Irene Escolar: "Mi personaje en "De ratones y hombres" es un regalo"

Ver actuar sobre un escenario a Irene Escolar (Madrid, 1988) es una delicia pero conversar con ella no tiene precio. Hija del productor José Luis Escolar, nieta de la inolvidable actriz Irene Gutiérrez Caba y sobrina nieta de los igualmente geniales Emilio y Julia Gutiérrez Caba, se puede decir que la devoción por la  interpretación impregna todo su ser. Aunque ha trabajado en cine con maestros como Carlos Saura, Vicente Aranda o José Luis Cuerda, es en el teatro donde está desarrollando la mayor parte de su exitosa carrera, a la vez  que estudia Filología Inglesa.

El último ejemplo de su talento interpretativo lo hallamos en la  encarnación  de la mujer de uno de los personajes de De ratones y hombres, sobre la novela de John Steinbeck y dirigida por el talentoso Miguel del Arco. De esta obra, que representa hasta hoy en Sevilla acompañada por Fernando Cayo y Roberto Alamo entre muchos otros, y de varios aspectos de su carrera ha hablado en una entrevista de la que les recomiendo no se pierdan ni una coma.

Irene Escolar                      Foto: Media Art Management        

Pregunta: De ratones y hombres es su siguiente trabajo en el teatro tras Agosto a las órdenes de Gerardo Vera ¿Qué le hizo decidirse por esta historia, de John Steinbeck?

Irene Escolar: En primer lugar, Miguel del Arco. El hecho de que él me llamara hizo que yo dijera que sí, independientemente del texto que me hubiera ofrecido. He visto todos los montajes que él ha hecho y soy una gran admiradora de su trabajo. Otra razón es el texto. Yo ya lo conocía porque lo había leído en el colegio, pero ya hace unos años. Lo volví a leer y el personaje es un regalo. Es el único personaje femenino, muy complejo y muy bonito de hacer. Además vamos a actuar en el Teatro Español, que no hay teatro que me pueda gustar más en el mundo.

P: Su personaje pasa por diversos estados ¿qué le indicó Miguel del Arco para hacer el viaje emocional que realiza en esta función?  

I.E.: Como actor, se van haciendo las escenas y Miguel te va guiando. Yo supongo que al elegirme a mí, él corre un riesgo porque, cuando se lee la novela o la obra de teatro, mi personaje se describe como una mujer voluptuosa, muy sexual... y yo no soy eso, parezco más joven en el escenario, no soy la típica mujerona mayor sino todo lo contrario. Creo que Miguel me escogió por ser una niña y creo que, en realidad, es una apuesta muy buena. Ella realmente es una niña, que está sola, al ser la única mujer en la granja, y necesita conversar, cariño y sentirse parte de algo. Es una niña abandonada en el fondo. La vulnerabilidad del personaje viene de ahí, de esa soledad, de esa necesidad de conversar con los demás y expresarse. Su sensualidad y su sexualidad vienen de querer tapar todo eso. Además Miguel y yo hablábamos de que, seguramente, mi personaje, de pequeña, era la típica niña guapa que la madre la vendía para conseguir todo: la comida más barata, el que la invitaran a algunas fiestas... Luego ella se confronta porque, al sentirse en un terreno hostil, saca la fuerza para enfrentarse a todo.

P: ¿Cómo se siente con sus compañeros?

I.E.: Es un lujo, todos me han cuidado mucho, siendo la única chica del espectáculo, me he sentido muy protegida y también lo siento en escena porque sé que, pase lo que pase, ellos van a estar ahí para ayudarme.

P: Antes de Agosto hizo Oleanna de David Mamet, compartiendo escenario con José Coronado (por cuyo trabajo obtuvo el Premio Ojo Crítico de Radio Nacional de España).  Por el tema de la obra (el acoso sexual) ¿fue un reto interpretar esa obra?

I.E.: Fue un reto para mí porque era mi primer papel protagonista en teatro, y era muy complejo de entrada. Al final resultó más fácil interpretarlo de lo que yo pensaba. Aparte de que el tema era difícil, suponía sostener una obra, con  sólo dos personajes hablando durante hora y media. Es muy difícil sostener eso y yo no sabía si iba a estar a la altura. Creo que es el personaje que más me ha marcado y que supongo que recordaré siempre, aunque no me olvido de ninguno, pero vino mucha gente a ver esa función y a la gente le sorprendía mi trabajo, ya que no era un personaje fácil y yo también me sorprendí a mí misma y a partir de eso siento que todo lo demás me resulta más fácil.

P: Usted ha trabajado en dos ocasiones con Alex Rigola (Días mejores y Rock n'Roll) ¿Qué aporta este director al panorama teatral?  

I.E.: Para mí es un maestro. 2666 era espectacular, La gata sobre el tejado de zinc, que es el más reciente.... Todos los espectáculos que he visto suyos son especiales. Tiene algo único. Tiene una forma de contar a través de las imágenes, a través del tema visual que es impresionante. Me encantaría volver a trabajar con él. Creo que Rock n'Roll es de las funciones más bonitas en las que he estado, un texto de Tom Stoppard. Ese montaje fue impresionante. Luego alguien muy importante para mí es Andrés Lima, con quien estoy haciendo un taller sobre el capitalismo, sobre un libro, La doctrina del shock de Naomi Klein, durante varios meses investigando sobre este tema y vienen periodistas y gente muy interesante a hablar con nosotros, con Animalario haciendo improvisaciones, y está siendo una de las cosas más interesantes que he hecho nunca y que más cosas me está aportando. Andrés es otro ejemplo de un panorama fabuloso, en el que cada uno aporta algo distinto, tienen un sello distinto.

P: ¿Hay algún personaje en especial que quisiera interpretar a lo largo de su carrera?

I.E.: Muchos. Me encantaría hacer una tragedia griega en Mérida. También hacer personajes en inglés, de Shakespeare o del que sea, un texto en inglés que no haya que traducir sino tal como está escrito y poder hacerlo en su idioma. Siempre digo que me gustaría interpretar a Laura en El zoo de cristal, pero en realidad me gustaría hacer cualquier personaje de Tennessee Williams o Anna Christie de Eugene O'Neill, y tantos otros.

P: ¿Piensa que un actor se forja en el teatro?

I.E.: Sí. Pero no sólo lo digo yo, sino gente a la que he leído y admiro. Todos los actores: Ian McKellen, Al Pacino, Laurence Olivier, Philip Seymour Hoffman. Actores de todas las épocas lo dicen, y yo creo que es así, sin duda.

P: Como actriz ¿no le importaría hacer un personaje masculino?

I.E.: No me importaría nada, todo lo que sea más contrario a mí me gustaría interpretarlo.

P: Ha hecho pocas incursiones en televisión. Ahora hay muchas series de época ¿le gustaría intervenir en algún proyecto de esas características?

I.E.: Sí, lo que pasa es que se pueden tomar muchos caminos. Cuando empecé me aconsejaron, y yo quise siempre, trabajar en teatro. Tuve la suerte de que Alex Rigola me cogiera para hacer Días mejores y, desde entonces, he ido compaginando un espectáculo con otro. Y yo, haciendo teatro, no lo compagino . Sobre todo porque quiero hacerlo bien. Ahora prefiero ir aprendiendo todo lo que pueda haciendo teatro.

P: En cine participa en El séptimo día (Carlos Saura, 2004). La escena en la que baila con sus otras "dos hermanas" la canción Una rosa es una rosa de Mecano es muy recordada ¿Cómo recuerda el rodaje de esa escena?

I.E.: A Carlos Saura le encantan las escenas de niños bailando y cantando. Fue muy fácil, porque nosotras podíamos hacer lo que quisiéramos y teníamos a una persona, que ya ha fallecido, Julio Madurga, que era uno de los mejores cámaras que ha tenido el cine español. Yo le tengo mucho cariño porque en esa película me ayudó mucho y siempre me acordaré de él. Nos seguía con la cámara. Era maravilloso y se lo pasó en grande con nosotras aquel día. En la habitación, con la música, podíamos bailar y hacer lo que quisiéramos.

P: También interviene en Los girasoles ciegos (José Luis Cuerda, 2008). El papel era breve pero muy intenso y dramático ¿fue duro hacerlo?

