miércoles, 30 de noviembre de 2016

Mario Copete: "'Momó y la habitación mágica' trata del poder de la imaginación a una edad temprana"

Los espectáculos de marionetas tienen algo maravilloso que atrapa al público y existen muchas compañías que apuestan fuerte por ellos. Aseismanos es una de ellas. Creada en 2012 estrenó Historias fabulosas y ahora vuelve a la Sala Cero de Sevilla los días 3, 4, 10 y 11 de diciembre con un espectáculo que les ha traído muchas satisfacciones desde que lo estrenaron hace dos años: Momó y la habitación mágica. Mario Copete, miembro de Aseismanos y director y autor del texto, habló con El Rinconcillo de Reche del citado espectáculo, que cuenta con el apoyo de GNP, y del mundo de las marionetas, por el que siente una gran fascinación. Pasen y lean.
Los miembros de la companía Aseismanos
Pregunta: ¿Cómo surge Momó y la habitación mágica?

Mario Copete: Cuando surgió teníamos otras ideas encima de la mesa y decidimos hacer una historia familiar, ponernos en la piel de un niño y experimentar con eso porque al final son los espectadores a los que nos dirigimos mayoritariamente. La obra se centra en cómo un niño afronta determinadas situaciones y el poder que tiene la imaginación en una edad temprana. Actualmente con el ritmo de vida que llevamos y nos centramos en lo inmediato y nos olvidamos de pensar e imaginar. Yo soy de una generación, la de los ochenta,en donde disfrutamos de una serie de películas familiares, como Cristal Oscuro, que me fascina y es una película muda. Era una época en la que el cine y el teatro se vivían en familia. En este espectáculo queríamos centrarnos en un niño y en lo fantástico dentro de lo cotidiano. Todos los integrantes de Aseismanos venimos de la parte técnica. Yo, concretamente, llevaba quince años siendo técnico de iluminación, y hemos participado en muchas producciones dentro de las artes escénicas. Partimos siempre de una forma muy estética de concebir los espectáculos, con muchos dibujos y propuestas de escenografía, y creamos Momó y la habitación mágica como un storyboard, siendo una historia sencilla y descontextualizando determinadas cosas que existen. Nos centramos en la sencillez y en los elementos cotidianos que se convierten en fantásticos.

P.: Precisamente la fantasía es un elemento que en los espectáculos familiares como el suyo tiene mucho protagonismo porque, además, los niños no deben de perder la capacidad de fantasear y usar la imaginación... 

M.C.: Claro, es algo que hay que facilitar. Me sorprendo cuando veo, por ejemplo, a mi sobrino, jugando durante horas con cualquier cosa. Hay que fomentar ese uso de la imaginación. Hace algunos años nos dimos cuenta de la satisfacción que proporciona el crear personajes que no existen en realidad y que estos vuelen. La marioneta permite hacer muchas cosas: puede volar, nadar, hacer lo que quiera. Es fantástico.

P.: Centrándonos en la marioneta, es fascinante ver cómo unas creaciones hechas originariamente de madera cobran vida gracias a unas personas. Ese hecho tiene una magia especial porque el público perfectamente en esa convención...

M.C.: Es que la marioneta es genial como herramienta y también es muy completa porque hay una gran variedad de marionetas en las diferentes culturas, como las sombras indonesias o el teatro de hilos de Bélgica. Son elementos que se usan desde hace muchos siglos, incluso en los autos sacramentales.

P.: Precisamente conocí a la compañía Teatro Corsario y me llamó la atención el que hiciesen espectáculos de marionetas de temática adulta, concretamente historias de terror y eróticas...

M.C.: Sí, los conocí, recuerdo que hicieron Los asesinatos de la calle Morgue. Ellos empezaron a demostrar que con las marionetas se podían contar historias para adultos. Es un tema delicado, al entenderse que las marionetas se asocian a teatro para niños. Son de los pocos que lo hacen. Nosotros también queremos lanzar una propuesta para adultos.

P.: ¿Cuáles son las máximas de la compañía o elementos a destacar en los espectáculos?

M.C.: Nosotros hacemos marionetas de gran formato y espectáculos de formato mediano-grande, con escenografías de 6x4 de alto, incluso metemos video proyecciones, intentando generar muchos planos dentro de un mismo espacio. Pensamos que el espectáculo no tiene que ser pequeño, de ahí el formato que le he referido. Nuestra máxima está siempre en la manipulación de la marioneta. La veracidad del títere tiene que ver en cómo se mueve. Ensayamos muchísimo. Mi maestro, Ángel Calvente, me decía que a la excelencia sólo se llega a través de la repetición. Nosotros, para mover las marionetas,  nos basamos en una técnica japonesa llamada bunraku, basada en la manipulación con tres personas: una mueve la cabeza y la mano izquierda, otra maneja parte del cuerpo y la mano derecha y una tercera maneja los pies. Esa técnica la hemos adaptado. Otra de nuestras máximas es que el espectáculo no depende del espacio donde se represente y también trabajamos para que la gente quiera volver a verlo. Quiero que la gente pase un rato divertido y el espectador se vaya habiendo vivido una experiencia positiva y que el espectador vea de una manera distinta a la marioneta.

