literatura: Don Quijote, al que el actor gaditano interpretó a las órdenes de Manuel Guiérrez Aragón, en El caballero Don Quijote (2002), adaptando la segunda parte de  novela de Cervantes y completando el proyecto iniciado en 1992 por el mencionado director con la serie El Quijote y que interpretó Fernando Rey. Por si fuera poco, Juan Luis Galiardo interpretó al propio Miguel de Cervantes en la comedia de época Miguel y William (Inés Paris, 2007) donde se especulaba con un encuentro entre Cervantes y Willliam Shakespeare,con, además, la dulzura de una hermosa Elena Anaya.

Otro nombre asociado a Juan Luis Galiardo es el de Juan Echanove, con el que hizo la serie Turno de Oficio (Antonio Mercero, 1986), junto a Carmen Elías y que repetirían en una segunda parte de la serie en 1996.

 Con Echanove también participó en dos películas de un director clave en la carrera del actor Suspiros de España (y Portugal)(1995) y Siempre hay un camino a la derecha (1997). El director de ambas era José Luis García Sánchez, con quien Galiardo rodó varios filmes más, entre ellos Adiós con el corazón (2000), por cuya interpretación obtuvo el Goya al Mejor Actor Protagonista.

Si echamos la vista atrás la carrera de Juan Luis Galiardo comienza a fraguarse a comienzos de los años 60, sobre todo con su participación en El Camino (Ana Mariscal, 1963), adaptación al cine de la aclamada novela de Miguel Delibes y se fue consollidando en filmes como Novios 68 (Pedro Lazaga,1967) , Coqueluche (Germán Lorente, 1970) junto a Analía Gadé y Gracita Morales o Un día con Sergio (Rafael Romero archent 1977) junto a Lina Morgan. Antes de esta película, a comienzos de los 70, Galiardo tuvo un momento de proyección internacional gracias a proyectos intenacionales al lado de mitos del cine como Charlton Heston, con quien rodaría Marco Antonio y Cleopatra (1972) también dirigida por Heston y donde aparecía una bella Carmen Sevilla y La selva blanca (Ken Annakin, 1972). De igual modo participó en Blanco, rojo y... (Alberto Lattuada, 1972) junto a Sophia Loren.

Si hay algo que ha caracterizado a la carrera de Juan Luis Galiardo es también haber rodado con bellas mujeres como fue el caso de Amparo Muñoz, primero en Clara es el precio (Vicente Aranda, 1975) y luego en la sorprendente ópera prima de Fernando León de Aranoa, Familia,en 1996. Otra curiosidad es su aparicion en la serie Farmacia de guardia, de Antonio Mercero,interpretándose a sí mismo.

Con el resto del reparto de Familia

Cabe destacar su intervención en éxitos del cine como La niña de tus ojos (Fernando Trueba,1998) filme que popularizó aun más a Penélope Cruz, el último trabajo hasta la fecha de Alex de la Iglesia La chispa de la vida, o en la exitosa miniserie 23-F: El día más difícil del Rey (Silvia Quer,2009), interpretando a Alfonso Armada.

En el terreno teatral destaca su participación en el estreno de Los buenos días perdidos, de Antonio Gala, en 1972, dirigido por José Luis Alonso, La Malquerida de Jacinto Benavente en 1974 o más recientemente, Humo, de Juan Carlos Rubio en el 2007.

Con Kiti Mánver en la obra de teatro Humo de Juan Carlos Rubio

Se me quedan muchos títulos en el tintero pero es inevitable ante una carrera tan prolífica de un actor hecho de una pasta especial. Descanse en paz el eterno galán y actor genial, Juan Luis Galiardo.

Homenaje a "Los chicos del PREU"

Estamos en época de exámenes y, así como el verano pasado recordé la película Verano 70 (1969) como la que mejor reflejaba el veraneo de los españoles, hay una película estrenada dos años antes, 1967, que refleja a la perfección cómo era el ambiente estudiantil de esa misma época, concretamente el del curso previo a la universidad, y que, si echamos cuentas cumple cuarenta y cinco años. Me estoy refiriendo a Los chicos del PREU, una de las mejores películas juveniles de nuestro cine y que tiene, precisamente, varios puntos en común con Verano 70: Dirección de Pedro Lazaga, producción de Pedro Masó y música de Antón García Abril. Karina, en una de sus más recordadas incursiones en el cine, por otro lado, cantaba el tema inicial de la película, además de otro, con Los Pekenikes.

Con este equipo se decidió reunir, para encarnar a diversos arquetipos de estudiantes muy reconocibles, además de a los cantantes Karina y Camilo Sesto, a un grupo de jóvenes actores. Algunos de ellos se consolidaron, aún más con el paso del tiempo como intérpretes imprescindibles, siendo hoy unos ilustres veteranos: En primer lugar, Emilio Gutiérrez Caba encarnaba a un joven humilde de Tomelloso que se deja deslumbrar, en un primer momento, por los aires de libertad de la ciudad. Gutiérrez Caba, Vicente Cortázar en Gran Reserva y perteneciente a una famosa saga de artistas que se remonta al siglo XIX que continúa con su sobrina nieta Irene Escolar, ya se había mostrado como un sólido actor en aquella época gracias a su participación en diversos espacios dramáticos de TVE, obras de teatro y el éxito internacional de La Caza (Carlos Saura, 1966), Oso de Plata en el Festival de Berlín y Nueve cartas a Berta (Basilio Martín Patino, 1966), premiada en el Festival de San Sebastián.

El siguiente miembro del reparto que destaco es María José Goyanes, que interpretaba a la alumna más aplicada de la clase. Goyanes, como Gutiérrez Caba, pertenece a otra de las familias más importantes de artistas de este país. La hija de Mimí Muñoz y hermana de Vicky Lagos, Concha y Mara Goyanes y madre de Javier Collado (Héctor en Amar en tiempos revueltos), coincidió con Emilio Gutiérrez Caba en ¿Qué hacemos con los hijos? otra producción de Pedro Masó dirigida por Lazaga en el mismo año que Los chicos del PREU, en un reparto encabezado por Paco Martínez Soria y Mercedes Vecino, donde  además participaba el recientemente desaparecido Pepe Rubio. También forma parte del grupo Marta Baizán, de la que ya hablé por su participación en Verano 70.

Otras coincidencias en lo que al reparto juvenil se refiere se da en volver a ver en pantalla a los adolescentes protagonistas de Del rosa al amarillo (Manuel Summers, 1963), también galardonada en el festival donostiarra: Cristina Galbó (protagonista de la aclamada La Residencia, dirigida por Chicho Ibáñez Serrador en 1969) y Pedro Díez del Corral, que hacía del hijo de uno de los catedráticos más duros del profesorado. Del resto del reparto mencionar a Oscar Monzón y Gonzalo González, que interpretaban a los repetidores reincidentes.

