María Bayo triunfó en el Teatro de La Maestranza trayendo aires franceses y latinos

Fue una noche mágica la que ayer se vivió en el Teatro de la Maestranza con el Recital Lírico a cargo de la soprano navarra María Bayo acompañada al piano por Rubén Fernández Aguirre.

María Bayo triunfó anoche en el Teatro de La Maestranza

La primera parte del recital fue genuinamente francés, con temas de Georges Bizet (1838-1875). Bayo desplegó su experiencia para meterse en cada uno de los temas con los matices que cada uno de ellos exigía. Memorables fueron sus interpretaciones de La coccinelle, Ma vie a son secret y Guitarre, donde Bayo desplegó dosis de lirismo lento y un ritmo más acelerado cuando el tema lo pedía.

Programa del recital de ayer

La segunda parte del recital fue la del descubrimiento para un servidor ya que desconocía a los dos autores que Bayo incluía en el programa. Fue una sorpresa la calidad de los temas del argentino Carlos Guastavino a lo que contribuyó el saber hacer de Bayo para entonar correctamente temas como Piececitos o La rosa y el sauce mientras que fue una gozada para los oídos el tema que cerraba el repertorio de Guastavino: Se equivocó la paloma, musicalización del célebre poema de Rafael Alberti.

Carlos Guastavino (1912-2000)

La tercera parte de la velada estuvo centrada en el cubano Ernesto Lecuona y María Bayo interpretó cinco hermosas canciones con letra de la uruguaya Juana de Ibarbourou. La melancolía y la alegría se mezclaban en temas como La señora luna o Señor jardinero.

Ernesto Lecuona (1895-1963)

Los aplausos fueron unánimes y expresivos, recompensados con temas extra como La tarántula é un bicho mu malo de la zarzuela La Tempranica de Gerónimo Ginénez que Bayo cantó con ritmo vocal y corporal. Otro de los platos extra con que nos deleitó fue Cecilia Valdés de Gonzalo Roig  más una delicada nana muy típica de aquellas tierras de las que nos separa el océano Atlántico, con quien compartimos una hermosa lengua.

Es de agradecer que haya personas como María Bayo, que, además de interpretar importantes roles operísticos de autores como Mozart, Donizetti, Bizet, Rossini o Debussy se preocupe por rescatar, dar a conocer y popularizar la musica de autores españoles y latinoamericanos, ya sea en zarzuelas o en recitales como el que se vivió anoche en el Teatro de La Maestranza. Por todo ello, BRAVO,MARÍA BAYO.    

Rosana Pastor: "Mi personaje en 'Tío Vania' se encuentra encerrado lejos de lo que ha sido su mundo"

Rosana Pastor es una actriz todoterreno que ya llamó la atención a mediados de los noventa con su Goya a la Mejor Actriz Revelación por Tierra y libertad (Ken Loach, 1995). En su trayectoria cinematográfica destacan títulos como Sobreviviré (Menkes y Albacete, 1999) junto a Emma Suárez y Juan Diego Botto o filmes de época como Juana La Loca (Vicente Aranda, 2001) o La conjura de El Escorial (Antonio del Real, 2008), papeles por los que fue de nuevo nominada al Goya. La actriz está de actualidad por dos motivos: su participación en la serie diaria Amar es para siempre, en el papel de la madre de Mauro (Marc Clotet) y el fin de la gira en Sevilla de la obra Tío Vania de Chéjov, que estrenó con la compañía L'Om-Imprebís hace  ya un año y donde interpreta el personaje de Helena. De esta obra, en el Teatro Lope de Vega de Sevilla hasta el domingo, y de Amar es para siempre nos habló la actriz en una entrevista muy enriquecedora para el que escribe estas líneas.   

     Rosana Pastor Laura Ramón Representante      

Pregunta: ¿Cómo afrontó la composición de Helena, su personaje en la obra?

Rosana Pastor: El trabajo parte de una aproximación personal y al mismo tiempo de trabajo en equipo, con juegos, trabajo físico donde el cuerpo se implica mucho. Dentro de la dinámica que establece Santiago Sánchez, se encuentran elementos que nos sirven para componer el personaje. Si tuviera que definir a Helena diría que la veo como alguien que está encerrado en esa casa como todos, pero, además, encerrada lejos de lo que ha sido su mundo. Ella es una mujer cosmopolita que viene de la capital de Rusia y está de repente encerrada en el campo con gente con la que ella no está habituada a tratar, con un conflicto matrimonial, con un marido también muy encerrado en sí mismo.

Ella se encuentra en una especie de isla, más fuera de contexto que el resto de personajes, los cuales se encuentran en su contexto propio. Helena es como un como un oso polar al que lo llevan al desierto del Gobi. Trabajé el hecho de que en medio de esa soledad es una mujer frágil y vulnerable, que se ve empujada por los acontecimientos a tener la relación que tiene con el doctor Astrov. Además está el puzzle en el que ella se encuentra con ese señor mayor con el que se casó creyendo estar  enamorada y tiempo después se dio cuenta de que el amor era otra cosa. Pues a partir de esos mimbres intenté crear la atmósfera de Helena.

P: ¿Por qué cree que Chéjov tiene tanta universalidad y vigencia ahora mismo?

R.P.: Fue un hombre que supo observar el alma humana. Llegan mucho los retratos que él hace de cualquier ser humano. Muestra seres que, como él mismo decía, son seres simples, con los mismos conflictos que tiene cualquiera de nosotros. Cuando alguien traza una semblanza yendo verdaderamente a lo esencial del ser humano, no hay época. Con el tiempo el progreso ha incidido nuestras vidas pero los conflictos humanos siempre están ahí latentes, y Chéjov habla de ellos: de la soledad, del aislamiento, del deseo, de la frustración, de la resignación, de no saber ubicarse en el mundo y creo que eso es absolutamente universal y por eso tiene tal vigencia.

Habla de temas como el conflicto del ser humano con la Naturaleza, y parece escrita ayer esta obra, aunque él está hablando de la desaparición de los bosques en su época y claro piensas en cien años antes y te preguntas cómo sería aquello con lo que tenemos ahora en cuanto al medio ambiente. La grandeza de Chéjov es su capacidad para retratar los conflictos pequeños y no tan pequeños que  marcan un poco las constantes preguntas del ser humano, no sólo hacia sí mismo sino también con respecto a su entorno.

P: La Asociación de Directores de Escena ha nominado la dirección y el vestuario de esta obra. Con respecto a éste uĺtimo aspecto, usted se ha vestido de época no sólo en esta obra sino también en varias películas cono Juana La Loca o La conjura de El Escorial ¿A usted le ayuda el vestuario a realizar su trabajo?