I.E.: No fue duro. Fue una experiencia maravillosa, todo lo contrario, trabajar con José Luis Cuerda, otro de los grandes directores de este país, del que estoy deseando ver su siguiente película Todo es silencio, Maribel Verdú, Javier Cámara, Raúl Arévalo. Yo era feliz en ese rodaje, aunque la historia fuera muy dura pero eso no quita que yo como actriz disfrutase mucho haciéndolo. El final de mi personaje es muy triste, pero eso está bien que lo sufra el espectador, sin embargo si lo sufre el actor, malo. Es como decía Billy Wilder: "Para hacer de tonto tienes que ser muy listo, para hacer de borracho tienes que estar muy sobrio". Pues aquí lo mismo, para que el personaje sufra tienes que estar bien, para poder transmitir eso.

P: Usted representa la sexta generación de una familia dedicada al mundo del espectáculo (saga que comienza en el siglo XIX con Pascual Alba). A la hora de ser actriz, el pertenecer a una familia con tanta tradición, ¿le ha hecho ver la profesión desde otro punto de vista diferente?

I.E.: Yo creo que sí. He sido muy afortunada, porque siempre ha sido lo que más me ha gustado hacer y he tenido clarísimo que me quería dedicar a esto, pero teniendo la suerte de que en las cenas familiares se hablara de teatro,  de cine, de lo que más me gusta. Hay otras personas que tienen mucha vocación y su familia no entiende que quieran dedicarse a esto. Eso debe de ser muy duro. Yo eso no lo he tenido que afrontar, el decirles que me quiero dedicar a esto y que no lo entendieran. Es que si no me hubiera dedicado a esto, hubiera sido extraño, porque toda mi familia se dedica. Lo que sí me gusta aclarar es que no lo he tenido más fácil que otras personas, porque mi familia no me hubiese ayudado si yo no hubiera demostrado talento, no me lo habrían impuesto porque mi familia no trabaja así. Son trabajadores, no estrellas y nadie me ha colocado en ningún sitio, yo he llegado donde he llegado haciendo pruebas, como todos los demás, y trabajando.

P: En el programa Protagonistas para el recuerdo dedicado a su abuela usted declaraba que recordaba jugar con ella a interpretar personajes. ¿Se puede decir que ese fue el primer contacto con ese mundo  que desembocaría en su vocación de actriz?

I.E.: Claro, es que lo normal era que cuando venía a verme a casa, jugábamos a eso. Yo tengo un recuerdo muy claro de nosotras jugando a interpretar Romeo y Julieta. Y claro, si ya desde muy pequeña jugaba eso con mi abuela ¿qué se iba esperar? Era lo que yo le pedía, jugar a eso en la escalera de casa. Lo hacíamos para nosotras dos, para pasarlo bien. Y en eso consiste al final esta profesión: jugar, disfrutar y hacer sentir muchas cosas al espectador, pero tú estás jugando.

Fernando Cayo y Roberto Alamo: Dos actores y una amistad

Roberto Alamo y Fernando Cayo son dos actores de demostrada eficacia y profesionalidad. Triunfan en la televisión y el cine pero el teatro forma una parte esencial en sus carreras. Precisamente el teatro es lo que los ha unido profesionalmente en esta ocasión: Representan hasta el sábado, en el Teatro Lope de Vega de Sevilla, De Ratones y Hombres, una adaptación de la célebre novela del escritor John Steinbeck. Alamo y Cayo interpretan, bajo la sabia dirección de Miguel del Arco, a dos jornaleros, Lennie y George, que sueñan con prosperar en la vida durante la gran depresión americana de los años 30 del siglo XX. De la presente obra, sus otros nexos en común y otros asuntos hablaron amablemente para este blog.

Un servidor con Fernando Cayo y Roberto Alamo               A.Reche Selas

Pregunta: La obra se pone en pie coincidiendo con el 75º aniversario de la publicación de la novela ¿Creen que, a pesar del tiempo transcurrido no ha perdido vigencia?

Roberto Alamo: Yo creo que las obras maestras son atemporales, por lo que no pierden vigencia como Julio César de William Shakespeare o De ratones y hombres, de John Steinbeck. No lo hacen porque hablan de temas que nos importan día a día a los seres humanos y los conflictos que los seres humanos tienen a lo largo de la Historia, los grandes conflictos. Eso no tiene fecha de caducidad, por lo que puedes ver "De ratones y hombres" y asumir que es de ahora.

Fernando Cayo: Miguel del Arco, además, ha intentado extraer del texto y buscar en la interpretación de los actores una contemporaneidad absoluta: los impulsos, la forma de hablar con diálogos cruzados,montados, conversaciones superpuestas, un ritmo muy rápido, muy vertiginoso en los diálogos...La sensación es que hay un "perfume" en la puesta en escena que ambienta en los años 30 en Estados Unidos, pero se han eliminado los localismos y, por este tipo de interpretación podría estar ocurriendo en una explotación agrícola de Almería o Huelva, por ejemplo.

P: Luis Merlo dijo en una ocasión que la amistad es otra especie de amor ¿cómo definirían la relación entre los dos personajes que interpretan?

R.A.: Yo, profundizando en lo que dijo Luis Merlo, diría que la amistad no es un tipo de amor, sino que es amor. No sé por qué la gente cuando escucha la palabra amor piensa en el sexo, siempre. Se ve una relación de amor entre dos amigos y se piensa que es homosexual. El amor es el amor: hacia un hijo, hacia un amigo, a tu familia... En ese sentido yo sí creo que la relación entre nuestros personajes es de amor y de profunda amistad entre dos seres humanos que se entienden a pesar de que sus cerebros funcionen de forma diferente. Es una relación absolutamente afectiva y cariñosa, y de amistad.


P: ¿Se puede decir que también es una historia de superación, por el entorno  y las situaciones que se van encontrando por el camino?

R.C.: Lo que está detrás de esta historia de amistad que se confronta con un medio laboral muy duro es un grito de Steinbeck que habla de humanidad, de libertad, en un mundo asfixiado por la codicia, que es un poco lo que nos está pasando ahora. En el mundo hay más cosas aparte del dinero. A veces hay que recordar que ni andar, ni respirar, ni disfrutar de la vida, ni amar cuesta dinero, y en eso la crisis no nos puede afectar. Para eso tiene que haber un hueco para el optimismo. De eso habla Steinbeck en esta obra, de que hay que salir de la esclavitud, tenemos que cumplir nuestros sueños, todos tenemos sueños y la posibilidad de cumplirlos.

P: ¿Cómo se ha planteado la dirección con tantos actores sobre el escenario para evitar choques...?

R.A: En esta obra hasta nos pisamos textos intencionadamente.

F.C.: Es una desorganización organizada.

R.A.: Está todo organizado, y en eso Miguel del Arco es un maestro. Sabe manejar muy bien a un grupo humano y esta es una prueba más.

P: Ambos tienen en común el haber trabajado en la compañía Animalario (Fernando Cayo en Tito Andrónico y Roberto Alamo en la mayor parte de sus montajes, incluso obtuvo premios por Urtain) ¿Qué destacarían de esta compañía?

R.A: Yo he trabajado en todos sus montajes menos en dos. Yo empecé en el grupo y hasta ahora. Nos une el amor, el humor y la admiración mutua de unos a otros, básicamente. Eso es Animalario.

F.C: Para mí es una de esas compañías que está generando espectáculos para un público mayoritario desde un espacio de libertad e innovación. Es lo que destacaría de Animalario y de Andrés Lima como director. A Miguel del Arco le ocurre un poco lo mismo, ya que está acercando a un público mayoritario el teatro de una forma muy viva y muy auténtica, y eso atrae a los espectadores.

P: Ambos también trabajan en series de época (Fernando Cayo actuó en La Señora, 14 de abril. La República y ahora en Toledo, mientras que Roberto Alamo es uno de los integrantes del reparto de Aguila Roja). ¿Pueden confirmar que al público les gusta este tipo de producciones, sin reticencias?

F.C.: La época forma parte de la vida y como tal es interesante. Todos hemos fantaseado con la idea de haber vivido en otra época y en mi caso, "Toledo", habla de un ambiente medieval, y en España hay una gran tradición y vivimos rodeados de esa Historia. De alguna manera, como espectador, poder ver algo relacionado con tu Historia, ficcionado, es algo muy interesante. En mi caso yo me he llevado muchos años en la Compañía Nacional de Teatro Clásico y ese trabajo con la época me ha resultado familiar.