Escena de la película

Pero otra de las bazas de este filme es la participación de populares y consolidados actores en ese momento. Entre otros, se encontraban: Alberto Closas y Gemma Cuervo como los padres del personaje de Díez del Corral, Luisa Sala, la madre del personaje de Marta Baizán, José Luis López Vázquez y Margot Cottens como los "padres" de Camilo Sesto, con Rafaela Aparicio de entrañable criada y, sobre todo Mary Carrillo interpretando a la madre de Emilio Gutiérrez Caba. Ambos tienen en mi opinión la mejor escena de la película: ella arropa a su hijo, que está de vuelta en el pueblo durante unas vacaciones, antes de irse a dormir y tienen una conversación en la que él toma verdadera conciencia del sacrificio que están haciendo sus padres por él y deja la juerga para centrarse en los estudios.

Luego, la película tiene momentos divertidos cómicos y dramáticos, por lo que argumentalmente está muy equilibrada, aunque abunden situaciones muy reconocibles para los espectadores: la preparación de los exámenes, los nervios, las "chuletas", los guateques, los amores no correspondidos... En fin otra película a reivindicar y que todo estudiante debería ver.

Cuento de hadas, épica y mucho más

CRITICA DE CINE: "BLANCANIEVES Y LA LEYENDA DEL CAZADOR"

Las comparaciones, siempre se ha, dicho, son odiosas, pero es lo que tiene el ver, en este caso, dos películas sobre el mismo tema.Blancanieves y la leyenda del cazador, la segunda película estrenada este año sobre el célebre cuento de los hermanos Grimm, es una muestra de cómo el productor impone su sello en Hollywood. Joe Roth, responsable de la nueva versión de Alicia en el País de las Maravillas dirigida Tim Burton en 2010 y de otros títulos relacionados con cuentos que merecen un post aparte, y que haré más adelante, hace que, en esta ocasión, gracias a su saber hacer, la película dirigida por Tarsem Signh y protagonizada por Julia Roberts y Lily Collins se quede en pañales ante la fuerza visual y argumental de esta nueva revisión de la misma historia.

El trio protagonista de la película

Blancanieves y la leyenda del cazador es uno de esos raros milagros donde la mezcla de géneros y referencias dan como resultado un producto atractivo y sólido. La película parece mentira que haya caído en manos de un director debutante, Rupert Sanders, ya que ha salido airoso de una labor nada fácil. La mezcla de la que hablaba antes incluye diversos elementos de la cultura anglosajona: desde una ambientación que recuerda a la época del Rey Arturo, momentos y personajes deudores de las tragedias de William Shakespeare, una parte final digna del mejor cine épico, con una escena que me recordó a El Cid (Anthony Mann, 1961), con una Blancanieves literalmente guerrera, hasta momentos sobrenaturales que evocan a los mejores cuentos góticos y al reciente cine de superhéroes como el de la saga X Men o la serie Héroes, por lo que se ve que la mezcla de influencias clásicas y modernas es posible sin que desentonen.

Estas últimas referencias tienen un personaje en común: la madrastra encarnada a la perfección por la bellísima Charlize Theron. Con sus poderes y un vestuario impecable de Colleen Atwood (ganadora de tres Oscar, el último de ellos por la mencionada película de Tim Burton), que acentúa su lado más siniestro, la oscarizada actriz compone una villana impecable llena de matices y de detalles: la relación con su hermano (Sam Spruell), el cual tiene un corte de pelo muy de Hamlet, tiene leves insinuaciones de incesto como la relación de Connie Nielsen y Joaquin Phoenix en Gladiator (Ridley Scott, 2000) y su obsesión por la belleza, que desata su crueldad, me recuerda a El retrato de Dorian Gray, por lo que hasta Oscar Wilde tiene cabida en las referencias del filme, si bien el retrato es sustituido por el famoso espejo mágico, una posible influencia para Wilde puesto que el cuento se publicó antes que su célebre novela. Finalmente, un último detalle con respecto a este personaje: su nombre no está elegido al azar, ya que Ravenna, se puede traducir como cuervo en femenino y precisamente es el animal, como se ve en un momento crucial del filme, que está mas asociado a ella.

Charlize Theron, impecable como la perversa reina Ravenna

Con respecto al argumento, la película ofrece variaciones significativas pero que no provocan rechazo. Como su título indica, el cazador (Chris Hemsworth, marido de Elsa Pataky) tiene más peso en el argumento que en la versión que todos conocen. El personaje auna valentía, rudeza y descaro pero con el aliciente de contarnos algo de su pasado lo que le da una mayor profundidad, y se convierte en el protector de Blancanieves la cual, amigos, es el punto negro del filme. Kristen Stewart, para siempre Bella Swan en La Saga Crepúsculo es una actriz sin expresividad en la cara, mirando de la misma manera durante las dos horas de metraje. Los actores deben expresar emociones con todo su cuerpo y los ojos son muy significativos, por lo que es algo que esta joven actriz debe de mejorar con el paso de los años.

Chris Hemsworth y Kristen Stewart en una escena del filme

Pero, a pesar de lo que he dicho sobre Stewart, la película tiene tantos momentos y elementos destacables que eclipsan este error de casting: unos enanitos perfectos comandados por el veterano Bob Hoskins, al que siempre recordaré por ¿Quién engañó a Roger Rabbit? (Robert Zemeckis, 1988), y, sobre todo, un bosque con dos zonas muy contrastadas: una tétrica y otra hermosa que es, para el que escribe estas líneas, la mejor secuencia del filme, con animales y plantas muy peculiares que son muestra de de la más deliciosa fantasía.

Hemsworth con los siete enanitos (Bob Hoskins a su derecha)

Blancanieves y la leyenda del cazador es una clara muestra del deseo de tomar en serio al espectador con un cocktail de elementos, que, si fuera una bebida, dejaría un buen sabor de boca, a pesar de la manzana envenenada.

Dedicado a los grandes profesionales que trabajan en el Teatro Lope de Vega

La temporada teatral, al margen de las actividades estivales, ha llegado prácticamente a su fin y ha llegado la hora de hacer balance. En Sevilla hay varios teatros, en los cuales he podido ver obras muy variadas. Pero este artículo está especialmente dedicado al Teatro Lope de Vega y a todo su personal: Cuando decía que en 2008 había tenido unas prácticas de ensueño en ABC, ya que las personas que allí me encontré aunaban profesionalidad y calidad humana, hoy puedo decir que he hallado lo mismo en este insigne teatro de la capital hispalense construido con motivo de la Exposición Iberoamericana de 1929 al que llevo asistiendo desde el año 2001.

Panorámica del Teatro Lope de Vega de Sevilla                J.P.Donaire

Pero la gran suerte para mí ha sido que un humilde blog cultural, como el que empecé en octubre de 2010 y desde el que ahora mismo escribo, para seguir ejerciendo una profesión que me apasiona, el periodismo, fuera tenido en cuenta por el departamento de prensa de este Teatro y formase parte de los medios de comunicación a los que se les convoca para la presentación de los espectáculos que allí tenían lugar, que, todo hay que decirlo, han conformado una programación sobresaliente en todos los aspectos. Por todo lo dicho, quiero empezar agradeciendo al director del Teatro, Don Juan Víctor Rodríguez Yagüe, su amabilidad conmigo, con esas charlas posteriores a las ruedas de prensa y que se esfuerza por traer lo mejor a la ciudad, como así ha sido con, por ejemplo, una de las triunfadoras de los Premios Max de este año, La Avería de Friedrich Dürrenmatt, dirigida por Blanca Portillo que dejó a un servidor clavado en la butaca del impacto, o De ratones y hombres, de John Steinbeck, uno de los espectáculos de la temporada con otro final igual de intenso y sobrecogedor. Rodríguez Yagüe demuestra esa cercanía que hace grandes a las personas y, aparte se le nota un enamorado del teatro y del espectáculo porque el esfuerzo de traer El lago de los cisnes sobre hielo y Storm demuestra un deseo de que el público disfrute con una programación de calidad y variada.