Una escena de Momó y la habitación mágica
P.: ¿Qué recuerda de los inicios de Aseismanos?

M.C.: Aseismanos la formamos, en el año 2012, Sergio Fernández, distribuidor de la compañía y uno de los manipuladores, Valentín Donaire, que se dedica a la construcción de la escenografía, Mario Díaz González, que se encarga a la composición musical y al sonido y yo. Ese año yo trabajaba de responsable técnico en una sala de Sevilla, otro compañero estudiaba escenografía y otro distribuía obras de pequeño formato, pero todos teníamos una formación en iluminación porque todos habíamos estudiado iluminación en Escénica, aunque no coincidimos en la escuela. Lo que quiero resaltar es que la formación es esencial para los futuros creadores, que tengan una base y herramientas para trabajar.        

P.: ¿Qué considera que tiene Momó y la habitación mágica para que cautive al público desde que lo estrenaseis en 2014?

M.C.: Tiene mucho humor y disfrutan niños y adultos por igual. Una persona que vino a verlo nos dijo que, como concepto de espectáculo familiar era el mejor que había visto en mucho tiempo. Eso da mucho ánimos. Además nos sentimos muy agradecidos por el apoyo de la Sala Cero. 

martes, 29 de noviembre de 2016

Borja de Diego: "En microteatro la complicidad con el público es absoluta"

Borja de Diego es una persona inquieta creativamente hablando. Eso se traduce en tener una carrera como dramaturgo muy prolífica que mira tanto al pasado como al presente más inmediato. Si ya dejó un muy buen sabor de boca con Pelay Correa, sus piezas para Microteatro siguen la senda del éxito. Autor de La mujer del muerto, El último polvo y La lista de Génova, ahora, durante el mes de diciembre en Microteatro Sevilla, estrena Hermano Mayor. El casting en el que José Chía dirige a Paqui Montoya y a Cisco García

El Rinconcillo de Reche habló con Borja de Diego para saber más cosas de esta pieza y otros aspectos de su universo creativo. Pasen y lean. 

Pregunta: ¿Qué le llamó la atención de Hermano Mayor para escribir una pieza de microteatro?

Borja de Diego: Yo soy una persona con mucha facilidad para empatizar, y, aveces, había visto el programa de manera casual y me impresionaba mucho ver durante la primera parte del programa a esos muchachos hacer y decir horrores a sus familias mientras las cámaras les graban. La primera vez que lo vi me sentí mal. Cuando aparece la figura del Hermano Mayor como mentor pues ya me tranquilicé. Pero esa primera parte me impactó muchísimo y pensé que podía ser muy cómica por las barbaridades que se ven. Todo partió al preguntarme "¿Qué pasaría si en uno de estos programas, en pleno clímax, no aparece el Hermano Mayor?". Esa hipótesis fue la base. Y he de decir que tratamos al programa con mucho respeto sin ninguna intención de denunciarlo, porque seguro que el programa ha hecho mucho bien en muchas casas.

P.: Vuelve a colaborar con José Chía, quien ya ha trabajado antes en otras obras escritas por usted como Pelay Correa y Leyendas de Agua Dulce (como actor) y en La lista de Génova y La mujer del muerto (como director)...

B.d.D.: Así es. Yo lo considero mi padre teatral, y escribo  teatro un poco gracias a él. Hay una amistad entre él y yo. Es un profesional completísimo porque es un magnífico actor y como director le da un sentido a todo lo que hace. Es muy fácil trabajar con él. Tiene un gran talento para la comedia, con mucha capacidad para hacer reír. De la misma manera que dirige un espectáculo, luego está clavando clavos en el suelo para  levantar la escenografía y es una persona muy humilde y talentosa. Ojalá todo lo que hiciese en mi vida fuese con él. Cuida el espectáculo y yo me siento muy arropado con él. Lo considero un líder en el buen sentido de la palabra, porque él, desde abajo, sostiene todo, como Atlas lo hacía con el Mundo, y eso hace que confíes en él y está ahí para apoyarte.

P.: Aquí trabaja con Paqui Montoya, una actriz polivalente y una comicidad muy especial...

B.d.D.: Paqui Montoya tiene un don. Buscábamos una actriz que diera un perfil de madre pasados los cuarenta años que tuviese vis cómica pero que, además le otorgase al personaje una cierta ternura porque, antes de entrar en la tormenta que propone el niño, necesitas empatizar con ella desde el primer momento. Ella tiene esa ternura interior. Creo que pertenece a una generación de actores de Sevilla muy buena y yo quería trabajar con ella. Ha hecho que nos enamoremos del personaje desde el primer día. Los ensayos han transcurrido muy bien porque ella ha propuesto cosas y nos hemos divertido mucho. Se complementa muy bien con Cisco García, con quien ya trabajé en La mujer del muerto y El último polvo, que dirigió Néstor Barea. Tiene un gran talento para la comedia y da muy buenos resultados, se está convirtiendo un poco en mi actor fetiche. Además le está yendo muy bien el microteatro.