P: El llegar a mucha gente a través de la televisión les ha hecho aumentar su popularidad. Teniendo en cuenta que sus personajes tienen un importante peso en las tramas de las ficciones en las que participan ¿hace que la gente por la calle les confunda con el personaje que interpretan y, por ejemplo, les den consejos?

R.A.: Es algo normal. En mi caso, cuando voy por la calle el cien por cien de la gente que ve la serie me llama Juan, y yo me llamo Roberto. El cien por cien de la gente que me ha visto en Urtain o en De ratones y hombres,  que me han visto en teatro me dicen "Roberto, enhorabuena por la obra" pero jamás me llaman Urtain o Lennie, por ejemplo. El teatro tiene otro tempo:compras una entrada, te dan un programa, lo lees, ves que Roberto es tal, Fernando es tal. Cuando ven la obra, la gente dice: "Qué buen papel hace Fernando Cayo".

F.C: A mí señoras, con Toledo, me han llegado a decir "Qúe malo eres". Lo que me gusta más de todo es el  poder transitar por distintos recorridos: estar en la televisión e interpretar a un malvado y luego llegar al teatro y hacer una historia de amistad tan bonita como ésta con Roberto y el resto de los compañeros. El haber hecho también un capitán de las SS en la anterior producción teatral, La caida de los dioses. Hacer esos tránsitos que a veces son del blanco al negro, creo que nos enriquece a los actores como personas.

De amistad y sueños rotos

                        CRÍTICA DE TEATRO: DE RATONES Y HOMBRES

Si el teatro significa transmitir sentimientos y sensaciones en vivo y en directo, De ratones y hombres es una muestra de cómo lograr quedarse impactado en la butaca una vez que se baja el telón. Un servidor iba sólo conociendo el punto de partida pero nada más ya que ni había leído la novela de John Steinbeck ni  había visto las dos películas más recordadas basadas en ella: La de 1939, con Burgess Meredith y Lon Chaney Jr., dirigida por Lewis Milestone, y la de 1992 dirigida por Gary Sinise y protagonizada por él mismo y John Malkovich.

Roberto Alamo, Fernando Cayo e Irene Escolar  Ros Ribas

Este texto, en manos de Miguel del Arco, supone un espectáculo visual y emocional, gracias a un esfuerzo de producción importante que no escatima en elementos para representar sobre el escenario los lugares donde se va desarrollando la acción. Un juego de luces perfecto y una dirección de actores muy acertada confirman la calidad de la obra. Del Arco demuestra su maestría como director, algo que los que tuvimos la suerte de ver La violación de Lucrecia o Veraneantes ya pudimos comprobar.

Los actores tienen un capítulo en esta crítica: La pareja de amigos  que se buscan la vida en un entorno rural compuesta por Fernando Cayo (George) y Roberto Alamo (Lennie) despierta una ternura que hace arrancar más de una sonrisa al espectador. La deficiencia psíquica y la fuerza física de Lennie suponen, a la hora de transmitir ambos aspectos, un desafío para cualquier actor y Roberto Alamo, después de haber visto Urtain, en mi caso en su versión para Estudio 1, y su encarnación de Lennie puedo decir que puede con lo que le echen. El resto del reparto masculino tiene su momento de gloria a lo largo de las dos horas que dura la obra tanto los que interpretan a otros oprimidos por el poder como los personajes de Eduardo Velasco o Emilio Buale como los opresores como Curley (Diego Toucedo).

El contrapunto a tanta testosterona en el escenario lo pone la esposa de Curley a la que encarna una desenvuelta Irene Escolar, quien se muestra sensual, provocativa, desafiante y vulnerable. Lo que sí queda claro es que, inconscientemente, se sabe que ese personaje no es  uno más, sino que dará lugar a algo que no se sabe lo que es, pero que inquieta. El desarrollo de los acontecimientos confirma esta teoría, sin desvelar nada de ello, por supuesto. Pero el destino hace que la relación entre Lennie y George se vea trastocada hasta desembocar en un trágico final que hace que todos sus proyectos para mejorar en la vida se desvanezcan.

Si desconocen la novela de Steinbeck, autor de poderosos dramas como Las uvas de la ira o Al este del Edén, esta es una buena oportunidad de conocer su fuerza y talento narrativos y disfrutar de un poderoso drama donde la amistad y los sueños rotos, como titulo la crítica, son dos de sus pilares básicos. Todo ello con actores de primera y una puesta en escena sobresaliente.   

"De ratones y hombres" de John Steinbeck sube a las tablas del Lope de Vega

John Steinbeck escribió De ratones y hombres en 1937. Su éxito fue tal que él mismo hizo una adaptación teatral y precisamente, esta gran obra enmarcada en los años de la Gran Depresión Americana se podrá ver desde hoy hasta el sábado 31 en el Teatro Lope de Vega de Sevilla tras su paso por Bilbao, Valladolid y Logroño. Auspiciada por la productora Concha Busto, quien ya trajo esta temporada a este mismo teatro la inolvidable Por el placer de volver a verla, se trata de una obra dirigida por el versátil Miguel del Arco, también director de La violación de Lucrecia y Veraneantes, que también han podido verse esta temporada en la capital hispalense. 

La obra fue presentada a los medios ayer por el director del Teatro, Juan Víctor Rodríguez Yagüe, la propia Concha Busto, quien confirmó que ésta sería su última producción teatral, y los actores Fernando Cayo y Roberto Alamo, en representación de los diez intérpretes de la función, entre los que se encuentran la joven Irene Escolar, cuyo personaje es el único que no tiene nombre, Eduardo Velasco, Diego Toucedo o Emilio Buale. 

Momento de la presentación de De ratones y hombres   A.Reche Selas

La versión de la obra es de Juan Caño, que posteriormente adaptó el propio Miguel del Arco. Con respecto a la obra Fernando Cayo señaló que "la anécdota que narra la obra se inspira en una historia real". La obra se centra en dos jornaleros, George (Cayo) y Lennie (Alamo), el cual tiene discapacidad psíquica. Cayo resaltó que "ambos se encuentran con ocho personajes que conforman un friso de biotipos humanos, cada uno con sus sueños y opiniones sobre la amistad, el amor, el sexo, el trabajo y consigue hablar de un tema universal como es la amistad y de otros como la esclavitud hacia el trabajo excesivo y mal pagado y la falta de comunicación". Cayo también señaló que la función "es un espectáculo con humor y una vertiente emocional".

Roberto Alamo señaló que para interpretar a su personaje le sirvió de mucha ayuda su mujer "que es doctora en autismo y ella me dijo que el personaje tiene una mezcolanza". Alamo, al igual que Busto y Cayo, destacó el trabajo de Miguel del Arco afirmando que "aprovecha la humanidad de cada ser humano que tiene delante. Es alguien que abre su corazón y te deja volverte loco, en el buen sentido de la palabra, para que él te vaya llevando hacia donde él quiere". "Eso", continuó, "es crear". Alamo evocó el primer día de ensayos de la obra donde Del Arco dijo "yo necesito amor". Alamo confirmó que "eso no me lo ha dicho ningún otro director, algo que todos los seres humanos deben decir. Eso hizo que las emociones circularan por la mesa".

La obra se representará posteriormente en el Teatro Español de Madrid del 12 abril al 27 de mayo, lo que da una idea del interés que ha suscitado este propuesta, con un carácter universal por los temas que trata.

Mario Casas arrasa en el preestreno sevillano de "Grupo 7"

Ocho menos cuarto de la tarde, un grupo numeroso de adolescentes abarrota una zona de los cines Nervión Plaza de Sevilla. Concretamente rodean el área donde va a tener lugar un photocall: el de la película Grupo 7, de Alberto Rodríguez, cuyo preestreno tuvo lugar ayer, antes de llegar a toda España el próximo 4 de abril. El principal motivo de tanta expectación es, previo sondeo, la llegada del actor Mario Casas, uno de los protagonistas del filme. Dicho sondeo confirma que las chicas allí congregadas rondan entre los quince y los dieciocho años, aproximadamente, y que algunas de ellas llevan esperando desde las seis de la tarde, a pesar de no tener entrada. Algunas de estas jóvenes son auténticas seguidoras del protagonista de Tres metros sobre el cielo o la serie El Barco, de hecho algunas reconocían que estaban nerviosas por venir desde por la mañana.