 Rodríguez Yagüe, en el centro, en la presentación de De ratones y hombres

En lo referente al detalle de mandarme las convocatorias de prensa, que me han posibilitado conocer y entrevistar a grandes actores del país, debo de felicitar al departamento de comunicación del Teatro comandado por el amabilísimo Don Juan Carlos Bermudo y el responsable de Promoción y Prensa, Don Luis Díaz Torrado. No tiene ni idea de la ilusión que me producía abrir mi bandeja de emails y encontrar una convocatoria con su nombre y saber que volvían a contar conmigo...me alegraba el día como no se lo puede imaginar ya que he podido tener cerca y entrevistar a artistas maravillosos, labor que llevé a cabo gracias a que ponía a nuestra disposición el contacto con los responsables de prensa de las obras de teatro que venían como, por ejemplo, Josi Cortés, Domingo Cruz o Pacho Rodríguez.

A continuación he de destacar el trato que me dispensó el Personal de Sala del Teatro empezando por el Jefe de sala Don José Antonio Ramos quien mostraba en los labios una sonrisa al verme y que demuestra ser de esas personas buenas de corazón, demostrado en el abrazo que nos dimos al despedirnos hasta la próxima temporada. Luego destaco la labor del grupo de señoritas que te acompañan a tu butaca correspondiente: Lola, Mariví e Isabel, con quienes solía coincidir también por las mañanas en las ruedas de prensa y que han demostrado tener mucha paciencia conmigo porque puedo ser algo pesado en algunas ocasiones, pero quiero aclarar que era por la ilusión que me suponía el estar allí y que no dejaba de repetir, porque la temporada era y ha sido magnífica. De igual modo Mª Angeles y las dos señoritas llamadas Carmen me han demostrado siempre su simpatía y afabilidad, por lo que no sólo he disfrutado del teatro sino en el teatro gracias al trato recibido. Tampoco quiero dejar de mencionar a Don Juan Ramón, muy simpático y agradable al recoger la entrada e indicar la zona donde sentarse, a  las señoritas regidoras Chelo y Paqui y a la señorita Rosa, en la recepción de la parte de atrás y que me afirmó que le gustaba mi blog, por lo que no puedo estar más agradecido ya que, todo lo que allí he hecho, lo hice por amor al teatro y encontrarte con personas que te faciliten el trabajo y te hagan agradable la estancia en el lugar al que vas no tiene precio. Se me olvidan muchos nombres como los de las taquilleras y los técnicos del Teatro pero no quiere decir que los tenga menos en cuenta.

Con parte del magnífico personal del Teatro Lope de Vega  Alejandro Reche

Con respecto a la temporada no pudo comenzar mejor, con el estreno nacional de Drácula con Emilio Gutiérrez Caba y Ramón Langa. Es todo un detalle que elijan Sevilla para los estrenos nacionales. Luego, aparte de las obras ya mencionadas, el Teatro Lope de Vega ha combinado magníficas obras clásicas como El perro del hortelano, a cargo de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, Noche de Reyes de William Shakespeare o El Avaro de Moliere, con un portentoso Juan Luis Galiardo, con obras contemporáneas. En este apartado entran desde la espléndida Al final del arcoiris, donde Natalia Dicenta encarnaba a la perfección a una decadente Judy Garland, hasta Yo, el heredero, de Eduardo de Filippo, con José Manuel Seda, Ernesto Alterio y Concha Cuetos quienes viajará a Nápoles para representarla en un Festival de Teatro que tiene lugar este mes en dicha ciudad, o Carcajada salvaje de Christopher Durang, que ha sido el colofón de la temporada con Charo López y Javier Gurruchaga.

Programas de mano de esta extraordinaria temporada Alejandro Reche

Los espectáculos de esta temporada también llegaron a cargo de compañías con sello propio como Atalaya-TNT y su versión de La Celestina de Fernando de Rojas o Els Joglars y su reposición de El Nacional. 

De igual modo ha habido experimentos teatrales llevados a cabo con sobresalientes resultados, como la traslación a escena de un poema de William Shakespeare, La violación de Lucrecia, donde una soberbia Nuria Espert con dirección como De ratones y hombres, de Miguel del Arco se desdoblaba en varios personajes, La sonrisa etrusca, la novela de José Luis Sampedro llevada a escena por el maestro José Carlos Plaza y con un superlativo Héctor Alterio, Madame Bovary de Gustave Flaubert, dirigida por Magüi Mira e interpretada por Ana Torrent o La escuela de la desobediencia donde el joven y talentoso  dramaturgo Paco Bezerra fusionaba acertadamente dos novelas de los siglos XVI y XVII donde Cristina Marcos y María Adánez hablaban abiertamente de la sexualidad femenina, dirigidas por otro portento nacional, Luis Luque, ayudante de dirección de Miguel Narros y que estos días llega al Teatro Bellas Artes de Madrid.

Con Cristina Marcos y María Adánez a la salida de la representación

Otras experiencias inolvidables llegaron de la mano de Concha Velasco y su espectáculo autobiográfico Yo lo que quiero es bailar, y Arturo Pareja Obregón que dio un inolvidable concierto acompañado por Miguel Poveda, que conmovió con su versión del tema Sevilla, Manuel Molina, José Manuel Soto, Juana Valderrama etc. Puede que me haya dejado algún espectáculo por mencionar pero es que han sido muchos y muy buenos

Con Concha Velasco tras la entrevista que le hice para el blog A.R.S.

Lo dicho: Por el trato de todo el personal y la calidad de la programación: GRACIAS DE CORAZÓN AL TEATRO LOPE DE VEGA Y FELIZ VERANO A TODOS, HASTA LA TEMPORADA QUE VIENE.

Los Siete Magníficos Roland Garros de Rafael Nadal

Esta es la primera vez que trato un tema deportivo en mi blog pero, aunque sea cultural, el deporte forma una parte muy importante de la imagen de un país. Hoy, un hombre de 26 años recién cumplidos ha hecho que por séptima vez el himno español suene en la pista Central del Torneo Roland Garros en los últimos ocho años. Hablo, lógicamente, de Rafael Nadal o Rafa a secas, como todo el mundo lo llama. La victoria de hoy (tenía que haber sido ayer pero la lluvia caída sobre París lo impidió) ante el serbio Novak Djokovic ha sido especial por varios motivos.

El primero de ellos es el hecho de constatar el dominio de Nadal sobre la tierra barrida parisina ya que es el primer jugador en ganar este Grand Slam siete veces, superando los seis triunfos de otro mítico: el sueco Bjorn Borg. La calidad de Nadal se nota en muchos aspectos, como es el hecho de que no importa el rival que tenga delante, son sus oponentes los que se amedrentan cuando lo tienten delante.