P.: ¿Qué destacaría, como autor, de la labor de escribir una obra para microteatro?

B.d.D.: Pues que te permite enfatizar puntos concretos, los personajes no tienen que evolucionar mucho mi plantar tramas paralelas sino una solamente, y eso lo hace más fácil. Tienen que ser cosas muy directas y eso permite que se pueda experimentar mucho y plantear ideas bastante locas. Más allá de la extensión, destaca la localización. Estas piezas se hacen en espacios cerrados, en el caso de Sevilla en una salita y eso ya marca mucho el tipo de acción que se va a desarrollar. También condiciona el trabajo de los actores ya que no permite guardar cartas bajo la manga porque el espectador puede "ver" casi lo que piensas. Eso es lo más potente del formato. Nosotros ofrecemos un mínimo de calidad y de honestidad en nuestros espectáculos. Otro factor destacable es la cercanía con el público porque el espectador, si susurra, el actor se entera perfectamente, y las emociones están a flor de piel. La complicidad con el público es absoluta y termina siendo parte de la función. Se nota un bostezo, las risas, todo. Los actores son totalmente observados.

P.: ¿Qué puede decir de proyectos futuros?

B.d.D.: Lo más avanzado es alargar una pieza que hicimos en junio en plena campaña electoral, La lista de Génova, en la que cambiábamos cosas dependiendo de la actualidad del momento. Mientras tanto estoy escribiendo otra pieza sobre la otra cara de la moneda, que iría sobre Ferraz. El juego consistiría en situar la acción en el comité federal tan intenso que hubo y en el que dimitió Pedro Sánchez. Me gustaría juntar esta pieza con la de Génova y moverla como espectáculo completo. Sería, haciendo un paralelismo con el cine, juntar dos mediometrajes. 
  

lunes, 28 de noviembre de 2016

Festival de Artes Escénicas de Sevilla (feSt 2016-2017): Teatro para todos

Desafiando algunas de las supersticiones del teatro. Así se ha presentado, gracias a la actuación de Gina Escánez y Marie Delgado, la nueva edición del feSt (14 de diciembre de 2016-24 de enero de 2017) que ha contado con la presencia de autoridades (Isabel Ojeda, Directora General de Cultura y Francisco Fernández, Director del Instituto Andaluz de las Artes y las Letras), directores de teatros de Sevilla: Juan Víctor Rodríguez Yagüe, del Teatro Lope de Vega, donde se inaugurará el feSt con la representación de Amour de Marie de Jongh, Manuel Llanes (Teatro Central), Pedro Álvarez-Ossorio (Teatro la Fundición), Ricardo Iniesta (Centro TNT), José María Roca (Teatro Duque-La Imperdible y Presidente de Escenarios de Sevilla) y Ángel López y Elías Sevillano (Sala Cero Teatro). La clausura se celebrará en el Teatro Alameda.
Gina Escánez y Marie Delgado interactuando con el público

De igual modo han estado presentes en el acto celebrado esta mañana en el Teatro Duque La Imperdible actores como Alicia Moruno, Néstor Barea, Nacho Bravo y Gina Escánez, de la Compañía Teatrasmagoria, que representará en navidades El extraño caso del Dr. Jekyll y Mr. Hyde de Robert Louis Stevenson en La Fundición, Ana Fernández, protagonista de El lunar de Lady Chatterley, un texto de Roberto Santiago sobre el personaje femenino de la novela de D.H.Lawrence publicada en 1928 que dirige José Troncoso (12-15 de enero en La Fundición), así como el director Ramón Bocanegra responsable del montaje de La Tarasca Teatro My uncle Faust, con Cristina Almazán y Juanjo Macías (20 de enero en el Centro TNT). También estuvieron presentes la escenógrafa Mar Aguilar y los actores Manuel Monteagudo y Asunción Sanz. 
El montaje que podrá verse en navidades en La Fundición
Otras producciones destacadas de esta edición son Lola en soledad (20-22 de enero en Sala Cero) con Gregor Acuña Pohl y Rosario Lara dirigidos por Carlos Álvarez-Ossorio, Rinconete y Cortadillo (29 y 30 de enero en Teatro La Fundición) con Rulo Pardo y Santiago Molero interpretando a los pícaros creados por Miguel de Cervantes, sobre un texto de Alberto Conejero (La piedra oscura) dirigido por Salva Bolta o André y Doriné (22 de diciembre en el Centro TNT). 