Parte del equipo del filme Grupo 7 en el preestreno A. Reche Selas

La expectación dio paso a los gritos y la euforia, con la llegada de todo el equipo de la película: Casas, una bellísima Inma Cuesta (Margarita en Aguila Roja),  el productor José Antonio Félez, Alberto Rodríguez o Antonio de la Torre, actualmente representando la obra de teatro Grooming. De la Torre declaró para este blog que el rodaje de la película "ha sido duro, muchas semanas. Es una película de acción con muchas escenas, carreras, golpes y mucha intensidad dramática que nos hacía estar muy alerta".

Mario Casas haciendo con las manos el número 7  A. Reche Selas

El propio equipo se acercó a cada una de las salas para presentar a los espectadores la película desbordando simpatía y miradas cómplices a parte del público, que había participado en la película.

Hablando de la película en sí, ha de decirse que se trata del último filme rodado hasta la fecha por el sevillano Alberto Rodríguez. Tras After (2009) Rodríguez retrata la Sevilla de los años previos a la Expo' 92 centrando su atención en un grupo policial antidroga, el Grupo 7 del título, integrado por Mario Casas, Antonio de la Torre, Joaquín Núñez y José Manuel Poga. A lo largo del filme, con un realismo acentuado por la cámara al hombro y algunos primeros planos bastante potentes, el espectador presencia el modo de actuar de este grupo policial, que se ve obligado a visitar zonas desfavorecidas de la ciudad, y de cómo su labor repercute de una manera o de otra en sus vidas. 

Mario Casas e Inma Cuesta, matrimonio en el filme    A.Reche Selas

Aunque la película, producida por Atípica Films y La Zanfoña Producciones, se centra además en la intimidad de los personajes de Casas con su mujer (Inma Cuesta) y De la Torre en una soledad que llena el personaje de Lucía Guerrero, hay que decir que la película tiene sus mejores momentos en las reuniones de los cuatro componentes del grupo y sus conversaciones. Además de los intérpretes mencionados hay que destacar la actuación de Julián Villagrán y Estefanía de los Santos. El filme muestra una realidad muy dura que no escatima a la hora de mostrar imágenes crudas para entender el peligro que corre este cuarteto al desempeñar su trabajo. Un intento acertado por parte del director de 7 vírgenes de mostrar una imagen de su propia ciudad que, aunque triste, no es irreal, desgraciadamente.

Mario Casas, Alberto Rodríguez y Antonio de la Torre        A. Reche Selas

La película demuestra el constante cambio de registro de Mario Casas en la elección de los papeles a lo largo de su carrera, y el imán que supone su presencia en un filme, acompañado por actores muy solventes, por la gran cantidad de fans que tiene.

Patricia Vela "renace" en el Lope de Vega

La cantante sevillana Patricia Vela vuelve al Teatro Lope de Vega, concretamente mañana, para presentar su quinto trabajo titulado Renacimiento, producido por Pascual González y Manuel Marvizón. Vela recordó en la presentación el pasado viernes que en el Lope de Vega presentó su primer disco y "estuve en el primer ciclo de Sevilla y la Copla, con las siete magníficas: Doña Juana Reina, Gracia Montes, Marife de Triana, Maruja Díaz"...

Acompañada por el director del Teatro, Juan Víctor Rodríguez Yagüe, Vela señaló que su último trabajo "es un espectáculo muy pensado y madurado". La cantante estará acompañada de diez músicos, un grupo de bailarines flamenco, con coreografía de Juan Polvillo y un grupo de bailarines de tango ya que según reconoció Vela "soy una enamorada de Argentina y de todo lo que tiene que ver con esa hermosa tierra". El nuevo disco incluye a este respecto un tango titulado Mi Tango Andaluz.

Patricia Vela junto a Juan Víctor Rodríguez Yagüe, el pasado viernes

El espectáculo consta de veinte canciones, incluido el bis. Vela destacó el vestuario que lucirá, creado por el modisto alicantino Emilio Martínez y Justo Salao, este último creador de grandes batas de cola, además de Paco Molina y la diseñadora Lina.

Vela considera que, con respecto a la apreciación de la copla desde que ella empezó, ha evolucionado "gracias a los medios de comunicación, que le han dado un sitio". En ese momento recordó unas palabras que le dijo Juanita Reina: "Patricia, no te preocupes, que cuando yo era jovencita también decían que la copla estaba dormida". Unas palabras que tienen un gran valor al venir de como Vela la definió "uno de los grandes mitos de la copla". 

El disco nuevo, en palabras de Vela "es un intento de sus autores de hacer algo novedoso dentro de la raíz".

FOTO: ALEJANDRO RECHE

Sólo es un juego...

                                       CRÍTICA TEATRAL: LA AVERÍA

La vida está llena de pequeños acontecimientos que pueden tener consecuencias imprevisibles y La Avería es un ejemplo de ello. Con un punto de partida tan sencillo como, precisamente, una avería en un coche, esta obra de teatro, hará al espectador que se acerque hasta este domingo al Teatro Lope de Vega de Sevilla, vivir una experiencia única. Esta obra está basada en un cuento del escritor suizo Friedrich Dürrenmatt, exitoso dramaturgo, con ejemplos como La visita de la vieja dama o Los Físicos, y también  buen narrador, ya que fue el autor de la historia que dio lugar a la película de culto El Cebo (Ladislao Vajda,1958), de la que también fue guionista.  

Para que el lector de esta crítica se haga una idea, en La Avería la noche que pasa Alfredo Traps (un genial José Luis García-Pérez) en compañía de un grupo de ancianos se puede considerar una mezcla entre las míticas Historias para no dormir de Narciso Ibáñez Serrador y toques del humor negro con el que nos deleitaba el tándem Berlanga-Azcona.

Esta es una obra de la que no debe decirse mucho de su argumento. Unicamente, ha de apuntarse que el prestarse a un simple juego basado en someterse a un juicio, como hace Alfredo Traps, provoca momentos de terror y de risa, una mezcla de reacciones tan contrapuestas lograda gracias a una precisa dirección de actores, por parte de Blanca Portillo con unas interpretaciones en las que no hay ninguna que desentone  del resto en absoluto.

Los ancianos de esta impactante función

El grupo de ancianos (la propia Blanca Portillo, Asier Etxeandía, Daniel Grao, José Luis Torrijo y Fernando Soto, realmente irreconocibles gracias a una  escrupulosa caracterización) despierta en ciertos momentos ese temor que transmiten los ancianos que podemos encontrar en los cuentos de los Hermanos Grimm, aunque la realidad se impone y sorprende, como el final lo demuestra.

Aderezada con una atmósfera inquietante, gracias a una impecable escenografía y una acertada música con golpes de efecto, La Avería, uno de los tres montajes teatrales favoritos para los Premios Max de este año, no dejará indiferente en absoluto al espectador. Presencien el juego, señores...    

Blanca Portillo: "Dürrenmatt es un autor fundamental y en estos momentos, más todavía"

Blanca Portillo es una actriz con un enorme talento. Formada en la Real Escuela Superior de Arte Dramático (RESAD) sus interpretaciones en teatro, cine y televisión han sido siempre valoradas y reconocidas por crítica y público, con varios premios MAX y de interpretación en festivales como San Sebastián o Cannes. Con una amplia trayectoria teatral, está hasta el domingo en Sevilla con La Avería de Friedrich Dürrenmatt (escritor suizo, autor de obras como La visita de la vieja dama o Los Físicos) donde dirige, interpreta y produce.La Avería y un repaso a algunos hitos de su carrera son la base de esta entrevista, concedida a este blog.  

Un servidor, con Blanca Portillo        Alejandro Reche Selas

Pregunta: ¿Cree que Friedrich Dürrenmatt es un autor algo desconocido y a rescatar?