Nadal eufórico en Roland Garros en una de sus victorias este año

Hoy la derrota de Djokovic ha tenido que ser dura porque, aparte de demostrar su mal perder lanzando raquetas al suelo o golpeando con ellas su propio banquillo y destrozar parte de la publicidad que lo recubría, la victoria de Nadal, me refiero al último punto ha sido propiciada por una doble falta mientras él sacaba para mantenerse en el partido y eso debe de escocer un poco, por decirlo suavemente. Está visto que debe de aprender de Nadal a ser un profesional dentro y fuera de la pista, porque, aunque se haya tenido un año 2011 brillante, cada año que empieza es borrón y cuenta nueva. Así que, Djokovic, deja de imitar a jugadores para hacer gracia y compórtate en una pista como es debido.

Volviendo al gran Rafael Nadal, está visto que ya forma parte de la Historia del Tenis y rubrica el éxito en Roland Garros de los españoles que inauguró Manolo Santana, ganándolo dos veces en la década de los 60 del siglo pasado. Nadal, si hablamos de estadísticas es ya para levitar. Es el único español en ganar los cuatro Torneos Grand Slams del año, ya que es el único de nuestro país en ganar el Open de Australia, además de ser el vigente campeón olímpico, a la espera de lo que ocurra en Londres. Pero por lo que destaca Rafael Nadal es por su mentalidad. No le afecta, o al menos lo disimula muy bien, dejar de ser el número uno en la clasificación de la ATP. Eso condiciona la posición en los cuadros de los torneos, pero si eres bueno, da igual el que te toque, aunque siempre sea preferible que los jugadores "difíciles" te toquen en las rondas finales.

Sobre Rafael Nadal se puede uno extender mucho hablando de sus proezas en las pistas de tenis y de su calidad humana fuera de ellas, pero yo lo que quiero es mandar un mensaje a los franceses: Podéis seguir haciendo guiñoles parodiando el dopaje de los españoles como habéis hecho últimamente pero la realidad es la que hay y los triunfos de Nadal en París y en todo el mundo son incuestionables. Así que presumid de Torre Eiffel, del Louvre etc... y dejadnos que en España presumamos de tener a uno de los mejores tenistas de la Historia.

Charo López: "La mayoría de los seres humanos tenemos secretos que no compartimos con nadie"

Tiene una mirada penetrante que sigue intacta desde que deslumbrara con su belleza en el cine a finales de los 60, en una carrera que incluye trabajos con directores como Gonzalo Suárez, Mario Camus, Montxo Armendáriz, Pedro Almodóvar y un largo etc, además de ser un rostro habitual en la televisión, con numerosos trabajos en los espacios dramáticos de TVE como Estudio 1(Muerte de un viajante, La zorra y las uvas, Maribel y la extraña familia...), Novela o Cuentos y leyendas, además de varias series con las que despuntó en los años 70 y 80.  La actriz Charo López mantiene ese poder de atracción enigmático que le ha sido característico a lo largo de su carrera, además de ser divertida y ocurrente.

Todo esto lo pude comprobar durante la presentación en el Teatro Lope de Vega de Sevilla de la obra Carcajada salvaje de Christopher Durang, que permanecerá en cartel hasta el domingo. Se da la circunstancia de esta obra había sido ya representada en 1994 por la actriz, dirigida, como en aquella ocasión por Josep Costa y con Javier Gurruchaga esta vez como compañero en escena. Este es otro ejemplo de la calidad interpretativa de Charo López en el teatro, ya sobradamente demostrada en obras como Tengamos el sexo en paz o Hay que deshacer la casa. De Carcajada salvaje, que tiene como punto de partida un incidente en un supermercado por una lata de atún, y de algunos hitos de su brillante carrera, la actriz salmantina habló para este blog. 

Un momento de la entrevista con Charo López       Paula Linero

Pregunta: ¿Cree que el espectador puede identificarse con lo que va a ver sobre el escenario?

Charo López: Según los grandes psicoanalistas de la historia, incluido Freud, perfectamente equilibrado no hay nadie. Todos tenemos conflictos, obstáculos, para vivir, para ser completamente felices, lo cual es imposible, porque todos sabemos que la vida es algo muy duro de vivir. Luego hay personas que tienen más capacidad para vivir bien y otras menos. Además, siempre que haya dos seres humanos que lo que hacen es desnudar su alma y su cuerpo de problemas, de la intoxicación de la vida diaria, estarán curándose. Y los que los están escuchando, también sentirán de alguna manera que no están tan solos, que en el ámbito que nos rodea todos tenemos problemas, algunos muy gordos además, que, en estos momentos de los que se me ocurren ahora son los desahucios, por poner un ejemplo. Hay una cantidad enorme de problemas que tiene el ser humano, algunos de los cuales están relacionados con nuestra intimidad. Muchos los podemos  confesar y compartir y otros no. La mayoría de los seres humanos tenemos secretos que no compartimos con nadie, incluso situaciones de la vida diaria y cómo las cuentas y cómo las vives que se quedan para uno.

A continuación realizo con la actriz un viaje al pasado, como estoy haciendo habitualmente, con objetos relacionados con algunos trabajos destacados de su carrera. Sus declaraciones no tienen desperdicio.

Tres destacados trabajos de Charo López                          Alejandro Reche

El primer objeto que le enseño es el programa de la obra teatral Los puentes de Madison, cuya adaptación hizo precisamente Josep Costa, que representó en 2002 en el Teatro en el que nos hallamos junto a Héctor Colomé dirigidos por Miguel Narros. Esta obra dio lugar a dos preguntas:

P: Usted representó en Argentina Una jornada particular (junto a José Sacristán, dirigidos por Carlos Gandolfo en 1987 retomando los personajes de Sophia Loren y Marcello Mastroianni en el filme de Ettore Scola de 1977) ¿Cree que esta obra es la base de Los puentes de Madison (que popularizaron Clint Eastwood y Meryl Streep en el filme de 1995), ya que el personaje femenino tiene nombre italiano, Francesca y plantea una situación similar, aunque el contexto y la ubicación sean muy diferentes?

CH.L.: Con respecto a la situación, en Los Puentes de Madison, el personaje es una mujer que se queda sola y que conoce a un hombre con el que se queda fascinada porque lleva toda la vida viviendo con el mismo hombre y la rutina se apodera de sus vidas y en Una jornada particular, es una obra también de este género. Es una mujer que se queda sola porque todos se van al desfile de Mussolini, se le escapa un pájaro y conoce a un hombre, que es homosexual. La impotencia de ella es que tiene miedo a dejar al marido, pero está profundamente enamorada.

P: En Los puentes de Madison volvió a trabajar con Miguel Narros, con el que ha trabajado en varias ocasiones como en El condenado por desconfiado de Tirso de Molina ¿Qué destacaría de uno de los históricos directores de escena en activo?