La programación infantil tendrá un peso muy importante este año con producciones, aparte de la citada de Teatrasmagoria, como El flautista de Hamelin (17 y 18 de diciembre en la Sala Cero), Grillos y luciérnagas (20-21 de diciembre en Centro TNT), Pequeña Max (espectáculo para bebés el 21 y el 22 de diciembre en La Imperdible) o El circo de Valentina de La Maraña Teatro (27-30 de diciembre en el Centro TNT) o Hansel y Gretel. Un cuento musical (28-30 de diciembre en la Sala Cero).
El circo de Valentina uno de los espectáculos infantiles de esta edición
La edición de este año del feSt está concertada por el ICAS y cuenta con el patrocinio del INAEM y la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía, así como la colaboración de la Fundación SGAE y la Diputación de Sevilla, así como el apoyo de la Cadena SER, Metro de Sevilla, Sevilla con los peques o el Centro de Documentación de las Artes Escénicas de Sevilla (CDAEA).

Otra de las características de esta edición es la iniciativa de sacar el teatro a la calle con espectáculos en el Casino de la Exposición o las estaciones y andenes del Metro. Toda la información detallada la encontrarán en el enlace http://www.sevillafest.com/.

FOTOS CEDIDAS POR SEVILLAFEST

domingo, 27 de noviembre de 2016

Henar Frías y Rubén Tobías se adentran en el alma de "Molly Bloom"

James Joyce creó con Ulises una de las novelas más influyentes del siglo XX y, en cuestión de personajes, uno de ellos, Molly Bloom cobró una nueva dimensión gracias al teatro. Henar Frías y Rubén Tobías, apasionados de las tablas, vuelven a representar Molly Bloom que estrenaron en el Teatro Echegaray de Málaga en noviembre del año pasado. Ahora vuelven a ponerlo en pie en el Teatro Zorrilla de Valladolid los días 2 y 3 de diciembre


El Rinconcillo de Reche ha hablado con ambos y la conversación ha sido una delicia por la pasión por su trabajo, que transmiten sus palabras. Gracias a ellos, ya que la obra se representará también en Madrid, Montevideo y Chicago, las nuevas generaciones conocerán a una mujer fascinante sobre la que José Sanchis Sinisterra ya escribió  La noche de Molly Bloom, que estrenó a finales de los años setenta con Magüi Mira

Frías y Tobías, que comparten, además, la vida juntos, nos detallan aspectos muy interesantes de esta obra con una dramaturgia propia para poner en escena un monólogo interior intenso y reivindicativo. Pasen y lean.

Pregunta: ¿Qué les hace decidirse a poner en escena Molly Bloom?

Henar Frías: Pues decidimos montar Molly Bloom porque un director malagueño se puso en contacto conmigo y me dijo que, físicamente, daba el perfil del personaje de Molly y creía que sería fantástico que hiciese esta obra. Finalmente lo dirigió Rubén Tobías y qué mejor que trabajar con mi marido, porque así podíamos ensayar en cualquier momento, compartir ideas, y permite que pueda aportar ideas. Me hacía sentir con mucha libertad. Elegimos a Molly por su fuerza, sensualidad, por su amor. Pienso que la gente que tiene un concepto equivocado de este personaje. No es una femme fatale, ni promiscua, ni infiel por naturaleza. Ella busca amor, que es lo que mueve el mundo. Como su marido no la atendía adecuadamente, ella se encontraba falta de abrazos, cariño y atenciones. Eso le lleva, con mucho dolor, a buscar el amor en un solo amante. Nuestro texto, muy fiel al de James Joyce, destaca su búsqueda del amor.

Rubén Tobías: Incluso cuando puede aparecer otro amante se plantea qué hacer con el que ya tiene. En ese sentido es una mujer fiel, siempre está con un solo hombre.

H.F.: Su marido sí que se va con otras mujeres, prostitutas para que le colmen y ella lo que quiere es amor.

P.: Ese aspecto hace que en el montaje también se plantee cómo era la sociedad...

H.F.: Ella busca también no depender de ningún hombre, sentirse libre, para cambiar el que los hombres puedan ir a buscar lo que quieran y las mujeres que quedarse en casa cuidando de ésta y de los hijos. Ella, además, ha sido cantante de opereta, y quiere seguir ganando dinero, salir y entrar, algo que tampoco está bien visto en aquella época. Es una mujer muy adelantada a su tiempo en todos los aspectos y muy reivindicativa. Durante la obra hace manifiestos feministas a favor de la mujer libre.

P.: ¿En qué se han basado para crear el texto de Molly Bloom?

H.F.: Nos hemos basado en varios libros: el de Valverde, el de Joyce y varias traducciones, intentando ser lo más fiel posible. Es una adaptación que hemos hecho nosotros y hemos tenido que suavizar algunos pasajes porque Joyce era bastante obsceno para su época.

R.T.:  Pensamos que no es necesario ser tan explícitos.