Blanca Portillo: Sin duda. Dürrenmatt no ha desaparecido de las carteleras del mundo desde que comenzó a escribir. Sí es posible que no sea uno de los autores  teatrales más conocidos, al menos en España ni más de uso habitual. Pero creo que es un autor fundamental y en estos momentos más todavía. No olvidemos que él comienza a publicar en los años 50, justo después de la Segunda Guerra Mundial, en un momento de crisis importante. Es un analista social muy fuerte y creo que, ahora más que nunca, su punto de vista es necesario.

P: Un aspecto destacado de esta obra es que los actores (con la excepción de José Luis García-Pérez) interpretan a ancianos ¿cómo ha sido el trabajo de caracterización para conseguir ese resultado?

B.P.: A mí nunca me ha gustado ver en el escenario gente maquillada para parecer viejos: una cana, una corrección pintada de marrón, arrugas...Eso no me lo he creído. Los personajes de esta obra son ancianos muy mayores, oscilando todos entre los ochenta y cinco y los noventa y cinco años, que a lo largo del espectáculo rejuvenecen, van ganando energía y van haciendo cosas imposibles de hacer para un anciano. Yo pensé que lo fundamental era que el espectador viera a un anciano. No  podíamos poner a ancianos de verdad, porque no podrían hacer la función que tenían que hacer, pero sí creí necesario que el espectador viese a ancianos reales. Entonces recurrí al cine, a quienes hacen la caracterización, no el maquillaje, para un plano corto, de forma que el espectador desde la primera fila no tuviera la menor duda de que es un anciano aunque se sepa que es un actor y que tiene un nombre. Lo que se ha usado es una máscara de látex que se adhiere completamente a la cara y responde a los gestos de su rostro. Se pone entera: cabeza, orejas...todo. Es un hallazgo, la verdad.

P: Usted tiene una amplísima trayectoria teatral ¿qué tiene de especial el teatro?

B.P.: Es apasionante. No tiene nada que ver con otras cosas. Consiste en entrar todos de la mano a una misa pagana durante meses. Y subirse al escenario, a ese altar sagrado a oficiar y a escuchar la respiración de la gente.

P: Hace unas semanas vino la Compañía Nacional de Teatro Clásico con El perro del hortelano. En su trayectoria, el personaje de Dorotea en la película de Pilar Miró de 1996 ¿le trae muchos recuerdos?

R: Creo que El perro del hortelano es otra de esas obras que me han perseguido. La hice en la Escuela donde sí pude hacer a la Condesa, luego la he visto varias veces. Pero si yo recuerdo El perro del hortelano es por haber tenido la oportunidad de conocer a Pilar Miró, básicamente. Además, hizo una película espléndida. Nunca en España se ha hecho un texto clásico con tanta belleza, perfección y grandeza. La lástima es que no fuera la primera de muchas películas que podrían hacerse con textos del barroco español, como hacen los franceses con Molière. Lo que ella hizo debería haberlo seguido haciendo mucha más gente. Para mí es una película impresionante, al igual que lo que hacen  Emma Suárez, que ahí la conocí, y Carmelo Gómez.

P: Usted forma parte del reparto de Volver (Pedro Almodóvar, 2006), que fue premiado en conjunto en el Festival de Cannes ¿qué fue para usted ese premio colectivo?

R: Eso es la bomba (risas), maravilloso. Me pareció lo más bonito que podían hacer. Además lo dijeron: "Premiamos a la familia de mujeres creada por Almodóvar". Porque creó una familia de verdad. Ir a ese festival, que es lo que es, una  experiencia, y subirte allí y que te den ese premio...Para mí es toda una satisfacción y un orgullo haber participado en una película como ésa.

P: En la televisión, con la serie Siete Vidas, tuvo un incremento masivo de popularidad ¿cómo recuerda esa época?

R: Para mí fue un cambio muy radical. Me alegro de que eso ya me pillara con una cierta edad y también es verdad que tengo una buena toma de tierra, algo que me pega mucho al suelo, porque es muy fuerte el cambio: pasar de observar a ser observada, pasar de escuchar a ser escuchada y a que todo lo que haces se vea.

P: Su personaje de Rosa Ballester en la serie Acusados es de culto ¿es un personaje que le ha marcado?

R: Lo adoro, yo hubiera interpretado a Rosa Ballester todo el tiempo que hubiera hecho falta. Creo que hubiera tardado mucho tiempo en aburrirme de ella. Era un personaje muy interesante de hacer. Tenía dos facetas muy claras: su vida personal y su vida profesional. Dura pero profundamente vulnerable. Valiente y con mucho miedo a la vez. Llena de ternura pero incapaz de sacarla, en fin era una mujer muy interesante de hacer.

"La Avería", con una Blanca Portillo polifacética, llega a Sevilla

El Teatro Lope de Vega acoge desde mañana hasta el domingo la obra La Avería, bajo la dirección de la aclamada actriz Blanca Portillo, quien además ejerce de intérprete y de productora a través de Avance P.T., en coproducción con Entrecajas P.T y Teatro Arriaga Antzokia. En la presentación a los medios de comunicación, además de afirmar que interpretará a Segismundo en La vida es sueño de Calderón de la Barca, Portillo desgranó varios aspectos de La Avería. 

Blanca Portillo junto al cartel de La Avería        Alejandro Reche Selas

En primer lugar, se trata de la adaptación de un cuento del escritor suizo Friedrich Dürrenmatt (1921-1990) incluido en un libro recopilatorio titulado La muerte de la pitia. La actriz declaró que "hace quince años descubrí en ese libro La Avería y me enamoró. Nunca pude leerla sin tener la sensación de que era una magnífica obra de teatro, algo que también pensaron los argentinos y los franceses, e incluso el  propio Dürrenmatt escribió un guión de radio".

La adaptación, alabada por Portillo ya que "saca una obra de dos horas de duración de un cuento de veinticinco páginas", corre a cargo de Fernando Sansegundo, quien actuaba junto a Portillo en Marat Sade, dirigidos por Miguel Narros.  Los años transcurridos hasta el montaje actual se han traducido en varias versiones y cambios en el reparto.

Precisamente el reparto es otro de los grandes reclamos de este montaje ya que Portillo (en sustitución de Emma Suárez) comparte escenario con el sevillano José Luis García- Pérez, Daniel Grao, José Luis Torrijo (los cuatro trabajaron en la serie Acusados), Asier Etxeandía (con quien Blanca Portillo ha actuado en obras de teatro como Barroco, Medea o Hamlet, dirigidas por Tomaz Pandur) y Fernando Soto. Portillo, sobre el hecho de volver a trabajar con ellos señaló que "no es lo mismo trabajar con ellos como actriz que como directora, pero en todos ellos he olido un ser humano especial y un actor comprometido. Se dejan el alma en su trabajo y le tienen miedo, que es lo mejor que un actor puede tenerle a su trabajo, además de respeto, lo que quiere decir que aman su profesión y quieren hacerlo bien, y se arriesgan" .

El reparto de La Avería al completo

La obra plasma una velada nocturna que viven unos ancianos en compañía de un representante de una firma textil, Alfredo Traps (García-Pérez). La obra, según Portillo, "es una mezcla de estilos, algo deliberado". Además reconoce que puede parecer una barbaridad "meter una tragedia, una comedia, un drama, un esperpento y a ver qué sale. Es una locura pero el teatro es un espacio de libertad".

Portillo destacó el punto de vista del autor, Dürrenmatt, calificándolo como alguien "con un sentido del humor muy afilado, diciendo que el ser humano es un desastre, pero le quiere y confía en él". Señaló además el tener "un humor negro, del estilo de Tim Burton".

La Ley y la Justicia son dos conceptos básicos sobre los que se sustenta La Avería. A este respecto, Portillo indicó "que son dos conceptos que me persiguen desde hace años. Cuando hice Acusados, mi personaje aplicaba la Justicia y no la Ley, y hacía su lectura particular de la Ley". Con respecto a La Avería declaró que "estos ancianos  se han visto sometidos a la letra de la Ley y cuando la sociedad los desahucia, rompen esa Ley y obran con legítima Justicia, lo que ellos dicen que es legítima Justicia".     

Tensión en el "parque"

                               CRÍTICA TEATRAL: GROOMING

Cuesta mucho encontrar obras de teatro contemporáneas que traten temas peliagudos de manera directa y arriesgada pero Grooming lo hace. El dramaturgo almeriense Paco Bezerra plantea el tema del ciberacoso a menores con una serie de giros narrativos y de cambios de roles que, sobre todo, sorprenden y hacen al fuerte sentirse débil y viceversa a medida que avanza la historia. 