R.P.: Sí que me ayuda mucho. Hace unos días en Madrid hablaba con compañeros y amigos de cómo el vestuario nos catapulta de algún modo hacia el personaje. Yo decía que verte vestido y calzado de una manera determinada condiciona tu cuerpo. No es lo mismo ir con un zapato plano que con un zapato de tacón o ir con una falda de talle alto con una blusa de cuello alto, como mi personaje en Tío Vania, no es lo mismo que ir con un pantalón vaquero. Realmente creo que el vestuario nos ayuda a adaptar nuestro cuerpo al del personaje, sus movimientos. Yo con el vestuario que llevo en el escenario no me puedo mover igual que cuando voy vestida de calle.

 Cuando en el camerino empiezo a despojarme de la ropa que compone mi imagen habitual y me pongo las prendas de mi personaje y me maquillo se lleva cabo un proceso de aproximación que a veces me sorprende. Cuando estoy preparada a punto de salir a escena y me miro en el espejo veo a Rosana, pero una Rosana ya preparada para ser Helena. El vestuario creado por Elena Sánchez Canales me da mucho, es muy hermoso.

La actriz en Tío Vania      David Ruano  

P: Yo sólo había visto un Estudio 1 de esta obra con José Bódalo y María Massip, pero verla sobre un escenario es un gran aliciente...

R.P.: Este montaje tiene una particularidad. Santiago Sánchez ha intentado sacar todo el humor que contiene la obra. Hay mucho humor en Chéjov, el cual no juzgaba a sus personajes. Santiago ha sacado, como digo el humor y dejar de lado todo aquello que sonase grandilocuente, siguiendo las indicaciones del propio Chéjov sobre los personajes. Nos pasó documentos y libros de Chéjov de su experiencia con actores de la Compañía Stanislavki en donde matizaba que los personajes son simples en el sentido de sencillos, no planos. Santiago ha potenciado esa sencillez y ese humor que aparece en situaciones dramáticas, y eso hace que la obra no se haga pesada ni densa. El montaje conecta muy fácilmente con el público.

P: Hablando de otro tema, usted forma parte del reparto de la serie Amar es para siempre, actualmente en emisión ¿cómo está siendo la experiencia?

R.P.: Está siendo muy enriquecedora. Al ser una serie diaria tiene un ritmo intenso, lo cual te obliga a tener puestos los cinco sentidos. Al mismo tiempo es muy especial ver que tienes que darlo todo en muy poco tiempo con mucha agilidad, estando muy permeable a lo que recibes del resto de los actores y es un ejercicio muy especial para poner en práctica algo que los actores tenemos que ejercitar mucho y que es la intuición.

P.¿Puede adelantar si su personaje va continuar de la misma manera o si va a dar alguna sorpresa?

R.P.: Mi personaje está muy en función del personaje de mi hijo. Es muy conciliadora, su función es mantener la paz de la familia. Creo que es una mujer con un carácter muy franco, sin ninguna doblez, cree realmente que la familia es el soporte principal de cada uno de los elementos que la componen y ella lucha por eso. Trabaja, además, desde un lugar muy hermoso como es la franqueza. Intenta ser leal tanto a su marido, como a su hijo y sus cuñados. Su función es procurar templar las tempestades.   

Soberbio retrato de la asfixia existencial

                                   CRÍTICA TEATRAL: TÍO VANIA

Antón Chéjov era un maestro a la hora de radiografiar al ser humano. Los personajes de sus obras viven en un entorno que condiciona sus emociones y les retiene en él incluso físicamente . Tío Vania (1898) es un gran ejemplo de ello, ya que la vida sigue pasando después de que termine el conflicto dramático, sin recurrir a sorpresas finales como ocurría en La Gaviota (1896).

La compañía valenciana L'Om-Imprebís ha realizado un montaje íntegro de Tío Vania dotándolo de un dinamismo que hace que en ningún momento la atención del espectador decaiga, gracias al ritmo impuesto por el director Santiago Sánchez y un elenco de actores sencillamente maravilloso. Durante el transcurso de la obra todos y cada uno de ellos tienen la ocasión de deslumbrar con sus dotes interpretativas.

Rosana Pastor compone a la perfección una Helena que se erige en un objeto de deseo para varios de los hombres con los que convive en esa casa de campo donde se desarrolla acción y que se ve obligada a reprimir sus deseos. Precisamente éste es uno de los elementos resaltables de la obra. Sonia, interpretada con una cantidad de matices por Xus Romero, vive su amor por el Doctor Astrov (Carles Montoliu, que expresa con una nitidez vocal asombrosa, extensible al resto del reparto, algunas de sus ideas sobre la vida) con la resignación de saber de antemano que no va a ser correspondida.

Un momento alegre de la obra                           David Ruano

Por otro lado, Vicente Cuesta y Sandro Cordero, interpretan magistralmente al Profesor Seberiakov y al Tío Vania respectivamente, mostrando la rabia contenida durante años. Por otro lado Paca Ojea, es una delicia en el papel de Marina y reflexiona sobre la vejez diciendo frases emotivas que llegan al corazón. Carmen Arévalo y Carles Castillo representan a unos personajes, como otros anteriormente citados resignados a vivir como siempre.

Con una escenografía sencilla pero contundente, una reproducción de sonidos externos perfecta, junto con una hermosa música en directo, y un vestuario sobresaliente (los trajes que luce particularmente Rosana Pastor son auténticas maravillas), este montaje de Tío Vania, en el Teatro Lope de Vega de Sevilla hasta el domingo,  es un acertado montaje para mostrar a las nuevas generaciones la universalidad y calidad de un autor como Chéjov, un autor indispensable, y que los responsables de L'Om-Imprebis han sabido mostrar en escena con todos sus matices, con algunas reflexiones que nos hacen pensar sobre diversos aspectos de nuestra existencia, aunque se concibiera a finales del siglo XIX.

"Tío Vania", una de las cumbres teatrales de Chéjov, vuelve a Sevilla

El escritor ruso Antón Chéjov (1860-1904) creó a lo largo de su vida grandes obras de teatro que le han valido un reconocimiento unánime a nivel mundial. Una de ellas, Tío Vania, estrenada en 1898, está constantemente siendo representada en el mundo entero y podrá ser disfrutada de nuevo por el público sevillano gracias al montaje, integro, que ha realizado la Compañía  L'Om-Imprebís, cuya gira finaliza en el Teatro Lope de Vega de la capital hispalense. La obra se representa desde el jueves 24 al domingo 27 de enero. Las representaciones serán a las 20:30 horas, excepto el domingo, que será a las 19:30 horas.