H.F.: Muchas veces es mejor insinuar, porque es un texto muy sensual y descarnado, pero hay momentos en que se sobreentiende de sobra lo que  va a pasar, lo que se ha hecho y lo que se hizo, sin necesidad de mostrarlo. Al contar Molly su historia lo hace sin ningún tipo de reparo, al ser una mujer muy liberal. Cuenta sus amores desde su infancia y sus experiencias las narra sin ningún tipo de tabú. Todo podría ser más explícito pero no queremos herir la sensibilidad de nadie ni tampoco es necesario.

P.: Con respecto a la puesta en escena ¿qué elementos se han querido enfatizar?

R.T.: Lo que se muestra es un dormitorio durante la madrugada, nada más. Molly se despierta y su marido, Leopolod, llega borracho no se sabe de dónde. Ella no puede conciliar el sueño y empieza a caminar y empieza a decir lo que piensa, el monólogo interior. Es un dormitorio muy cálido.

H.F.: Quería señalar además que todo el mobiliario que se ve sobre el escenario es antiquísimo, intentando ser lo más fieles posible a la decoración que existía al principio del siglo XX, incluso el vestuario. Hemos  buscado camisones de 1914 y mis pololos son de esa época y lo hemos encontrado en una tienda de Madrid. En la obra hacemos hincapié en que la mente vuela libre. Creo que es lo más difícil que he hecho en mi vida.

P.: James Joyce es uno de los maestros en el llamado stream of consciusness o corriente de la conciencia y Ulises una de las obras más complejas de la Historia de la Literatura. ¿Querían montar esta obra para acercar al público una obra tan densa?

R.T.: Sí. Lo que ocurre es que el capítulo de Molly Bloom, el último de Ulises, está mal vendido, como algo pornográfico y la gente debería ser consciente de que no deja de ser un monólogo durante una madrugada.

H.F.: Aparte, yo añadiría que no tiene que ver nada con Ulises. Que forme parte del epílogo de la obra y que forme parte de la fluidez de pensamiento característica de Joyce no quiere decir que sea igual su lectura que el resto de la novela. Cuando se llega a esta parte te sorprendes porque es muy dinámica y se lee muy rápido. La obra dura una hora y cuarto y se no se hace lenta, es todo lo contrario. Además le hemos dado una fluidez que hace que sea muy amena. Tengo tan  interiorizada a Molly que ya siento que forma parte de mí.

R.T.: Hay un ritmo textual que hay que seguir y el monólogo contiene una serie de circunstancias que no se pueden acelerar. Pienso que muchas mujeres se sentirán identificadas con él y Henar está haciendo un trabajo impresionante, descubriendo cosas nuevas cada día. 


P.: Supongo que los movimientos están muy medidos...

R.T.: Sí, todo está muy cuidado, siempre con la libertad de poder cambiar algo.

H.F.: Lo que ocurre es que, aunque sigas siempre una misma línea, hay días que te emociones más o estés más sensible. Dentro de que el movimiento corporal sea el mismo yo noto que, de un día a otro, hay mucha diferencia. Cada función es distinta. Incluso el público influye, por su receptividad de un pasaje u otro.

P.: ¿Qué le dirían a los lectores de mi blog para que vayan a ver Molly Bloom?

R.T.: Que es buen teatro y muy bien interpretado por Henar

H.F.: Coincido en que es buen teatro y en la interpretación hago todo lo que puedo y le doy las gracias a Rubén porque sí es verdad que separamos mucho lo personal de lo profesional. Si no, no podríamos trabajar. Es un muy buen texto y las mujeres se van a identificar mucho con esta mujer, porque, a pesar de transcurrir la acción a comienzos del siglo XX es una mujer de hoy. La consideran una Penélope actual porque Molly es la Penélope de hoy. 

sábado, 26 de noviembre de 2016

"Ragazzo": Una vida truncada

El monólogo teatral me ha proporcionado inolvidables experiencias como espectador: Cinco horas con Mario, con Lola Herrera, La violación de Lucrecia, con Nuria Espert, Novecento, con Miguel Rellán o El testamento de María con Blanca Portillo. Todos estos ejemplos son monólogos dramáticos de una calidad incuestionable y, por la forma en que todos ellos están concebidos, es por lo que Ragazzo me sorprendió cuando lo vi en el Teatro Central de Sevilla, donde permanece en cartel hasta hoy.

El monólogo escrito por Lali Álvarez sobre los últimos días de vida de Carlo Giuliani, un joven muerto de un disparo durante la Cumbre del G8 que se celebró en Génova en el año 2001, tiene un ritmo y una estructura que se salen de lo habitual. Pero esto supone un novedoso modo de afrontarlo desde el punto de vista de la escritura. Nada más entrar en la sala vemos al genial Oriol Pla, en la piel de Giuliani tres días antes de su muerte, acostado boca abajo. Hasta que se despierta podemos apreciar los elementos escenográficos que se usan para mostrar el lugar donde Carlo vive. Una vez que se despierta, las acciones cotidianas se imponen para mostrar su modo de vivir mientras va diciendo el texto de una línea intermedia entre la tranquilidad y la excitación. Su manera de ver el mundo (una curiosa reflexión de las estatuas, por ejemplo) sirve para conocerle interiormente mientras, entre otras cosas, se prepara una ensalada.