La obra tiene un desarrollo que el espectador presencia entre la perplejidad y la incertidumbre de qué va a pasar en un escenario tan sencillo como un parque con un banco, una farola, una papelera, un contenedor y unas escaleras. También destaca la inclusión de Internet para demostrar de qué manera se ha llegado al encuentro de los personajes, punto de partida de la función.

Antonio de La Torre y Nausicaa Bonnin en la obra

La dirección de José Luis Gómez, quien ya trató como director  otro tema controvertido como es el maltrato a la mujer en Defensa de dama, no escatima en medios para que los dos actores de la función lo den todo en el escenario. Antonio de la Torre, quien interpreta a  un acosador chantajista, hace un ejercicio interpretativo descomunal donde destaca el cambio de su personaje al ser el dominador seguro del poder que ejerce en un principio y mostrando su sorpresa al final de la obra. Todo ello se incrementa por el viaje inverso que hace el personaje encarnado por Nausicaa Bonnin, de la fragilidad y la aparente inocencia, al ser la víctima inicial, con no una sino dos vueltas de tuerca, la última de ellas, mucho menos previsible y que no desvelo.

Las sorpresas y la virtud de no dejar indiferente al espectador es una de las características de la obra de Bezerra, quien ya lo demostró en La escuela de la desobediencia. Otra de las bazas de Grooming es un juego entre realidad y  ficción donde caben referencias cinéfilas y a un paradigma de la literatura protagonizada por una adolescente como es Alicia en el país de las maravillas. 

Si van a ver Grooming tengan algo en cuenta: que no todo lo que vean es lo obvio, ni siquiera el escenario, con un contenido simbólico importante, de ahí las comillas en la palabra parque del título de esta crítica. 

José Luis Gómez trae al Teatro Central la obra "Grooming", de Paco Bezerra

El Teatro de La Abadía vuelve al Teatro Central esta temporada y lo hace a lo grande, con la obra Grooming del joven y talentoso dramaturgo almeriense Paco Bezerra, Premio Nacional de Literatura Dramática 2009, y bajo la dirección de José Luis Gómez. El prestigioso actor y director cuenta con los actores Antonio de la Torre y Nausicaa Bonnin para narrar una historia con el acoso a menores a través de Internet como punto de partida.

En la presentación de la obra Manuel Llanes, Director Artístico de Espacios Escénicos de la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía destacó el hecho de contar por tercera vez en esta temporada con una obra del Teatro de La Abadía, tras Veraneantes, la obra con más nominaciones para los Premios Max de este año, y En la luna. Llanes calificó esta obra, Grooming, que podrá verse hoy y mañana, de "necesaria".

El equipo de Grooming durante la presentación     Alejandro Reche Selas

José Luis Gómez, primer actor español premiado en el Festival de Cannes, por Pascual Duarte (Ricardo Franco, 1976), destacó que le habían fascinado otras obras de Paco Bezerra, Ventaquemada y Dentro de la tierra. Grooming le ofrecía según sus propias palabras, "una cura de rejuvenecimiento, ya que es un texto de otra generación". También destacó la capacidad de Bezerra "para oler el lenguaje humano y trufarlo de intensidad, humor y profundidad". A pesar de plantear una historia donde un hombre acosa a una adolescente Gómez señaló que en la obra "la víctima consigue también ser verdugo, aunque son dos víctimas de la sociedad". Por encima de todo lo que a Gómez le conmovió fue "la inmensa soledad en que viven estas dos criaturas. Son dos personas muy dolidas, dos ángeles caídos". Gómez alabó tanto las interpretaciones de los actores como la calidad de jóvenes dramaturgos españoles como Bezerra y otros de su misma generación ya que, señaló "están reflejando lo que nos pasa".

Por su parte, Paco Bezerra, autor de la obra, destacó que Grooming la escribió pensando en plantear preguntas a la sociedad. La obra en sus propias palabras trata de "necesidades sexuales que están perseguidas por la ley". Algo que  fue muy importante en la escritura de la obra en palabras de Bezerra fue "la lectura de una noticia en la que se transcribía una conversación de Messenger", donde el tema de las falsas identidades está a la orden del día. Bezerra afirma que como dramaturgo "no doy respuestas sino que hago preguntas para hacer pensar y reflexionar".

En la presentación también intervino Juan Gómez Cornejo responsable del diseño de iluminación de la obra, quien colaboró en el diseño del Teatro Central hace veinte años. Grooming la calificó de "un regalazo". Señaló que la obra "sorprende a medida que avanza y el ambiente va a ser más opresivo para los personajes". Contó con la máxima de menos es más.

Finalizada la rueda de prensa el actor Antonio de la Torre, quien tuvo palabras de elogio hacia José Luis Gómez durante la misma, concedió una entrevista a este blog. Desde su irrupción en la pequeña pantalla con la serie Lleno, por favor (1993) este intérprete y periodista no ha dejado de trabajar, en una carrera que incluye trabajos con directores de la talla de Carlos Saura, Benito Zambrano, Pedro Almodóvar o Daniel Sánchez Arévalo. De La Torre nos habló de Grooming y de algunos trabajos de su trayectoria.

Un servidor, junto a Antonio de la Torre                       Alejandro Reche Selas

Pregunta: ¿Qué le hizo decidirse a protagonizar Grooming? 

Antonio de la Torre: Me llamó José Luis Gómez y pensé lo que significaría trabajar con alguien con una trayectoria como la suya, como actor, director, académico...Es una de las grandes eminencias de este país. Me llamó de una manera tan honrosa que la respuesta tenía que ser sí o sí.

P: El hecho de que la obra esté dirigida por José Luis Gómez, que también es actor ¿le da un matiz especial?

A.D.L.T.: Totalmente. Al ser actor entiende perfectamente cuáles son tus dificultades. A veces te cuesta entender el texto, conseguir la emoción y eso él lo entiende muy bien y te ayuda. Para mí fue un aprendizaje tremendo, ya que yo soy más de tripas, de naturalidad y él tiene una filosofía sobre cómo entender el texto y el valor que tiene para contar una historia. Unir las dos cosas ha sido increíble.

P: Como actor ¿piensa que a su personaje se le puede entender perfectamente?

A.D.L.T.: Creo que sí. Siempre que interpreto yo intento hacer personas, no personajes, intento  estar lo más cercano posible a mí  y la la gente que lo esté viendo y que resulte creíble y reconocible es muy complejo.

P: Su anterior experiencia teatral fue La taberna fantástica de Alfonso Sastre, que se escribió en 1966 pero no se estrenó hasta 1985 ¿qué cree que tiene ese texto para que tardase tanto en estrenarse?

A.D.L.T.: Supongo que a la España de la época no le interesaba lo que mostraba, ya que los personajes están en un círculo de miseria del que no salen. Al poder le interesa mostrar que vivimos en el mejor mundo posible, sin remover los cimientos. A veces se hace de una manera más sibilina, como ahora, y otras de una manera más burda, como entonces.

P: Hay una escena protagonizada por usted que tengo grabada en la memoria: el asesinato del personaje de Félix Gómez en Padre Coraje (Benito Zambrano, 2002) (basado en un suceso real) ¿cómo recuerda el rodaje de esa escena tan  intensa y dura?

A.D.L.T.: Fue con cámara al hombro. No deja de ser una ensoñación, ya que hay que recordar que las personas procesadas por ese asesinato están absueltas, por lo que nadie  sabe cómo murió realmente Juan Holgado. Fue una apuesta de Benito por mostrar la ensoñación de ese padre sobre los últimos últimos momentos de su hijo.

P: Posteriormente participa en El séptimo día (Carlos Saura, 2004)  de nuevo basado en un suceso real, el de Puerto Urraco (donde precisamente coincide con José Luis Gómez) ¿Qué destacaría de la forma de trabajar de Carlos Saura?

A.D.L.T.: Es un director que deja hacer a los actores. Le interesa la fotografía y otros aspectos del proceso y dejaba bastante libertad para interpretar, lo cual está muy bien. Tengo la sensación de que quedó satisfecho.