El montaje, que llenó todos los días en los Teatros del Canal de Madrid, en su estreno en enero de 2012, fue presentada a los medios por el director de la obra y fundador de la compañía Santiago Sánchez y la actriz Xus Romero, en representación de un elenco que integran además Vicente Cuesta, Rosana Pastor, Sandro Cordero, Paca Ojea, Carmen Arévalo, Carles Montoliu y Carles Castillo.

Santiago Sánchez, Xus Romero y Tío Vania  A.R.S.

Acompañados por el director del teatro, Juan Víctor Rodríguez Yagüe, Sánchez y Romero hablaron de Tio Vania en particular y de Chéjov en general. Santiago Sánchez no perdió la ocasión para recordar que precisamente en el Teatro Lope de Vega de Sevilla estrenaron Calígula de Albert Camus (en 2009) y presentaron otros espectáculos como Quijote (2003) Además, en el Teatro de la Maestranza fue director de escena de La boda y el baile de Luis Alonso, producción del Teatro de la Zarzuela en 2007.

Sánchez calificó Tío Vania como "la comedia más hermosa y más conmovedora de Chéjov". También se refirió a la vigencia del autor y de esta obra, "con el contenido y la ironía que nos hace falta de una situación en plena crisis vital de esos personajes del siglo XIX pero que nos recuerdan tremendamente a lo que estamos viviendo, con frases que nos acarician el alma".  

Sobre Chéjov, Santiago Sánchez destacó su capacidad de "convertirse en un clásico sin llegar a tocar los temas de los grandes personajes de la Historia, sino tratando la vida cotidiana, además desaparecen los protagonistas, ya que el colectivo de los ocho personajes es el protagonista más la música en directo de Víctor Lucas. La música es un actor más, todo lo que rodea a la finca, los sonidos y el paso del tiempo son muy importantes".

Por su parte Xus Romero, que interpreta a Sonia, consideró "un privilegio interpretar personajes tan sólidos, tan humanos, tan cotidianos" con respecto a las creaciones de Chejov. Por otro lado Romero quiso resaltar "cómo se ha conectado con el público joven, que siguen la obra como una historia de amor y algo se les queda de los matices de Chéjov". 

Sobre su personaje Xus Romero destacó que es "una mujer que trabaja, con carácter y sintiendo amor hacia el doctor. Es una amalgama de sentimientos, y creo que es la única mujer que haría algo".

La obra ha recibido por parte de la Asociación de Directores de Escena nominaciones a la Mejor Dirección y al Mejor Vestuario. Además, Sánchez recomendó la escenografía de Dino Ibáñez "aparentemente sencilla pero con un  gran lienzo pintado de un bosque de abedules".

Otro aspecto destacado por Sánchez de Chéjov es que de alguna manera "introdujo el lenguaje cinematográfico en el teatro, ya que, en vez de cambiar de plano, te cambia de estado emocional, te puedes estar riendo y te congela la sonrisa".

Todo lo dicho contribuye a ir a ver una obra que ha conocido varias versiones en España, desde la dirigida por William Layton en 1978 con José Pedro Carrión y Ana Bélén, pasando por el Estudio 1 encabezado por José Bódalo y María Massip a finales de los 60, hasta la versión que estrenó en 2002 Miguel Narros con Fermí Reixach y Berta Riaza, precisamente en el teatro donde se va a poder ver desde este jueves.

María Bayo ofrecerá el sábado un recital en el Teatro de la Maestranza con temas de Bizet, Guastavino y Lecuona

Si el pasado 3 de diciembre fue Ainhoa Arteta quien ofreció en el Teatro de la Maestranza un magnífico recital lírico, el próximo sábado 26 de enero el mismo escenario recibirá a otra gran voz de nuestro país, la soprano navarra María Bayo, acompañada al piano por Rubén Fernández Aguirre.

Para tal ocasión, el recital, que comenzará a las 20:30 horas, estará compuesto por temas de tres destacados compositores: el francés Georges Bizet (Chanson d'avril, Ouvre ton coeur o Ma vie a son secret, entre otros), el argentino Carlos Guastavino (La rosa y el sauce, Siesta o Violetas) y el cubano Ernesto Lecuona (Canciones con versos de la poetisa uruguaya Juana de Iabarbourou: Señor jardinero o La señora luna). 

María Bayo con Pedro Halffter      Alejandro Reche

En la rueda de prensa María Bayo, acompañada por Pedro Halffter, director artístico del Teatro de la Maestranza, desgranó algunos aspectos del recital y de su impresionante trayectoria. La soprano señaló, con respecto a la inclusión de Guastavino y Lecuona que "normalmente, en los recitales que hago, procuro mantener una parte latina o española, porque creo que nuestra música se lo merece y, si los cantantes españoles no la damos a conocer, otros no vendrán a hacerlo".

En referencia a Bizet afirmó que "es un compositor que en estas canciones usa mucho casi una parte operística y me pareció muy oportuno incluirlo en este ciclo".
  
María Bayo recordó con agrado sus actuaciones en el Teatro de la Maestranza enfatizando que "el público se involucró muchísimo en las dos óperas que hice aquí: Los cuentos de Hoffmann (de Jacques Offenbach, en marzo del 2001)  donde hice los tres papeles y Fausto (de Charles Gounod, en octubre del 2003).

Con respecto a volver al teatro hispalense con una ópera, afirmó que le gustaría hacerlo con el personaje "de Nedda de I Pagliacci (compuesta por Ruggero Leoncavallo) que hice en Madrid (en el Teatro Real en 2007) y no he vuelto a hacer, también estaría bien hacer aquí canción española con orquesta".

Bayo, preguntada por si pudiese destacar alguna ópera o personaje que le haya marcado a lo largo de su carrera señaló que "siempre digo que el papel de Susanna de Las bodas de Fígaro me dio una apertura en casi todos los teatros del mundo y luego más repertorio de Mozart ya que hice en Salzburgo durante cuatro años la trilogía Da Ponte (la mencionada Las bodas de Fígaro, Cosi fan tutte y Don Giovanni) algo maravilloso ya que era un escaparate para todo el mundo".

La soprano afirmó que "no me dan miedo las producciones modernas, de hecho hice el personaje de Micaëla (de Carmen de Bizet), con Calixto Bieito, del que me habían hablado mucho, y su idea de Micaëla era una idea que ya tenía en mente, lo que ocurre es que cambiaba el contexto y hay que tener una apertura a otras ideas y matices pero siempre que haya una inteligencia detrás, respetando al cantante, a la música y al compositor".