La narración de los dos primeros días tienen la capacidad de crear en el público una extraña sensación interior, porque sabemos que ese joven que nos cuenta sus inquietudes, morirá poco después. Oriol Pla se muestra seguro, tanto vocal como físicamente, algo que se multiplica por mil en el tercer tramo de la historia donde, directamente se desata para recrear lo que es estar en una manifestación descontrolada y que terminará con un disparo mortal. Pla en este tramo final hace un trabajo físico sorprendente, dándole otros usos a elementos como una cama y un colchón. No se ve a la policía, ni a la multitud que le rodea, pero no es necesario gracias a la verdad que su interpretacióm transmite. 
Oriol Pla, inmenso en Ragazzo. Oriol Segon Torra
Me extendería más pero considero que Ragazzo hay que verlo en vez de que te lo cuenten y creo que ya he contado bastante. Lo que sí quiero señalar es que la muerte del personaje no es el final del espectáculo. Con lo que finaliza creo que es inevitable no sentir un nudo en la garganta y darse uno cuenta de la fugacidad de la vida, un tema sobre el que se reflexiona en la obra. Lo cierto es que Ragazzo es una crónica con sentimiento de una tragedia, ya que un joven con ilusiones y ganas de cambiar las cosas y, sobre todo, de vivir, una bala hizo que su vida se parase en seco. Un espectáculo para meditar y tomar conciencia del mundo en el que vivimos, heredero del que Giuliani y sus compañeros intentaron cambiar.    

jueves, 24 de noviembre de 2016

"Ragazzo" llega este fin de semana al Teatro Central de Sevilla

El 20 de julio del año 2001, durante la Cumbre del G8 en Génova, un joven manifestante, Carlo Giuliani murió de un disparo de la policía italiana y se convirtió en un símbolo. Lali Álvarez se centró en esta historia para escribir Ragazzo, que, interpretado por Oriol Pla, fue un éxito desde su estreno en Barcelona en diciembre del año pasado. Ahora, el 25 y el 26 de noviembre, llega al Teatro Central de Sevilla, con las entradas agotadas, para representarse en la Sala B a las 20:00 horas.

Lali Álvarez y Oriol Pla estuvieron en Sevilla para presentar Ragazzo a los medios de comunicación hispalenses acompañados por el director del Teatro Central, Manuel Llanes, quien ha incluido este espectáculo, como 40 años de paz en un ciclo denominado La escena de la crisis.

Álvarez aseguró que Ragazzo "sale de una necesidad. Oriol y yo ya nos conocíamos y, hablando con él y otros actores jóvenes una noche de momentos políticos que nos habían marcado, les hablé de los hechos que ocurrieron en Génova en el año 2001 y, concretamente, de la muerte de Carlo Giuliani. Al ver que no conocían estos hechos, que a mí me marcaron, decidimos que era un tema que nos tocaba y nos importaba, y comenzó el proceso de escritura con dos años investigando, hablando con la familia de Carlo, leyendo y ensayando. Es muy agradecido escribir sabiendo ya quién va a interpretar el texto y nosotros hemos discutido cada palabra del texto en el proceso de creación. La obra también habla de la juventud, de lo que es ser joven".
Lali Álvarez y Oriol Pla en el Teatro Central de Sevilla. Alejandro Reche Selas
Oriol Pla afirmó que "es un espectáculo con una disposición teatral que me apetecía mucho. Con respecto al público, ha venido a ver Ragazzo gente que estuvo en Génova o en la manifestación por la muerte de Carlo al día siguiente. La gente que estuvo allí revivió ese momento y nos da un punto de referencia y mucho orgullo al comprobar que está muy bien contado gracias a labor de documentación que Lali hizo. Hubo muchas versiones del texto, siendo la primera un diálogo con la persona que mató a Carlo, con una especie de limbo. Lo primero que pensé al leerlo fue que era algo muy puro, muy energético, valiente y clown, porque el personaje tenía cosas muy tiernas e ingenuas. El arco representa tres días de ficción. Es muy sugerente. Tiene un ritmo por lo que yo puedo hacer muchas cosas. Sentía emoción y miedo". 

"Marat-Sade": Gran fuerza interpretativa y visual

Reconozco que ver por primera vez Marat-Sade ha sido todo un impacto. La famosa obra de Peter Weiss se ha montado varias veces en España pero la versión que anoche representó Atalaya en el Teatro Lope de Vega (donde permanecerá en cartel hasta este domingo) es, repito, el primer montaje que he visto, y la experiencia no ha podido ser más gratificante. Ricardo Iniesta ha hecho una versión del texto, que, sin dejar de transmitir mensajes importantes y contundentes, se entiende de principio a fin y la puesta en escena es impecable.