CH.L.: Con Miguel Narros también hice La Paz de Aristófanes, La marquesa Rosalinda de Valle Inclán o ¿Trae usted su llave? de Juan José Alonso Millán (todas ellas entre finales de los 60 y comienzos de los 70). Narros tiene esa sabiduría que sólo encuentras en los grandes, que conoce al ser humano profundamente bien. Es un hombre de una sensibilidad, de una entrega que hace que cuando estás trabajando con él tú no sientes que te está dirigiendo. Es un hombre que te toma de la mano para que tú crezcas y crezcas y crezcas. Se implica y te sientes muy protegido y eso es muy bueno.

Los siguientes objetos, dos DVDs de dos series de televisión le traen los siguientes recuerdos.

a) Fortunata y Jacinta, adaptación de la novela de Benito Pérez Galdós a cargo de Mario Camus estrenada en 1980 con un extenso reparto encabezado por Ana Belén y Maribel Martín.  

CH.L.: Esta serie me trae todos los recuerdos  más bonitos que te puedes imaginar porque yo hacía un tiempo que tenía necesidad de hacer una cosa que me tocara el corazón y que saliera a trabajar, mirando a cámara sin nervios, sin miedos y segura de que era un papel hermoso, en mi caso, Mauricia La Dura, que era un papel para comérselo, loca como una cabra. Al final ella sufre un delirium tremens. El texto de Galdós es una belleza y con qué alegría hacía yo el papel.

Charo López y Ana Belén en Fortunata y Jacinta (1980)

b) Los gozos y las sombras (1982) dirigida por Rafael Moreno Alba sobre la trilogía de Gonzalo Torrente Ballester y en cuyo reparto se encuentran también Amparo Rivelles, Carlos Larrañaga y Eusebio Poncela, entre otros.

CH.L.: Si no hubiese hecho esto (refiriéndose a 'Fortunata y Jacinta'), este papel (Clara Aldán) no me lo hubieran dado porque no confiaban en mí. Pero como me salió tan bien (el personaje de Mauricia La Dura) dijeron " que lo haga". Pero casi lo hago de milagro porque yo estaba trabajando en Alemania y al volver el último mensaje del contestador decía: "Si no viene a la cena no va a poder hacer el papel porque vamos a firmar el contrato a otra actriz". Entonces me fui a la cena en donde estaban y me dijeron: "Este papel lo iba a hacer Marisol pero se ha quedado embarazada". Esta serie me dio la vida, me situó en un puesto maravilloso dentro de la profesión. Salí de la cuneta porque ya era demasiado joven para hacer de mayor y demasiado mayor para hacer de joven.

Como Clara Aldán en la popular serie Los gozos y las sombras (1982)

El viaje al pasado por medio de los objetos finaliza y la entrevista cocluye con otras dos cuestiones.

 P: A usted se le puede considerar "chica Suárez", ya que ha trabajado con Gonzalo Suárez en ocho ocasiones (Ditirambo (1967), que la puso en el punto de mira artístico, La Regenta (1974), Epílogo (1984), Don Juan en los infiernos (1991), El detective y la muerte (1994) o la serie Los pazos de Ulloa (1985), entre otros trabajos) ¿Qué destacaría de este director?

En Ditirambo (1967) primera colaboración con Gonzalo Suárez

CH.L.: Soy totalmente "chica Suárez". He trabajado con él ocho veces y puede que lo haga en alguna más. Él es el que me llama  y yo tengo ganas de trabajar con él porque es un director inquietante ¿Por qué  me llama Gonzalo a mí? Eso habría que preguntárselo a él.   

 

P: Cuando ganó el Goya a la Mejor Actriz de Reparto por Secretos del corazón (Montxo Armendáriz, 1997), recuerdo su gesto triunfal con el brazo ¿Sentía la sensación de "Por fin lo he conseguido"?

CH.L.: Por fin lo he conseguido, exactamente. Cuando salí no me importaba nada en el mundo, estaba feliz, me había llevado mi Goya. Fíjate, el día que me den el Oscar, que me lo van a dar, cómo me voy a poner...Estad atentos porque puedo hacer un disparate.

Con esta simpática respuesta finaliza otra de esas entrevistas para el recuerdo con una actriz que desprende alegría por todos los poros de su piel. 

El espíritu de Samuel Beckett sigue vivo

                      CRÍTICA TEATRAL: "CARCAJADA SALVAJE"

Si una obra se repone 18 años después de su estreno en España, con el mismo director y la misma actriz, y se sigue representando, tiene que ser por algo: Carcajada salvaje de Christopher Durang, dirigida de nuevo por Josep Costa, ofrece una estructura peculiar: tres partes, las dos primeras con un monólogo cada una y la última parte,en la que es patente la vigencia hoy en día del teatro del absurdo que llevó a la cima Samuel Beckett. No obstante, el título de esta obra forma parte de una frase, que además se menciona en la función, del autor de Esperando a Godot.

Partiendo de una premisa tan sencilla, como es un incidente en un supermercado por culpa de una lata de atún, dos actores en estado de gracia, Charo López y Javier Gurruchaga, exponen, cada uno por separado, su versión del incidente, lo que da pie a reflexiones sobre sus miedos, manías y la  exposición de ideas sobre temas sociales como el medio ambiente, el sexo o las relaciones con las personas desconocidas en unos monólogos que dicen algunas verdades tan grandes como catedrales. Cada uno de ellos no tiene reparos en exponerse vulnerable ante el público que sabe que le escucha. Charo López explica situaciones que le han ocurrido con ironía y lanza miradas cómplices con esa profundidad en los ojos que la hizo famosa y que mantiene intacta, junto con su inconfundible risa, marca genuina Charo López.

Por otro lado Javier Gurruchaga crea momentos de humor con sus técnicas para mantener la positividad ante la vida con una gestualidad en la que se notan las dotes de imitador que le hicieron tan popular. Lo curioso es que el texto plantea, sobre todo al final del monólogo de él, que los dos personajes, en apariencia tan diferentes, tienen ciertos puntos en común que los acerca un poco.

Javier Gurruchaga y Charo López  durante la representación

Sin embargo, la tercera parte de la obra, es en la que lo absurdo se impone con recreaciones variadas del incidente en el supermercado, donde Gurruchaga entona el famoso Love me, tender de Elvis Presley. Aquí la pared imaginaria desaparece y, a través de recuerdos de sueños y situaciones mencionadas durante la obra, ambos personajes se encuentran en el escenario en un juego teatral en el que hay que dejarse llevar.

Carcajada salvaje es un ejemplo más de la valentía de unos actores que no se arrugan ante una propuesta arriesgada y donde demuestran su versatilidad, en el caso de Charo López desvinculándose del drama, y mostrando, una vez más, sus dotes para la comedia. 

Por todo lo dicho, confirmo que Carcajada salvaje hay que ir a verla con disposición absoluta a entrar en el juego que nos propone el teatro y su particular magia.