Sobre el adjetivo de "camaleónica" que se le suele atribuir, Bayo mencionó que "si estudié música lo hice para abarcar toda la música y he tenido la suerte de interpretar desde obras del barroco hasta de los compositores modernos y siempre y cuando la voz se adapte a la tesitura que el compositor exige yo no tengo ningún matiz, creo que mi voz se adapta tanto al barroco como a la música contemporánea"

María Bayo ha interpretado a personajes de muchos compositores pero no de Verdi donde destacó que "no había un feeling con él y tampoco la evolución de la voz era factible con él, y conforme se va madurando se va encontrando ese feeling".

La vigencia de nuestro arte

                       CRÍTICA DE ESPECTÁCULOS: FUENTEOVEJUNA

Cuando se ha oído hablar maravillas de un espectáculo que uno no pudo ver, por una cuestión de edad, es de agradecer que la misma compañía lo vuelva a poner en pie. Es lo que ha ocurrido con Fuenteovejuna por parte de la Compañía de Antonio Gades. Este montaje ya se puso en pie en 1995, con un estreno para el recuerdo en el Teatro de la Maestranza.

Pues en 2013 otro teatro sevillano, el Lope de Vega, ha visto durante este fin de semana por parte de la misma Compañía, una nueva versión que, en opinión del que escribe estas líneas, ha sido un grato descubrimiento, ya que no vi la anterior versión.

Partiendo de una base tan señera de nuestra cultura, como es la obra de teatro Fuenteovejuna de Lope de Vega, la Compañía, con la sabia mano de Stella Arauzo, retoma la música y los temas de la producción anterior, la última gran creación de Antonio Gades.

Frondoso y Laurencia                                 Javier del Real

La historia del pueblo que toma la justicia por su mano ante los abusos del Comendador es transformada en un espectáculo de cante y baile donde el público disfruta gracias a unas coreografías genialmente ejecutadas y unas canciones que van desde el flamenco hasta temas profundamente populares y regionales, demostrando que la tradición de años sigue vigente.

En este sentido, la coreografía de las lavanderas, junto con el precioso tema que lo acompaña, es uno de los momentos álgidos del espectáculo y hace inevitable que perdure en la memoria la frase "En el lavadero te he visto lavar".

Las lavanderas y su alegre baile               Tomoaki Minoda

De igual manera, el momento de la boda de la pareja protagonista (Laurencia y Frondoso, encarnados a la perfección por Mercedes Recio y Ángel Gil) también llama la atención por esa mezcla de alegría y de exaltación de la pureza de Laurencia.

Finalmente, la venganza del pueblo sobre el Comendador es ejecutada de manera ejemplar por la cantidad de personas en el escenario y el constante movimiento.

Con esta nueva versión, la Compañía de Antonio Gades sigue apostando por espectáculos que ahondan en nuestras tradiciones y raíces, que calan tanto en el espectador extranjero, porque, a pesar de tratar temas españoles, incluso con una base literaria sólida, se tratan situaciones universales que cualquiera puede entender, pero, eso sí, aportando ese toque que nos hace distinguibles y eso se logra mostrando al mundo nuestro arte, como ocurre en Fuenteovejuna.

Recordando a Teo Escamilla

El 21 de diciembre se cumplieron quince años de la repentina desaparición de un genio de nuestro cine: El director de fotografía sevillano Teo Escamilla (1940-1997). Por este motivo, el pasado jueves se reunieron un grupo de personas, entre familiares y amigos, para recordar a un genio de la luz que aportó su sabiduría para dejar su huella en películas y series de televisión imprescindibles de este país.

Teo Escamilla (1940-1997)

Miguel Olid, un hombre polifacético (realizador, crítico de cine etc...), quien ya escribiera un libro sobre Escamilla titulado Querido Teo, fue el encargado de coordinar en la Facultad de Comunicación de Sevilla el homenaje a Escamilla, en donde intervinieron familiares de éste, como su hermano Pepe o su hijo Jacobo y profesionales de diversos ámbitos que lo conocieron bastante: Cristina Hoyos, Alvaro de Armiñán y el director de fotografía Fernando Arribas. Entre el público asistente se encontraban otros familiares como Paco Escamilla, sobrino de Teo.

Amigos y familiares en el homenaje a Teo Escamilla  A.R.S.

El acto comenzó con la emisión de un documental realizado por el propio Olid sobre Teo Escamilla, que vio la luz un año después de su fallecimiento. La pieza hacía una profunda semblanza sobre el director de fotografía sevillano con testimonios de profesionales que trabajaron con él: Carlos Saura, Aitana Sánchez Gijón, Angela Molina, Máximo Valverde, Fernando Guillén Cuervo etc... A esto se unían imágenes de algunos de sus trabajos como los realizados en filmes como El Nido (Jaime de Armiñán, 1980), Vestida de azul (Antonio Giménez Rico, 1983) o la serie El Quijote (Manuel Guitiérrez Aragón, 1992).

Fernando Rey en la serie El Quijote

 Tras el documental, intervinieron las personas ya mencionadas. Pepe Escamilla, quien se definió como "un segundo padre" para Teo y lo recordaba de pequeño como "un chiquillo amable" y consideró que su gran triunfo lo tuvo con la serie Juncal (Jaime de Armiñán, 1989) "porque se mezclaba los toros y la vida, no era una serie de toros exclusivamente.

Paco Rabal y Mercedes Hoyos en Juncal (1989)

A continuación la actriz y bailaora Cristina Hoyos, que participó en varias películas fotografiadas por Teo Escamilla: la trilogía de Carlos Saura compuesta por Bodas de sangre (1981), Carmen (1983) y El amor brujo (1986), siendo este último título el que le haría ganar a Escamilla su único Goya, el filme Montoyas y Tarantos (Vicente Escrivá, 1989) y la ya mencionada Juncal. Hoyos manifestó  que el carácter de Escamilla era debido a que "quería que todos los que estuviesen a su alrededor trabajasen muy profesionalmente". También admitió que "de alguna manera conseguía que el director hiciese lo que él quería".

La luz de Escamilla en Bodas de sangre (1981)

Por su parte Alvaro de Armiñán, hijo de Jaime de Armiñán recordó que Teo conocía a su padre desde la época de Mi querida señorita (1972), donde ejercía de segundo operador de cámara. La relación con Armiñán fue muy fructífera, ya que con El Nido Escamilla se estrenó como productor. Alvaro de Armiñán recordó con mucho cariño la serie Juncal, donde era ayudante de dirección, y destacó el trabajo de Escamilla en el filme Extramuros (Miguel Picazo, 1985).