Esta obra es un referente en muchos aspectos pero, por destacar uno que considero importante, es una de las que mejor han utilizado el recurso del teatro dentro del teatro y el grupo de actores de Atalaya hace un trabajo muy completo, coherente y cohesionado para que los espectadores nunca dejen de ver que son unos locos los que están recreando un episodio de la Revolución Francesa, el período que culmina con el asesinato de Jean-Paul Marat

Iniesta ha acertado en el tono y en la estética del montaje plenamente, porque si se piensa en el Marques de Sade y en un manicomio a comienzos del siglo XIX, se vienen imágenes automáticamente de condiciones pésimas de mantenimiento, suciedad y métodos nada complacientes para tratar a los pacientes. Todo eso está reflejado a la perfección gracias al espacio escénico del propio Iniesta, con esas telas multiusos y con varios significados, a la portentosa iluminación de Alejandro Conesa, que ayuda a crear ambientes de todo tipo, algunos con un tono terrorífico que se quedan grabados en la retina, porque los distintos tonos de luz están encajados en el momento que corresponde, y al vestuario de Carmen de Giles muy acertado para vestir a un grupo de locos. Además, las vestimentas tienen matices de colores que complementan la creación exterior del personaje, por lo que es otro ejemplo de su buen ojo con las telas y los colores.
Un gran momento colectivo de la obra. Curro Cassillas
La acción de la obra se sitúa quince años después de los acontecimientos que se recrean en la obra de teatro que se representa en el manicomio. Eso hace que todo lo representado en escena tenga un carácter especial porque, por ejemplo, algunos personajes que salen en escena ya están muertos pero el Marqués de Sade no sólo dirige, sino que interviene en la obra siendo el contrapunto ideológico al personaje de Marat (un Jerónimo Arenal que parece transmutado en el personaje que interpreta), ya que vivió los acontecimientos narrados directa o indirectamente. Aquí ya empezamos con las interpretaciones y Manuel Asensio se erige como un Sade perfecto. Gracias al trabajo que hace vemos al personaje que se regodeaba en la muerte y en el sufrimiento con, además, un lenguaje escatológico con el que también se le relaciona y Asensio da todos esos matices en su gran interpretación.

Por otro lado, el resto de actores que realizan la doble pirueta de interpretar a un loco que da vida a un personaje lo hace con un dominio de la voz y del movimiento corporal y, sobre todo, nunca hace olvidar al público que están locos en ningún momento. Carmen Gallardo está maravillosa como presentadora (y apuntadora de la obra) con una maestría que la hace más grande de lo que ya es como actriz. Los matices de su personaje, como sus aplausos cuando presencia "una ejecución" o el equívoco al decir el día de la visita de Carlota Corday cuando ésta asesinó a Marat, donde hace algo al salir de escena que hay que verlo, agigantan su composición.

Silvia Garzón dota a su interpretación de elementos que favorecen su doble papel de loca-Carlota Corday. Su narcolepsia proporciona momentos cómicos porque tiene que seguir despierta y se intenta lograrlo de muchas maneras. Además la escena con el cuchillo es de gran belleza e inquietud por el manejo entre violento y poético que hace con él y el recuerdo de un sueño sobre una ajusticiamiento por guillotina lo cuenta con una verdad que parece que lo ves, estableciéndose un juego interesante porque se recurre a la característica del personaje antes mencionada y te hace plantearte si lo que describe lo soñó porque lo vivió o no.

Raúl Vera como el sanguinario Roux es todo un terremoto interpretativo en escena. Sus apariciones son muy potentes, creando con su composición, las luces en esos momentos, y la escenografía momentos que dan literalmente miedo, porque, de nuevo el carácter del loco se refleja en el personaje que interpreta en la función, pero, además es el personaje que dice grandes verdades en su aparición final y que se contrapone con lo que canta el coro en esos momentos. La intensidad que le da Vera es la justa y necesaria para transmitir lo que el personaje requiere, ya que es un claro representante de aquel período del Terror.

Por su parte Raúl Sirio interpreta a Duperret con un acertado matiz cómico relacionado con el sexo y que se ejemplifica en la escena con Silvia Garzón, donde se muestra a un ser movido por sus bajos instintos. María Sanz hace una sobrecogedora Simone con una expresión facial entre la tristeza y el espanto que va como anillo al dedo y Lidia Mauduit hace una correcta composición de Rosignol pero todos, absolutamente todos, muestran la locura en escenas colectivas o individuales muy veristas. Finalmente, Joaquín Galán mantiene en su interpretación de Coulmier seriedad y severidad acorde con su papel y devuelve a la "realidad" a los espectadores, dejando claro que, lo que se ve es teatro.
Manuel Asensio entre las telas, un gran acierto de la puesta en escena. Curro Cassillas.
Las canciones y los coros son un primor, con letras que completan la información al espectador y ahí sus componentes ejemplifican su doble papel de narrador y voz del pueblo con total verosimilitud.