La "Carcajada salvaje" de Charo López y Javier Gurruchaga, en el Lope de Vega

Un hombre y una mujer discuten en un supermercado por una lata de atún. Este es el punto de partida de Carcajada salvaje, la obra que el Teatro Lope de Vega de Sevilla acoge desde hoy hasta el domingo. La obra, del autor estadounidense Christopher Durang, está protagonizada por Javier Gurruchaga y Charo López y se estrenó en Avilés en agosto de 2011. Se da la circunstancia de que la obra se representó ya en 1994 con el mismo director del montaje actual, Josep Costa y con Charo López también de protagonista femenina aunque acompañada en el escenario, en aquella ocasión, por Abel Vitón

En la rueda de prensa López y Gurruchaga estuvieron acompañados del director del Teatro, Juan Víctor Rodríguez Yagüe y sirvió para que ambos intérpretes derrochasen simpatía y espontaneidad. Charo López manifestó que la elección de Javier Gurruchaga viene dada "porque para afrontar ese personaje no puede ser un actor cualquiera, de ninguna manera puede ser un actor convencional".

Javier Gurruchaga, Charo López y Rodríguez Yagüe   Alejandro Reche

Sobre la obra y esta nueva versión López señaló que "la obra ya fue adelantada a su tiempo de lo que se vivía en España, antes en España no hablábamos de la capa de ozono. Creo que la obra, para España, está mucho más actualizada que entonces"

Gurruchaga intervino para hablar sobre el peculiar punto de partida de la obra, señalando que "es el pretexto que elige el autor, Christopher Durang, un dramaturgo americano y contemporáneo ya que tiene 63 años, y mi personaje, que se llama Él, es un señor de hoy, neurótico,como la mayoría de los comunes y elige un pretexto, que es un incidente en un supermercado. La obra es un interesante paseo por la vida, la condición humana, por las cosas que nos incomodan y obsesionan y a partir de una lata de atún se saca una obra de hora y media donde la gente ríe, se cabrea y disfruta". 

La actriz salmantina destacó además que la obra está basada "en una experiencia que se hace en Nueva York y en otras ciudades importantes del mundo, donde personas de la calle se suben a un escenario para hablar de sus problemas, una especie de terapia, y viene muy bien que seamos dos actores tan contrarios".

Ambos actores rememoraron sus experiencias previas en Sevilla. Javier Gurruchaga recordó "que aquí estuve con la Orquesta Mondragón en el año 1980 y recuerdo que el entonces director tenía miedo de si le íbamos a quemar el teatro". Por su parte, Charo López declaró que "en Sevilla he trabajado mucho: en teatro, luego hice una serie con unos alemanes, con la que me lo pasé pipa, he hecho cine y he venido a la Semana Santa. Después de Barcelona es la ciudad donde más he estado".

Arturo Pareja Obregón dará este martes un concierto con colaboraciones de lujo

El próximo martes 5 el Teatro Lope de Vega recibirá a Arturo Pareja Obregón, uno de los grandes compositores españoles en activo, en un concierto muy especial donde recordará temas míticos propios y de otros creadores como su propio padre, el irrepetible Manuel Pareja Obregón. Otro de los atractivos del concierto será el acompañamiento que Arturo Pareja Obregón tendrá sobre el escenario: Miguel Poveda, que interpretará la mítica canción Sevilla, Juana Valderrama, con quien interpretará un bolero, José Manuel Soto, Manuel Molina, Casto Domínguez y la propia hermana de Pareja Obregón, Carmen Pareja Obregón. 

Manuel Molina y Juana Valderrama acompañaron a Arturo Pareja Obregón en la rueda de prensa que dieron junto al director del Teatro, Juan Víctor Rodríguez Yagüe.

Pareja Obregón declaró, entre otras cosas, el orgullo por cantar al lado de los artistas previamente mencionados y declaró que cantar en el Teatro Lope de Vega"es un placer después de doce o quince años y es un honor". Tuvo además un recuerdo al tema Sevilla, que la han cantado muchos artistas y declaró: "Lo compuse con dieciséis o diecisiete años, era muy jovencito y nunca pensé en la repercusión que iba a tener porque lo ha cantado mucha gente. Lo canté con Rocío Jurado en un monográfico que le hicieron, con Alejandro Sanz en su concierto en el Estadio Olímpico el día de mi cumpleaños, o con Pancho Céspedes en el desaparecidol Teatro Imperial".

Sobre la puesta en escena destacó la labor que desempeña el productor Jesús Molina, quien se está encargando de todo: las luces, las cámaras, el técnico de grabación, para grabar el concierto en directo. Pareja Obregón tendrá un gran piano de cola, una de sus señas de identidad, junto con una banda propia de músicos de Huelva, Los OMS, para transmitir positividad. Habrá guitarra eléctrica, bajo eléctrico, saxo y percusión, todo en una línea de jazz, mezclada con el flamenco y su sello personal.

Manuel Molina, Juana Valderrama, Jesús Molina, un servidor y Pareja Obregón

Pareja Obregón afirmó que incluirá "sevillanas de mi maestro, mi padre, que me enseñó muchísimas cosas, las cuales muchas todavía hoy las tengo en la mente y las utilizo, pero espero que el día del concierto no se me salten las lágrimas cuando cante Cuando paso por el puente, Triana, contigo vida mía.

Por otro lado, afirmó que él está a favor de la fusión de estilos y voces "porque la música es un lenguaje universal, es lo que nos une a los pobladores de este planeta y fusionar significa comunicarte con otras personas y eso siempre es bueno"

Juana Valderrama, hija de Juanito Valderrama, destacó el hecho de que "aunque nos hemos conocido relativamente hace poco, nuestras familias son amigas de toda la vida, y siempre lo he admirado, ya que considero que sus canciones tienen algo diferente y vamos a hacer un bolero muy bonito".

Tras la rueda de prensa Arturo Pareja Obregón respondió a unas preguntas para este blog:

Pregunta: ¿Cómo surge la idea de este concierto?

Arturo Pareja Obregón: Llevaba tiempo cantando en otras ciudades y el día que José Manuel Soto me invitó a su concierto en La Maestranza, ya me  picó el aplauso que ahí me dieron como artista, poeta y músico sevilllano. Después fui a la presentación de unos amigos, Los Alpresa, en el Teatro Quintero y allí de nuevo me picó el gusanillo de cantar en Sevilla. Estaba con amigos, y ese día me decidí, viendo que la gente había estado muy receptiva conmigo. El Ayuntamiento estaba encantado cuando fui a pedir el Teatro, hablé con Juan Víctor y se acordaron las cuestiones para el concierto del martes.

P: En su formación destacan unos gustos muy diferentes desde el jazz a Chopin...

A.P.O.: Para mí Chopin es el genio número uno del piano. Yo me acostaba escuchándolo con los antiguos walkman y con él me dormía, pero Chopin interpretado por Rubinstein. Yo he aprendido mucha música con Chopin. Después para mí Tete Montoliu es un disco de cabecera, y por supuesto el genio y la sensibilidad de Bill Evans. Con todo y con eso hay un pianista, Diego Amador que para mí es el genio número uno que ha dado la historia del flamenco en piano de todos los tiempos. 

P: En términos generales, componer para otras personas ¿es más complicado que hacer temas para uno mismo?

A.P.O.: Sí lo es porque al fin y al cabo yo tengo el problema de que la canción que compongo se la dé a la otra persona cantada por mí le es difícil coger la canción, porque la hago muy personal. Entonces sólo compongo para gente que sea muy artística, que tenga mucho conocimiento de su voz, porque así no se acomplejan cuando la escuchan cantada por mí.     