 Extramuros (1985), otro bello trabajo de Escamilla

Fernando Arribas, director de fotografía de filmes como La casa de Bernarda Alba (Mario Camus, 1987) o Las edades de Lulú (Bigas Luna, 1990) recordó a Escamilla desde la perspectiva de la amistad, donde destacó que fueron a ver juntos el mítico concierto que dieron los Beatles en Madrid o que venía todos los días deshidratado del rodaje de La Caza (Carlos Saura,1966), primera colaboración con el director aragonés (fue director de fotografía, entre otras, de la imprescindible Cría Cuervos, de 1976) y con el director de fotografía Luis Cuadrado, formando desde entonces un binomio perfecto. Arribas también mencionó que Escamilla fue el que sugirió su nombre para ser el director de fotografía de El palomo cojo (Jaime de Armiñán, 1995) tras un accidente de tráfico que éste sufrió.

Cría cuervos (1976) uno de los trabajos de Escamilla con Saura

 Finalmente, su hijo Jacobo recordó las regañínas que su padre le echaba, pero con el tiempo se dio cuenta "de que en lo que él decía tenía razón". También desveló que uno de los proyectos más anhelados por su padre era dirigir un filme sobre la vida de Cortés (Escamilla había debutado en la dirección con Tú solo, en 1984).

Fue, en resumen una jornada agradable donde se recordó a un hombre que se marchó demasiado pronto, cuando preparaba en Cuba su siguiente proyecto, pero siempre nos quedarán las películas en las que participó y apreciar su trabajo en la belleza de  imágenes que él se encargó de mostrar como pocos.

La Compañía Antonio Gades trae a Sevilla su espectáculo "Fuenteovejuna"

En 1995 el gran Antonio Gades estrenó en el Teatro de la Maestranza de Sevilla Fuenteovejuna, sobre la famosa obra teatral de Lope de Vega y este fin de semana, en el teatro sevillano que lleva el nombre de nuestro prolífico autor del Siglo de Oro, volverá a representarse este fin de semana. El sábado a las 20:30 horas y el domingo a las 19:30 horas.

Tras un exitoso paso por Francia, la Compañía Antonio Gades recala en Sevilla para deleitar a los espectadores con hora y media de puro arte, como solía ocurrir cada vez que el desaparecido artista aparecía sobre el escenario.

El espectáculo fue presentado el director del Teatro Juan Víctor Rodríguez Yagüe, Stella Arauzo, directora artística de la Compañía, y Eugenia Eiriz, Directora de la Fundación Antonio Gades y viuda del artista.

Eugenia Eiriz y Stella Arauzo              Alejandro Reche

Arauzo, que desde los 17 años está ligada a la figura del bailarín cuando interpretó Carmen, sustituyendo a Cristina Hoyos, calificó Fuenteovejuna "como la obra magna de Gades, con una confluencia de toda su vida como artista. Además, sabe qué quiere contar y cómo contarlo".

El espectáculo tuvo una de sus bazas en el trabajo del maestro Juanjo Linares, como recuerda Arauzo, "recuperando doce bailes folklóricos de los que Gades hizo una selección. Además él quiso quitarnos a los bailarines ese aire tan estilizado e imprimir a Fuenteovejuna el sello del pueblo".

Con respecto a los personajes principales, Laurencia la interpreta el día 19 Silvia Vidal y el 20 la sevillana Mercedes Recio, Frondoso lo encarna Ángel Gil, el alcalde, José Carmona y el Comendador lo interpreta Miguel Ángel Rojas. Arauzo destacó que estas nuevas generaciones "están muy por la labor de entender de qué manera afrontar a Gades". Arauzo adelantó que hay un proyecto de recuperar Rango de Rafael Aguilar y que se estrenará en marzo en Italia.

La rebelión en Fuenteovejuna                  Tomoaki Minoda

Por su parte Eugenia Eiriz declaró que la Fundación fue creada por el propio Gades antes de fallecer "para que su patrimonio artístico se mantuviese unido y que las nuevas generaciones pudieran seguir construyendo sobre ese trabajo que él y sus maestros han dejado para la danza española y el flamenco". Otra de las labores de la Fundación es la conservación del archivo, con material del propio artista.

Arauzo y Eiriz recalcaron la gran aceptación de los espectáculos de la Compañía en el extranjero, con una raíz tan española. Arauzo declaró que "Gades cuenta historias humanas y eso se recibe muy bien en cualquier país, porque los seres humanos somos iguales.

Eiriz recordó que la respuesta tan positiva en París de Bodas de sangre "fue impresionante, con un gran respeto y reconocimiento a la obra y Fuenteovejuna lo vivían en Francia de una manera especial porque les retrotrae de alguna manera a su propia Historia y en el momento de la revolución en la obra se creaba en la sala algo muy especial".  

En la rueda de prensa también hubo tiempo para recordar el impacto de la trilogía flamenca (Bodas de sangre, Carmen y El amor brujo) que Carlos Saura rodó con Gades con fotografía de Teo Escamilla. Arauzo recordó que, sobre todo "Carmen abrió unos caminos en Europa con respecto a la afición al flamenco, con apertura de muchas escuelas y ganas de conocer el español y España". 

Adiós a Fernando Guillén, un actor con una mirada especial

El actor Fernando Guillén ha fallecido a los 80 años. Con él se va uno de los mejores actores de este país, con una mirada que quedará para la posteridad. Con una trayectoria inmensa, este artículo pretende rendir homenaje a un actor que, por encima de otras muchas cualidades, amaba su profesión.

Fernando Guillén (1932-2013)

Deseo hacer una semblanza más personal, destacando títulos que pude ver con mis propios ojos y que me hicieron admirarlo cada vez más, aunque he de reconocer, como en el caso de Carlos Larrañaga, que me hubiese gustado verle en alguna obra de teatro, pero la televisión y el cine han rellenado ese hueco, ya que un servidor le ha visto actuaciones memorables en ambos medios.

Fernando Guillén, nacido en Barcelona en 1932, fue un intérprete familiar en la televisión desde siempre. De hecho, una de las series en la que participó forma parte de mi colección particular. Me refiero a Motivos personales (2005), la magistral serie de suspense encabezada por Lydia Bosch, Daniel Freire, Marta Calvó, Pedro Casablanc y Ginés García Millán donde Guillén compartía escenas para el recuerdo con otra gran veterana, Concha Velasco. Cada vez que ambos compartían escena había que quitarse el sombrero.