P: En su trayectoria destacan, entre otros nombres, el del director Daniel Sánchez Arévalo. Con el papel que hizo en Azuloscurocasinegro (2006) ganó un Goya. Luego le hace incrementar su peso para Gordos (2009) ¿esa propuesta le impactó en un primer momento, por el cambio físico que suponía?

A.D.L.T.: Pensé que era una oportunidad para hacer algo diferente. Pensé que si el cuerpo lo tenía de esa manera, me moveré de una manera diferente. Yo tengo mucha confianza en Daniel y sabía que iba a estar rodeado de gente que me iba a cuidar, como también el productor José Antonio Félez, que para mí es como un hermano mayor.

P: ¿Considera a Daniel Sánchez Arévalo uno de los directores jóvenes más prometedores del panorama actual?

A.D.L.T.: Claro, tiene cuarenta años y esa edad para un director no significa ser mayor. Tiene una trayectoria cuyo límite sólo él conoce.

P: En cuanto a lo más actual, ha rodado Grupo 7 de Alberto Rodríguez junto a Mario Casas e Inma Cuesta ¿qué puede contar de esta película?

A.D.L.T.: La historia se centra en un grupo de policías que se encarga de combatir el tráfico de drogas en la Sevilla previa a la Expo. Mario y yo encarnamos a dos de esos policías e Inma interpreta a la mujer de Mario. El personaje de Mario Casas hace un viaje desde la luz, dada su posición de policía inexperto, hacia un terreno más sombrío. Mientras que mi personaje está metido en una cruzada personal y termina viendo la luz por la experiencia que vive en la película.

Jornadas de buen flamenco con un trío de ases en el Lope de Vega

A partir de hoy el Teatro Lope de Vega de Sevilla acogerá a tres artistas con un denominador común: el flamenco, que se instalará durante unos días sobre sus tablas. Todo ello de la mano del cante de "Argentina", la guitarra de José Antonio Rodríguez y el baile de "La Moneta".

La primera en deleitar al público sevillano será "Argentina", que actuará hoy en un espectáculo titulado Un viaje por el Cante. La artista onubense que irrumpió con fuerza en 2006 presentará lo que será su próximo disco, que saldrá a finales de mayo. El origen es un espectáculo que presentó en Málaga el 4 de abril del año pasado y en donde en sus propias palabras "hago cantes que ya sabía y también hago hincapié en varios cantes que aun no había puesto en práctica en un escenario y otros que están un poco olvidados como la serrana, la petenera, la caña, el polo..." 

Argentina ofrecerá Un viaje por el Cante      Alejandro Reche

La artista incide en que plantea "un espectáculo tradicional, que he tenido que ir acortando con todo el dolor de mi corazón". En total son 15 temas, 14 de ellos tradicionales más una bulería titulada Pasajeros en el tiempo y que grabó Fernando Terremoto, incluido en su disco póstumo.

"Argentina" estará acompañada por los guitarristas José Quevedo "Bolita" y Eugenio Iglesias, además de contar con el palmeo de Bebote, "Torombo" y Los Mellis. Alejandro Cruz estará al piano y José Carrasco se encargará de la percusión. Por su parte, también adelantó que está trabajando con el Ballet Nacional en un espectáculo titulado Suite Sevilla, con música de Rafael Riqueni y que estrenará en el Teatro de La Zarzuela el 22 de marzo, donde estará hasta el 1 de abril.

El viernes 16 le llegará el turno al guitarrista José Antonio Rodríguez, quien presenta su disco Anartista. Para este nuevo trabajo este veterano intérprete, no en vano empezó a despuntar en los años 80, se ha rodeado de un grupo de cantantes que van en consonancia con su calidad: Carmen Linares, Vanessa Martín o Arcángel, quienes le acompañarán el viernes en el espectáculo, Antonio Orozco, David De María, Manolo Sanlúcar o Santiago Auserón. Rodríguez admitió que compuso los temas "pensando en ellos, aunque todo está relacionado con la guitarra flamenca". El guitarrista admitió que se cree la palabra "fusión"en este disco, incluso hay un tango cantado por una fadista.

Preguntado por la recepción del flamenco en el extranjero Rodríguez la calificó de "increíble, por la emoción que transmite esta música. Mi primera actuación fuera fue en Suecia y, aunque sean países fríos en clima, en sentimientos son muy parecidos a nosotros, de hecho el mes pasado actuamos en Moscú". 

José Antonio Rodríguez y "La Moneta"                 Alejandro Reche

Finalmente, el lunes 19 "La Moneta" presenta su espectáculo Extremo Jondo donde deleitará con su baile. Se trata de su penúltimo proyecto. Es un trabajo en palabras de la artista "que nace de una experiencia artística de la primera vez que visité Japón y el descubrimiento de su cultura y la relación tan profunda que tiene con el flamenco". Es un espectáculo donde "La Moneta" mostrará su relación con el cante. La artista se rodea de otros reconocidos profesionales: Miguel Lavis cantando, Miguel Iglesias a la guitarra y la percusión de Miguel "El Cheyenne".

Un menú muy variado para todo aficionado al flamenco en sus distintas manifestaciones.

Pascual González y Los Cantores de Híspalis nos preparan para la Semana Santa con "La Pasión según Andalucía"

Ya suena a Semana Santa. El período del año más esperado por millones de personas tiene un preludio musical gracias al espectáculo La Pasión según Andalucía de Pascual González y Los Cantores de Híspalis. Esta variante ampliada de Sevilla reza cantando nos acerca a la Semana Santa gracias a composiciones propias y ajenas que hacen las delicias de los seguidores de este cuarteto que revolucionó las sevillanas en la década de los 80. El espectáculo, que recorrerá diversas provincias andaluzas y del resto de España, tuvo el inicio en el Hotel Alcora de Sevilla, lugar donde los integrantes del grupo concedieron una entrevista a este blog.

P: Vuelven un año más con un espectáculo que les está trayendo muchas satisfacciones...

Carlos Ruiz: La Semana Santa, por mala suerte, ocurre en una misma fecha en todos los lugares del mundo. Nos hemos criado en un lugar donde no queremos perder nuestras raíces y es difícil que alguien se vaya a otro lugar para ver qué es lo que sucede en otro lugar. Sin embargo, viendo “La Pasión según Andalucía” se puede saber qué sucede en Semana Santa en otros puntos.

Juan Calceteiro: Con “Sevilla reza cantando” nos dimos cuenta de que era una fórmula que funcionaba y cambiarla era una tontería. Estuvimos siete u ocho años representando ese espectáculo tal como se creó. Lo único que cambia en “La Pasión según Andalucía” son algunos temas por otros y su contenido, aderezándolo con las imágenes, que en “Sevilla reza cantando” no las teníamos y tirar de esos recursos es bueno porque hay cosas que la gente reconoce visualmente, aunque se queden atrás en la composición o el texto. Creo que este espectáculo, por sus características, podemos representarlo durante mucho tiempo.

P: ¿Qué pueden decirme de la reacción del público en cada rincón de Andalucía donde llevan este espectáculo?

Mario Ruiz: “Sevilla reza cantando” era muy localista y cuando lo hacíamos en otros sitios la gente nos preguntaba "¿Por qué no hacéis 'Córdoba o Granada reza cantando'? La respuesta es como la de cualquiera. Cada lugar lo agradece de forma singular, ya que al hacer referencia a sus cosas a la gente le encanta. Este espectáculo es un anticipo a la Semana Santa en Andalucía y la gente responde con esa ilusión a esa nueva Semana Santa que está por llegar. Aunque todos los años salgan las mismas imágenes, cada año la Semana Santa es diferente, como el Rocío.

C.R.: Cuando cantas y transmites tus sentimientos, el público traslada lo que escucha a sus vivencias, recuerdos e imágenes. Hay muchas advocaciones iguales a las que hay en Sevilla en la mayor parte de Andalucía: Vera Cruz, Macarena, Estrella. Cuando las mencionas aunque digas La Campana, la gente la va a ver saliendo desde su parroquia. La gente transporta sus sentimientos.

J.C.: Cuando vamos a un sitio en concreto, el autor de la obra, que es Pascual, se curra un poco los datos locales y amplía el mensaje, por lo que la gente se siente más satisfecha, por esa referencia a lo suyo.