La entrevista también sirvió para aclarar el dato de la autoría del tema Cantinero de Cuba, que popularizaron Sergio y Estíbaliz y que se incluye en el repertorio del concierto del martes. Pareja Obregón aseveró: "Ese tema lo canto yo, pero lo compuso mi padre, lo que ocurre es que muchas veces me lo achacan a mí porque mi padre falleció hace muchos años y como yo sigo en activo y la sigo cantando en todos los teatros me la achacan como si la hubiera compuesto yo".

Concha Velasco: "José María Pou es un director muy minucioso"

Concha Velasco pertenece a ese grupo de actrices con las que millones de españoles han crecido. En mi caso, con 30 años de edad, siempre la recuerdo en la mayoría de películas que veía cuando iba a casa de mis abuelos, sobre todo todas aquellas que rodó junto a Tony Leblanc, Alfredo Landa o Manolo Escobar. Yo, particularmente, tengo grabada en la memoria la película Las que tienen que servir (José María Forqué, 1967), adaptación de una obra de Alfonso Paso que ella había estrenado a comienzos de los 60, interpretando a una criada de un matrimonio americano con una avanzada y alucinante cocina. 

Con este grato recuerdo y el de muchos otros trabajos, como su interpretación de Ángela en la serie en emisión Gran Hotel, donde vuelve a rodar con Lydia Bosch tras Motivos Personales (2005), que inauguró su trío de mujeres severas televisivas, completado por  Carmen Orozco en Herederos, el pasado jueves cumplí uno de mis sueños como periodista: entrevistarla.

La ocasión, la presentación del espectáculo Concha. Yo lo que quiero es bailar, donde la actriz vallisoletana, repasa su trayectoria personal y profesional, y que se representa hasta mañana domingo en el Teatro Lope de Vega de Sevilla. Tras la concurrida rueda de prensa mantuve con Concha Velasco una conversación que no olvidaré sobre la presente obra y algunos hitos de su carrera gracias a objetos que portaba para tal ocasión y que estaban totalmente ligados a su trayectoria profesional, que a su vez dieron pie a más preguntas. Espero que disfruten leyendo como yo al realizar la entrevista y al transcribirla para ustedes.Las fotos incluidas son de otros trabajos de la actriz, puesto que la obra actual ya la he tratado más a fondo en la crítica que publiqué ayer.

Un servidor con Concha Velasco            Alejandro Reche Selas

Pregunta: Mucha gente conoce a José María Pou en su faceta de actor y ahora vuelve a ejercer de director, en este caso con usted por segunda vez, tras la exitosa La vida por delante ¿qué destacaría de Pou como director?

Concha Velasco: Es muy minucioso. Además, su gran maestro, el director al que más admira, es José Luis Alonso, aunque él ha trabajado con todos los grandes directores, como por ejemplo, Calixto Bieito, con quien hizo El Rey Lear, uno de sus mejores trabajos. Pero yo creo que su maestro es José Luis Alonso, siendo tan minucioso como él. A mí Alonso me dirigió en Las cítaras colgadas de los árboles la primera obra de Antonio Gala que yo hice y que la estrenamos en el Teatro de la Comedia en 1974, una función maravillosa donde yo hacía de Olalla, una mujer judía. Pues cuando empecé a ensayar con Pou La vida por delante a mí me daba la sensación de que había vuelto al pasado y que estaba trabajando con José Luis Alonso. Pero eso no es malo, no lo digo en sentido peyorativo sino todo lo contrario, eso es lo bueno que tiene. José María Pou no ha empezado a dirigir por casualidad. Yo le he seguido como actor en todo lo que ha hecho, pero también he visto sus obras como director: La Cabra, de Edward Albee, que al verla dije "pedazo de director este señor" o Los chicos de Historia. Cuando vi estas dos obras, sobre todo La Cabra, es cuando yo le pedí que me dirigiera, porque yo soy de las que se pide a los directores.

P: En esta obra, Concha. Yo lo que quiero es bailar, hace un repaso de su vida, donde tiene mucho peso su trayectoria en el teatro, pero supongo que también habla de trabajos hechos para el cine o la televisión...

C.V.: Claro, claro. Es que yo empecé a trabajar desde muy niña compaginando mi trabajo con mis estudios como bailarina. He trabajado en los tres medios desde niña. En la televisión he aprendido todo. No sólo por mis trabajos en series como Teresa de Jesús o Herederos. He hecho todos los Estudio 1 habidos y por haber y he presentado de todo: Festivales de la Canción en directo, Viva  el espectáculo, Querida Concha, Sorpresa, sorpresa, Encantada de la vida...  Es que tengo una carrera, vamos que me estreso yo... (Hay que añadir a esta enumeración su actual trabajo al frente de 'Cine de Barrio').

El viaje al pasado para Concha Velasco comienza a continuación con la contemplación de cuatro objetos relacionados, como he dicho, con su carrera:

Cuatro elementos representativos de la carrera de Concha Velasco

a) La novela Tormento de Benito Pérez Galdós, cuya adaptación al cine la dirigió Pedro Olea en 1974.

Concha Velasco: Tormento me trae muy buenos recuerdos. Me dieron todos los premios por un papel de quince sesiones. Me dio mucha vergüenza porque la protagonista era Ana Belén, que interpretaba a Amparo Sánchez. Yo hacía de Rosalía de Bringas. Me conozco muy bien a Galdós. Creo que si hicieran un concurso sobre él y sobre Teresa de Jesús me presentaría el día que me hiciera falta. Cuando yo me entero que iban a hacer Tormento yo no conocía a Pedro Olea. Me lo presentó Eloy de la Iglesia a través de Juan Diego. Les dije: "Me tenéis que presentar a Pedro Olea porque quiero hacer a La de Bringas". El productor era Pepe Frade, con quien yo había hecho películas estupendas entre ellas Préstame quince días (Fernando Merino, 1971), una película maravillosa con Alfredo Landa y José Luis López Vázquez. Me presenté a una prueba con algodones como Marlon Brando porque me habían dicho que Marlon Brando en El Padrino (1972) se había puesto algodones en la cara. Hice esa película que no la querían hacer Aurora Bautista y creo que María Asquerino tampoco por ser un papel secundario. Figúrate qué personaje. (Posteriormente Concha Velasco trabajó con Pedro Olea en 'Pim, pam, pum... ¡fuego!' (1975) y 'Más allá del jardín' (1996))

Concha Velasco en Tormento, un importante papel en su carrera

P: Este papel supone su cambio de registro en el cine ¿por qué cree que le llega, sin embargo, ese cambio hacia el drama, más tardíamente en el cine en comparación con los otros medios? Porque ya  había hecho en el teatro, por ejemplo, La llegada de los dioses de Antonio Buero Vallejo en 1971 y en televisión Las Brujas de Salem de Arthur Miller (1973)...