Con el reparto de Motivos personales

Para hacer una especie de hilo conductor, ha de mencionarse que no era la primera vez que actuaba con Concha Velasco. Trabajó con ella en el filme Más allá del jardín (Pedro Olea, 1996) e interpretó a Don Luis Mejía en el recordado Don Juan Tenorio dirigido por Gustavo Pérez Puig que Velasco hizo con Paco Rabal en 1966 para el espacio dramático Estudio 1, donde sí encarnó al inmortal galán en otra versión siendo Doña Inés  interpretada por María José Goyanes.

Precisamente, Fernando Guillén fue un asiduo de este y otros espacios dramáticos catódicos. Un servidor pudo verle encarnando a la perfección a Yago en Otelo de William Shakespeare (1972), adaptación de Antonio Gala, y donde actuaba al lado de actores de la talla de Alfredo Alcón, Maribel Martín, Manuel Galiana o el recientemente desaparecido Sancho Gracia. Otro Estudio 1 que le vi fue el de La señorita Julia de August Strindberg (1970) junto a Nuria Torray.

Otra interpretación para el recuerdo fue en La Pesadilla (1967), una de las míticas Historias para no dormir de Chicho Ibáñez Serrador en la que actuó junto a Gemma Cuervo, con la que estuvo casado, formó compañía teatral y tuvo tres hijos, Natalia y los actores Fernando y Cayetana Guillén Cuervo.

Con sus hijos, Cayetana y Fernando, en los Goya

Siguiendo con su trayectoria televisiva, hubo dos trabajos que marcaron su carrera especialmente. El primero de ellos fue la serie La saga de los Rius (1976), adaptación de las novelas de Ignacio Agustí que dirigió Pedro Amalio López, con un reparto de lujo que incluía también a Maribel Martín, Ramiro Oliveros, Emilio Gutiérrez Caba, Victoria Vera y Teresa Gimpera, en la que su hijo Fernando debutó siendo un niño.

El segundo trabajo destacado en la pequeña pantalla fue su encarnación de un militar asesino en El crimen del capitán Sánchez (1985), episodio de la primera etapa de La huella del crimen, donde, dirigido por Vicente Aranda, era el padre de Victoria Abril y una debutante Maribel Verdú y mataba de un estremecedor hachazo al pretendiente de la primera. Más tarde volvería a coincidir con ambas actrices y Aranda en Los jinetes del alba (1990).

Fernando Guillén trabajó junto a sus hijos en numerosas ocasiones. Con Cayetana coincidió en dos filmes consecutivos de José Luis Garci: La herida luminosa (1997) y El Abuelo (1998), adaptación por todo lo alto del texto de Benito Pérez Galdós que estuvo a las puertas del Oscar a la Mejor Película de Habla no Inglesa y Don Juan en los infiernos (Gonzalo Suárez, 1991), interpretación que le hizo ganar el Goya al Mejor Actor

Con Don Juan en los infiernos (1991) ganó el Goya

Por su parte, coincidió con ambos en Corsarios del Chip (Rafael Alcázar, 1996) y con Fernando trabajó en el debut de éste como director junto a Karra Elejalde, Año Mariano (2000) y participó en uno de los capítulos, curiosamente ambientado en el mundo del teatro, de Los misterios de Laura, serie que su hijo protagoniza junto a María Pujalte desde 2009. Otra película en la que padre e hijo trabajaron juntos fue en La ley del deseo (Pedro Almodóvar, 1987).

Almodóvar es uno de los muchos directores con los que Fernando Guillén trabajó, volviendo a ser dirigido por él en Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988) otro filme candidato al Oscar o Todo sobre mi madre (1999) que sí ganó la dorada estatuilla, y en cuyo reparto también estaba su hija Cayetana.

Otras películas destacadas de su filmografía son La noche oscura (Carlos Saura, 1989), primera nominación al Goya, Acción mutante (Alex de la Iglesia,1993), You 're the one (José Luis Garci, 2000) al lado de Lydia Bosch o Julia Gutiérrez Caba o Otros días vendrán (Eduard Cortés, 2005) junto a Cecilia Roth y Antonio Resines que le supuso otra nominación al Goya

Su voz era otra de sus señas de identidad y en el cine puso sus cuerdas vocales para ser el narrador en off en el doblaje español de Amelie (Jean-Pierre Jeunet, 2001) e interpretó a un actor de doblaje en la ya mencionada Mujeres al borde de un ataque de nervios de Almodóvar

Ante un micrófono de doblaje en el filme de Almodóvar

Con respecto al teatro fue un actor muy versátil representando tanto clásicos de nuestro teatro como El alcalde de Zalamea de Calderón de La Barca, junto a Gemma Cuervo como contemporáneos, estrenando obras de Alfonso Sastre (Escuadra hacia la muerte en 1953) o Antonio Buero Vallejo (Un soñador para un pueblo, en 1958 o Las Meninas, en 1960). En 1969, representa, de nuevo junto a Gemma Cuervo, El Malentendido de Albert Camus, obra que Cayetana Guillén Cuervo prepara en estos momentos en Madrid. En 1994, Fernando Guillén actuó en el montaje de Llama un inspector, la célebre obra de J.B.Priestley y se despidió de los escenarios con El último vals de Louis Aragon en 2007.

Con Gemma Cuervo

Con un legado impresionante en el panorama artístico de este país, Fernando Guillén es de los actores que perdurará en el recuerdo de generaciones, en parte gracias a esa mirada, que expresaba tanto como sus palabras y gestos. Descanse en paz.

La Compañía Comediants representa en Sevilla un espectáculo en torno al mito de Perséfone

Un mito griego es la base para el nuevo espectáculo de Comediants: Perséfone. Variaciones mortales, con dirección de Jesús Font, toma la figura de la Diosa Reina del inframundo junto al Dios Hades durante medio año que vuelve el otro medio año a la Tierra, lo cual simboliza la llegada de la primavera. 

Este nueva creación de Comediants, que cumple cuarenta años, se puede ver hoy, 16 y mañana 17 de enero, en el Teatro Lope de Vega de Sevilla. El espectáculo fue presentado por el director del Teatro, Juan Víctor Rodríguez Yagüe, Jin Hua Kuan, coordinadora del espectáculo y perteneciente a la compañía desde 1979, y el músico Ramón Calduch.

Ramón Calduch y Jin Hua Kuan         Alejandro Reche     

Rodríguez Yagüe recordó la vinculación de Comediants con Sevilla, desde hace casi treinta años con espectáculos representados en la capital hispalense desde 1984, destacando entre otros "la Cabalgata de la Expo'92, que era uno de sus grandes atractivos".

Jin Hua Kuan, explicó que "Perséfone lo presentamos como un espectáculo de varietés que habla de la muerte, que da sentido a la vida, así como habíamos hablado de otros temas universales como el sol, la noche, el tiempo...".