P: En el repertorio incluyen "La Saeta" de Antonio Machado, que popularizó Joan Manuel Serrat. Es un tema con una letra contradictoria. El estribillo parece ir en contra de la Semana Santa aunque el tema se centra en ella ¿Por qué creen que este tema, a pesar de ello, es uno de los más insignes de la Semana Santa precisamente?

Pascual González: “La Saeta” tiene una letra que demuestra la idiosincrasia del pueblo andaluz. Es uno de los clásicos de la Semana Santa. Cuando la Guerra Civil y las hordas quemaban las iglesias la gente decía: “Esta no la queméis porque de aquí sale mi hermandad”y pasaban de largo. Eso también explica la simbiosis que existe entre los sentimientos y las ideologías políticas y los sentimientos y las ideologías religiosas. El compadreo entre lo divino y lo humano siempre existirá en esta tierra.

C.R.: El pueblo no estudia realmente cuál es la transmisión de ese texto. Si lo estudiara no lo hubiera hecho tan popular. Es un tema versionado en marchas para agrupaciones musicales, para bandas de música. Hay muchas versiones. Es un tema que cuando la gente lo escucha, lo toma como un piropo a nuestra Semana Santa. Hay hasta una versión en un programa de Mercedes Milá cantada por Serrat y Camarón de La Isla. Es más lo que transmite musicalmente que el contenido de la letra. El estribillo lleva razón. Dios dijo que no teníamos por qué admirar a una imagen y sin embargo la religión creo que se mantiene porque adoramos a unas imágenes que representan a Dios. Es un poco contradictorio. En mi caso, cuando veo a la Esperanza de Triana y al Cristo de las Tres Caídas, yo veo a Jesús y a la Virgen María, siendo esculturas de madera.

J.C.: El pueblo es sabio, no se le puede engañar. “La Saeta” es un temazo maravilloso. Luego la gente perdona lo del contenido porque es un tema tan bello que no se fija tanto en lo que quiere transmitir. Yo creo que es un tema imperecedero. La contradicción de la letra habría que preguntárselo al autor y , lógicamente, no se puede.

P: También están de actualidad por la salida al mercado de "Queridos compañeros" ¿qué nos pueden decir de este trabajo?

C.R.: Es el segundo volumen de una trilogía que hemos firmado con la compañía Universal cuyo primer volumen era “35 años de éxitos”, nuestros éxitos cantados por gente que nunca había cantado por sevillanas, como Bisbal, Arcángel, Miguel Poveda, Fofito. Resultó muy bien. En el segundo volumen se recogen sevillanas de otros artistas que han grabado con nosotros. De esa experiencia me quedo con los temas de compañeros que ya no están con nosotros, como “El Pali” o Romero San Juan o Manuel Pareja Obregón.

P: ¿Tienen alguna sevillana favorita dentro de la recopilación?

P.G.: Muchas, te diría “Yo soy del Sur”, “Pasa la vida” “Qué poderío”...depende del momento. Creo que todos los andaluces estarían en esa tesitura.

M.R.: Hay muchas que me traen muchos recuerdos, la de “El Pali”, por ejemplo. 

J.C.: Yo tengo una admiración especial por una sevillana que reivindica cómo somos en el Sur y es “Yo soy del Sur”, grabada por Gloria Bendita y que me hubiese encantado que fuera nuestra porque dice mucho de Andalucía y de los andaluces.

C.R.: Depende del momento, porque la sevillana tiene mucha variedad, lo mismo le cantan al amor, al desamor,al Rocío. Si estás en la Feria, lo que te apetece es una buena sevillana para bailar y si tienes una chavala en frente y la sacas a bailar, es una conquista. Tengo varias, como “Viva mi Andalucía” de Los Romeros de La Puebla o “El Adiós” de Amigos de Gines... Hubo problemas para escoger una sola sevillana de cada artista.

P: Con la experiencia del primer volumen se demostró que las sevillanas no pierden vigencia, ya que sus temas fueron grabados por artistas de otros estilos musicales.

J.C: Cuando se grabó el primer volumen la idea fue impulsar la sevillana que no pasaba por un buen momento. La idea era que gente con mucho peso en el panorama musical de este país diese un empujoncito cantando temas de “Los Cantores de Híspalis” y que la gente se sintiese un poco más cercana a la sevillana. Los fans de cualquiera de ellos se interesan por la sevillana que ellos cantan. Las sevillanas se mantendrán en el folklore popular, pero hubo una época en que hubo un boom. Entonces, no tiene que ser como antes, que había muchas ni como ahora, que hay pocas, debería ser algo intermedio. 

 

M.R.: Cada uno lo hizo a su estilo, y nos gustó cómo lo hicieron. Creo que todo el mundo puede cantar una sevillana, la canta el pueblo. Además la música tiene carácter universal.

C.R.: Las sevillanas siempre estarán ahí. En cualquier reunión o fiesta suele salir alguien con una guitarra y la gente se pone a cantar y a bailar. Eso no puede decaer nunca porque es la tradición de nuestra tierra. Lo que ocurre es que hubo un momento en que aquí grababan muchos grupos de sevillanas y es normal que la gente se harte en un momento. Los discos no pueden hacerse así como así sino para decir que puede competir con otros estilos musicales. La sevillana, para que pueda competir, hay que hacer otros arreglos y eso es lo que hacemos, llevar la sevillana a otro lado más vanguardista.

P: Uno de los cantantes con el que grabaron ese primer volumen fue David Bisbal, que salió de un programa, "Operación Triunfo" ¿Qué opinión tienen de este tipo de programas que buscan nuevos artistas y que ahora proliferan tanto?

C.R.: Yo veo muy positivo que haya programas que quieran sacar a gente nueva que sigan nuestra cultura musical. Lo que no se puede hacer es masificar. David Bisbal venía de una Orquesta, es un currante de la música pero aparte de él y de Manuel Carrasco o David Bustamante no han salido muchos. Había mucha saturación, no se podía asimilar tantos talentos cada año.

J.C.: A mí me parece que como idea es buena pero el resultado no lo ha sido tanto. Creo que los jóvenes que pasan por esos programas o academias no tienen el recorrido lógico que debe tener un artista para conseguir ser algo en la música. Es como si se le da a alguien un curso acelerado de química para que sea un gran químico. Es imposible. Se es un buen artista porque lo es. Bisbal ya lo era antes de salir de "Operación Triunfo". Al principio se creía que era la panacea. El problema es cuando empiezan a estirar la fórmula. No hay espacio para tantos artistas.
 

P.G.: A los hechos me remito, de no sé cuantas ediciones de “Operación Triunfo” han salido Bisbal, Manuel Carrasco, Bustamante y Chenoa. 

Pregunta (a Pascual González): Echando un poco la vista atrás, usted revolucionó el panorama musical con la composición de "La danza del amor", que dura más de veinte minutos ¿Cómo se le ocurrió esa idea? 

P.G.: Quise hacer una suite a la vieja usanza, como la había hecho Mozart, salvando las distancias y con toda la humildad del mundo. El compositor austriaco unía composiciones populares y yo lo que hice fue unir veinticuatro coplas inéditas en suite. Por eso grabó con nosotros la Royal Philharmonic Orchestra de Londres, ya que sólo graba música clásica.

Pregunta (a Pascual González): Aparte de temas propios destacan, en la trayectoria de la formación, "El Mundo" y "El Rey de los Cielos", dos geniales adaptaciones de dos temas ajenos ¿qué nos puede decir de ambos casos?

P.G.: “El Mundo” sólo tiene la parte del estribillo, doce o trece compases de la canción original italiana de Jimmy Fontana y además tuvimos la oportunidad de cantar nuestra versión con la original, haciendo un dueto con el propio Fontana. "El Rey de los Cielos" es una versión de un tema de Silvio Rodríguez, “El Rey de las flores”, que precisamente es Dios. Ya está enmarcado en el ámbito cofrade. Tiene ya tres versiones, ya que en este espectáculo se titula “Salve al Redentor”.

Pregunta (a Pascual González) ¿Cómo definiría su trabajo como compositor? ¿Cómo lo hace?

P.G.: Yo voy caminando por la vida y voy asimilando cosas que veo, que escucho, momentos, y eso ya me da pie a pensar en temas, aunque no haya escrito aun una sola palabra. Cuando compongo suelo hacer la letra y la música a la vez.