C.V.: Exactamente, y Quiere usted jugar con mí y La dama del alba...Bueno, ya había hecho en cine El Love Feroz, la primera película de José Luis García Sánchez, que me dio una buena oportunidad. El guión era de Juan Miguel Lamet, gran amigo mío, marido, hoy en día viudo de la actriz María Massip y producida por José María González Sinde. Ellos me dieron la primera oportunidad y creo que después de esa película Pedro Olea me quiso ver. (Sobre el tema de la tardanza del cambio de registro en el cine la actriz prosiguió): Es que los del cine me han tenido siempre mucha manía y me la siguen teniendo ¿Para qué nos vamos a engañar? Siempre me han criticado muchísimo. Yo he tenido en teatro y en televisión buenísimas críticas y en cine los unos y los otros siempre se han metido conmigo. Me refiero a que si estaban los de derechas se metían los de izquierdas y viceversa con lo cual siempre estaba ahí la pobre Conchita vilipendiada, pero con Conchita no hay quien pueda. 

b) La obra de teatro Carmen Carmen de Antonio Gala, que la actriz estrenó en 1988 dirigida por José Carlos Plaza

C.V.: Esto es una joya que casi me sé de memoria por donde la coja. Esta obra me la ofreció, antes de que naciera mi hijo Paquito, que tiene treinta y tres años, Chicho Ibáñez Serrador, que la quería hacer en el Teatro de la Zarzuela con música de Antón García Abril, al que tuve la suerte de conocer cuando se lo trajo Pedro Lazaga a Madrid para que estudiara piano e hizo todas las músicas de todas las películas de Lazaga, como Trampa para Catalina (1961), donde yo canto un mambo compuesto por él, además de hacer muchas cuñas de televisión etc... Bueno pues me lo proponen entonces, yo digo que sí, luego dijeron que era un espectáculo muy caro y no lo hicieron pero a mí se me quedó en el cajón guardada y después de hacer Mamá, quiero ser artista yo se la pedí a Antonio Gala, porque yo no dirijo pero me he pasado la vida buscándome a los autores, a los directores, a todo el mundo para hacer los trabajos que yo quería hacer, por eso tengo esta carrera, chico (risas).

c) El DVD de la serie Teresa de Jesús dirigida por Josefina Molina, que emitió TVE en 1984

C.V.: Qué maravilla. (La actriz hace un inciso para opinar sobre lo que le he mostrado hasta el momento): Me has sacado tres cosas ya que parece que estoy en Un, dos, tres...responda otra vez. Ya le voy a dejar más herencia a mis hijos. Son tres trabajos que se pueden guardar en la caja fuerte de la casa para que ellos digan: "Esto lo hizo mi madre". (Prosigue hablando a continuación de la serie): Yo estaba haciendo Yo me bajo en la próxima ¿y usted? y a Julián Ruíz "Julipi", el maquillador y caracterizador más grande de este país, y a su mujer yo les debo que cuando era extra me tenían tanto cariño que le decían siempre al productor: "Un papelito para la chiti". Me llamaban la chiti. Pues a Julián Ruíz que siempre me había hecho las pelucas como en la obra Abelardo y Eloísa donde una melena maravillosa se transformaba en una cabeza afeitada, Josefina Molina le dijo que iba a hacer Teresa de Jesús para televisión, y lo iba a hacer con Lucía Bosé en la parte de mayor y con Ana Belén en la parte de joven y Julián Ruíz le dijo: "Josefina, tienes que ver a Conchita Velasco, porque ella te puede hacer de joven y de mayor. La hice gracias a Julián Ruíz y Josefina Molina me fue a ver al teatro a Yo me bajo en la próxima ¿y usted? y me contrató.

Uno de los mejores momentos de Teresa de Jesús

d) Programa de mano de la obra de teatro Filomena Marturano de Eduardo de Filippo

C.V.: Esta obra la hice dos veces: En 1979, cuando mi hijo Paquito acababa de nacer, porque yo he tenido a mis dos hijos y, en ambas ocasiones,  tres meses después de tenerlos, he debutado en teatro: Manuel con 'Las arrecogías del beaterio de Santa María Egipciaca' (dirigida por Adolfo Marsillach en 1977) y Paco con Filomena, Paco nació en abril y la obra se estrenó en septiembre. La primera vez con Sazatornil. Otra obra que yo me busqué porque a mí me ofrecieron hacer El Adefesio de Rafael Alberti en ese momento. Y yo ya había leído Filomena, la había visto en cine interpretada por Sophia Loren (en 'Matrimonio a la italiana', dirigida por Vittorio de Sica en 1964). Y yo me dije "quiero hacer Filomena". La dirigió Angel Fernández Montesinos y la volvimos a hacer (en 2006) por lo mismo. Me llamó Juan José Seoane para hacer La Tía Tula pero cuando nos pusimos a ensayar me di cuenta de que la tía Tula una de las cosas que tiene es que aún tiene el periodo porque lo que quiere es tener un hijo, con lo cual no podíamos desvirtuar mucho al personaje, ya que yo tenía una edad en la que no me creía ni yo a mí misma haciendo la tía Tula, las  cosas como son. Le dije a Seoane que había que romper el contrato y él me dijo: "Me haces una faena porque tengo la gira firmada". Y entonces yo le dije "¿Por qué no reponemos Filomena Marturano? Entonces me dijo que sólo tenía que cambiar el cartel a ver si le aceptaban las fechas. Hubo que cambiar también al actor porque Saza ya es muy  mayor y yo quería trabajar con Héctor Colomé, que es uno de los amores de mi vida, le había visto en todo y aceptó.

La entrevista acaba con una sonrisa por parte de la actriz al yo recordarle el nombre de Félix Gómez, el joven actor sevillano con el que Concha Velasco ha trabajado en dos ocasiones. Todo ello motivado por la afirmación que le hago de que con esta soñada entrevista cierro yo, como periodista, un círculo, ya que él fue el primer actor al que entrevisté. Están son las palabras de la actriz hacia Félix Gómez:

Félix Gómez y Concha Velasco, hijo y madre en Herederos.

C.V.: Félix trabajó conmigo primero en Las cerezas del cementerio (2005), una obra maravillosa que rodó para televisión en dos capítulos, pero luego se vio en uno, Juan Luis Iborra, que yo creo que es magnífica. Formó parte de las series que se hicieron de los escritores valencianos, patrocinado todo por la Comunidad Valenciana, cuando se hizo la biografía de Vicente Blasco Ibáñez (dirigida por Luis García Berlanga) y Carmen Maura hizo Arroz y tartana. Pero para mí la mejor de todas, con perdón incluído al maestro Berlanga,  es Las cerezas del cementerio y ahí estaba mi niño, mi Félix, del que yo me enamoré como una loca porque no se puede ser un amante más maravilloso que ese niño. Luego hizo de mi hijo en Herederos. Adoro a Félix, cómo estaba en Amar en tiempos revueltos, en 14 de abril:La República, en todo lo que hace, Félix es maravilloso. Le amo, yo me enamoro de mis compañeros. Si no me enamorara de ellos no podría hacer las escenas que hago y eso se nota. Yo estoy enamorada de todos: de Manolo Escobar, de Félix, de Héctor Colomé, de Lluis Homar... de todos.

Aquí termina una entrevista increíble que un servidor no olvidará en la vida.