Perséfone está interpretada por la actriz Ángels Gonyalons, la anfitriona del espectáculo, y, a través de ella, añadió Hua Kuan "vamos pasando por distintas escenas al estilo de Comediants, con máscaras, y sentido irónico y poético, donde reflexionamos sobre el tema de la muerte. Hemos usado estilos teatrales que ayudan a aliviar un tema tan grave".

El resto del elenco de actores lo integran Laia Piró, Laia Oliveras, Jordi Llordella y Marc Pujol junto a Ramón Calduch, que permanece todo el tiempo en escena "como un alter ego de la diosa y que toca distintos instrumentos" señaló Hua Kuan, quien añadió el soporte audiovisual "que ayuda a pasar a distintos momentos del espectáculos".

Ramón Calduch intervino para afirmar que presentan el tema de la muerte "de una manera más lúdica. Es un espectáculo básicamente musical, pero siempre al estilo Comediants". Calduch señaló a su vez "que el espectáculo va de la parte luminosa a la parte oscura y al final se vuelve a la vida". Se termina un ciclo, el de primavera-invierno que representa el de vida-muerte".

Hua Kuan destacó que Comediants continúa realizando espectáculos de interior, infantiles, pero sobre todo "en la calle, como La Pepa, en Cádiz, por el Aniversario de la Constitución y pudimos trabajar con músicos y actores del lugar".

Exposición fotográfica de Rafael Sanz Lobato en el Espacio Santa Clara

La personal mirada del fotógrafo sevillano Rafael Sanz Lobato podrá ser contemplada gracias a la Exposición Fotografías: 1960-2008. La exposición se inaugurará el próximo 17 de enero a las 20:00 horas en el Espacio Santa Clara, situado en la Calle Becas de la capital hispalense.

Sin abandonar su característico tono documental y tradicional, la exposición muestra imágenes de un país que ha ido evolucionando, y cuenta con fotografías a personas conocidas como José Mercé. 

Con esta exposición el visitante podrá contemplar el trabajo de un maestro de la captura de imágenes cuya labor se remonta a 1956, año en el que adquiere su primera cámara fotográfica, y que ha sido reconocida con multitud de premios, siendo uno de los más recientes el Premio Nacional de Fotografía 2011 al que habría que sumar otros como la Medalla al Mérito de las Bellas Artes. 

La extensa carrera artística de Sanz Lobato le ha llevado a exponer su obra por toda España, América y otras zonas del mundo a partir de los años 90, llegando a ser mencionado en prestigiosas revistas especializadas como Meisterfotos o Photography Annual.

Algunas de sus más recordadas exposiciones son Photographie Espagnole en Arlés o Historia de la Fotografía Española en Sevilla, donde ahora vuelve para mostrarnos su estilo en toda su pureza donde la nitidez de sus fotografías se unen a la fuerza y sentimiento que transmiten, retratando la España más profunda y tradicional, con sus raíces tan pegadas a la tierra.

Unos Globos de Oro nada "miserables" reparten "argo" para casi todos

Con el juego de palabras del título he querido dar un sentido genérico a la entrega de los Globos de Oro en su septuagésima edición presentada por las televisivas Tina Fey y Amy Poehler y que rindió homenaje a Jodie Foster.

Los premios, antesala de los Oscar

En primer lugar Los Miserables, de Tom Hooper ha sido considerada la Mejor Película en la categoría de Comedia o Musical. 

El filme inspirado en la obra maestra de Victor Hugo ha consagrado a otros dos actores de moda en el cine actual: Anne Hathaway ha ganado el Globo de Oro a la Mejor Actriz de Reparto por su increíble composición de Fantine con ese tema, I dreamed a dream, que canta de manera tan desgarradora. Por su parte Hugh Jackman ha sido el Mejor Actor de Comedia o Musical por su interpretación del conmovedor Jean Valjean. 

Anne Hathaway y Hugh Jackman, premiados por Los Miserables

En el apartado dramático la gran sorpresa la ha dado Argo premiada como Mejor Película. El tercer trabajo detrás de las cámaras de Ben Affleck, también premiado como Mejor Director cuenta con la coproducción de George Clooney para narrar una historia sobre una operación secreta que transcurre en Irán a finales de los años 70.

Otro triunfador puede considerarse Quentin Tarantino, quien, con su último filme, Django desencadenado ha obtenido el Globo de Oro al Mejor Guión, así como el Globo de Oro al Mejor Actor de Reparto para Christoph Waltz, como ya ocurriera con Malditos Bastardos (2009).

Christoph Waltz, de nuevo premiado gracias a Tarantino

Otros filmes que estaban con fuerza en las quinielas con mucha fuerza se han debido contentar con un premio cada una de ellas: Lincoln, de Steven Spielberg, se ha llevado el Globo de Oro al Mejor Actor Dramático para Daniel Day-Lewis, el segundo de su carrera. 

Daniel Day-Lewis, premiado por Lincoln

Por otro lado, La hora más oscura de Kathryn Bigelow le ha reportado a Jessica Chastain (Criadas y señoras), el Globo de Oro a la mejor Actriz Dramática. Finalmente, El lado bueno de las cosas de David O. Russell ha obtenido el Globo de Oro a la Mejor Actriz de Comedia o Musical para Jennifer Lawrence, también protagonista de la taquillera Los juegos del hambre, de Gary Ross.

El resto de premios en el apartado cinematográfico se han repartido de la siguiente manera: La Mejor Banda Sonora ha sido para Mychael Danna por su trabajo en La vida de Pi, de Ang Lee. La Mejor Canción ha sido para Adele y su tema Skyfall para el filme homónimo, uĺtimo estrenado de la saga James Bond.

Finalmente la Mejor Película de Animación ha sido para Brave de Walt Disney/Pixar, ese hermoso relato familiar ambientado en la Escocia Medieval y la Mejor Película Extranjera ha sido la austriaca Amour de Michael Haneke.

Haneke con sus actores en el rodaje de la premiada Amour

Como apuntes del apartado televisivo destacan los premios a la serie Homeland: Mejor Serie Dramática, Mejor Actriz en la categoría para Claire Danes, como el año pasado, así como el Mejor Actor para Damian Lewis.

Damian Lewis y Claire Danes, premiados por Homeland

 Otra de las triunfadoras fue la Miniserie en torno a Sarah Palin Game Change, premiada como la mejor de su categoría más los Globos de Oro para Julianne Moore como Mejor Actriz de Miniserie o TV Movie y Ed Harris, Mejor Actor de Reparto. 

Por su parte, la serie Girls fue premiada como la mejor Serie Cómica, así como su creadora y protagonista Lina Dunham, Mejor Actriz en Serie Cómica

Nombres de cine entre otros premiados televisivos: Kevin Costner, Mejor Actor de Miniserie por Hatfields & McCoys y Don Cheadle, Mejor Actor en Serie Cómica por House of lies.

Kevin Costner en el papel que le ha dado el Globo de Oro

La veterana Maggie Smith recibió el Globo de Oro a la Mejor Actriz de Reparto por la venerada Downton Abbey.

Ahora, a esperar los Oscar, ya queda menos.

Codicia sin límites

                               CRÍTICA TEATRAL: LA LOBA

Recordando a uno de nuestros poetas clásicos, Francisco de Quevedo terminaba cada estrofa de uno de sus más logrados poemas con la frase "Poderoso Caballero es Don Dinero" y decía una gran verdad acerca de uno de los grandes males del mundo, ya que el ansia por tener dinero hace a veces al hombre perder su condición humana, despojándolo de sentimientos y escrúpulos. 

La escritora Lillian Hellman concibió en 1939 uno de los máximos exponentes del corruptor poder del dinero en La Loba, una obra de teatro que el experimentado Gerardo Vera ha elegido para despedirse como director del Centro Dramático Nacional y que se puede ver hasta el domingo en el Teatro Lope de Vega de Sevilla, donde ha recalado como parte de su exitosa gira.

El texto de Hellman, con versión de Ernesto Caballero, es muy poderoso, llegando a escucharse algunas de las frases más crueles que se pueden decir y mostrando una impactante escena donde la maldad se expone en toda su crudeza. El sólido grupo de actores con que cuenta esta coproducción de Juanjo Seoane y el CDN es la base de los satisfactorios resultados producidos en el escenario.

Nuria Espert añade a su curriculum otra interpretación para el recuerdo en la piel de la despiadada Regina Giddens, un reto porque la interpretación que hizo Bette Davis en el fime dirigido por William Wyler en 1941 está presente en muchos espectadores. Pero la veterana actriz hace suyo el personaje gracias a la cantidad de recursos interpretativos que despliega, con la mirada como una de sus mejores armas. 

Nuria Espert y Víctor Valverde                        David Ruano

Por su parte Jeannine Mestre como Birdie compone un personaje frágil, con un momento, entre la evocación de recuerdos y la confesión, que es prácticamente un monólogo, donde la actriz se luce totalmente. Carmen Conesa, por su parte compone el personaje de Alexandra, la hija de Regina, con unos matices que la llevan de la bondad a la determinación absoluta de querer vivir fuera de ese nido de cuervos que compone su familia, a excepción de su padre (un Víctor Valverde con una gran seguridad en el escenario encarnando a James Giddens). 

El resto de actores rayan a la misma altura de calidad interpretativa: Héctor Colomé y Ricardo Joven, interpretando, respectivamente, a Benjamin y Oscar Hubbard, los hermanos de Regina, demuestran que a nivel de ambición los tres hermanos están igualados. Completan el elenco unos correctos Markos Marín, Ileana Wilson y Paco Lahoz.

Gerardo Vera ha aportado a este montaje su sabiduría como director y escenógrafo, con una reconstrucción del interior de una casa del sur de Estados Unidos en 1900 intachable, con una escalera que es prácticamente un personaje más. Por su parte, la iluminación de Juan Gómez-Cornejo no puede ser más exacta y precisa y el vestuario de Franca Squarciapino es una joya, con unos diseños femeninos que dicen mucho del personaje que los lleva.

Todo, en suma, contribuye para poner en pie como debe hacerse una obra, La Loba, no muy representada en España por cierto, que hace plantearse al espectador dónde están los límites morales para conseguir los objetivos de cada uno, en este caso, el enriquecimiento material. 

La belleza de lo sobrenatural

                                          CRÍTICA DE DANZA: GISELLE

El Romanticismo fue una época histórica y artística especial. La vida se daba la mano con la muerte constantemente y los elementos sobrenaturales abundaban en todas las manifestaciones artísticas. En el terreno de la danza clásica Giselle es un título muy significativo y representativo de las constantes románticas. 

El Ballet Nacional de Letonia ha venido por primera vez al Teatro de La Maestranza de Sevilla para que el público hispalense disfrute de Giselle. Porque eso será lo que haga quien vaya a ver Giselle hasta el sábado 12 de enero: Disfrutar de una historia de amor más allá de la muerte hermosamente escenificada gracias a la labor de todos los integrantes de esta nonagenaria Compañía.

Giselle y el Conde Albrecht                 Guillermo Mendo

Respetando la coreografía de Petipa, Perrot y Coralli, el director Aivars Leimanis ofrece momentos memorables para todo amante de la danza clásica, donde la pareja formada por Elza Leimane-Martinova y Raimonds Martinovs muestra una compenetración absoluta en el escenario.

Por otro lado, uno de los atractivos de Giselle, que se ha mantenido prácticamente desde que la compusieran Théophile Gautier y Vernoy de Saint-Georges (autores del libreto) junto con Adolphe Adam (autor de la música) en la primera mitad del siglo XIX (se estrenó en 1841) es el contraste entre los dos actos de este ballet.

Para empezar, en el primero hay una combinación espectacular de colores tanto en el decorado como en el vestuario para escenificar la alegría campestre y la ilusión inicial de Giselle al conocer al Conde Albrecht. 

Momento alegre del primer acto         Guillermo Mendo

En contraposición, el segundo acto, donde se muestran todas las constantes románticas anteriormente mencionadas, tiene un tono más oscuro en lo que a decorado se refiere y una uniformidad en el vestuario de las bailarinas que representan los espíritus femeninos, todas de blanco. En este sentido hay que alabar la impresionante labor realizada por Inara Gauja y Karlis Kaupuzs para conseguir reproducir dos actos tan distintos entre sí. Todo complementado con la música de Adam que hizo sonar de manera impoluta la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, en esta ocasión dirigida por Farhads Stade.

En Giselle, el segundo acto demuestra que un escenario en un principio tenebroso puede convertirse en un lugar donde el amor traspasa todas las fronteras, y el espectador disfruta de la hermosura de las coreografías, algo más vertiginosas y arriesgadas que en el primer acto. 

El acto de amor que lleva a cabo Giselle en el tramo final de la historia es el colofón a un ballet que, por mucho que pase el tiempo, seguirá maravillando por la historia que cuenta y las coreografías que en él se realizan, como muestra de manera brillante el Ballet Nacional de Letonia