Por todo lo dicho, tras ver este montaje de Marat-Sade, y, habiendo visto con anterioridad los excelentes montajes de Celestina. La Tragicomedia y Madre Coraje, sólo puedo decir: GRACIAS, ATALAYA.    

miércoles, 23 de noviembre de 2016

"Paulina a secas": Positivismo ante la incertidumbre

Hay muchas maneras de afrontar el futuro: con ilusión, con pesimismo, con dudas. La protagonista de Paulina a secas decide hacerlo no perdiendo nunca su positivismo. Eso no quita que los espectadores que asisten al espectáculo protagonizado por María José Castañeda y dirigido por Jorge Dubarry se rían ante las ocurrencias terapéuticas de la protagonista. Pero no deja de haber un trasfondo amargo en lo que se está contando, con humor, eso sí.

Tras Culto a la abundancia, Castañeda y Dubarry demuestran el buen tándem que forman con un espectáculo, donde vuelven a unir esfuerzos Teatro del Gallinero y ¿Por qué Teatro? en un espectáculo donde las canciones tienen mucha importancia y es lógico que se canten temas en directo con la hermosa voz que Castañeda posee. De entre todas las canciones de Paulina a secas un servidor se atreve a señalar que la versión del tango Por una cabeza, jugando con una fruta que rima precisamente con cabeza es su favorita. Ahí, y en otros momentos se ve la compenetración de Castañeda con los músicos que la acompañan sobre el escenario, Daniel Abad y Jesús Maestre, tocando diversos instrumentos con muy buenos resultados sonoros pero contribuyendo, además, a la comicidad del espectáculo con recursos de la comedia física que hace que el espectador esté pendiente de todo lo que ocurre en un escenario muy particular.

Paulina a secas también tiene uno de sus puntos fuertes en la ruptura de la cuarta pared porque las interacciones de Castañeda con el público dan una nueva muestra de la gran actriz que es, además, con ese dulce acento argentino que le aporta al personaje para narrar, sin dejar el humor a un lado, las vicisitudes de las personas de otros países que vienen al nuestro buscando una oportunidad llenas de sueños que no se cumplen. 

Con situaciones delirantes (el vestuario de Paulina consigue hacer reír desde el primer momento) el subtítulo del espectáculo, Psicodrama musical, está muy bien escogido porque la labor de terapeuta de Paulina se une a un concierto que acaba transformándose en una campaña electoral donde de nuevo el público es cómplice. En ese momentos y otros anteriores Castañeda demuestra, como ocurría en Culto a la abundancia que es una actriz que lo da todo y no para de hablar, cantar, bailar o revolcarse por el suelo. Todo ello para contar una historia en el fondo dura.
Un instante de Paulina a secas
La diferencia está en la actitud y Paulina a secas invita a no perder el optimismo y las ganas de luchar aunque las experiencias anteriores hayan sido negativas y  en el futuro no se vea una luz al final del túnel, pero la actitud que propone el espectáculo es, como decía el Dúo Dinámico, en ser "como el junco que se dobla peo siempre sigue en pie", y, por lo tanto, resistir.  

Paulina a secas se representará del 1 al 4 de diciembre en el Teatro La Fundición, una ocasión que no desaprovecharía. 

martes, 22 de noviembre de 2016

Santi Senso: "Todos somos capitalistas"

Entrevistar a personas como Santi Senso es una gratísima experiencia periodística. El actor extremeño lleva mucho tiempo demostrando su talento en el cine, la televisión y el teatro. Desde hace muchos años, además de obras clásicas y musicales, realiza lo que se denominan Actos Intimos, espectáculos muy especiales con propuestas escénicas interesantes e intensas. El último ejemplo de Acto Intimo es PORNOCAPITALISMO. A sangre viva, que ya pudo verse en el Festival SURGE Madrid y ahora lo vuelve a representar en el Teatro del Arte los días 25 de noviembre, 2 y 16 de diciembre, además de participar en el Festival Decorrido, en el Centro Párraga de Murcia, el 3 de diciembre. No se pierdan ni una coma de lo que Santi Senso cuenta en esta entrevista concedida a El Rinconcillo de Reche. Pasen y lean.
El actor Santi Senso

Pregunta: El título del espectáculo, PORNOCAPITALISMO está compuesto por dos palabras que indican que se hablará de temas fuertes...

Santi Senso: Nos tenemos que hacer cargo de que, dependiendo del capital que cada uno tenga, puede ser más o menos capitalista. El capital no sólo tiene que ver con la parte económica y monetaria, sino que también existe un capital emocional. Nos capitalizamos cuando tenemos una relación, un hijo, al que debemos ser capaces de criar y educar. Eso socialmente está bien visto. A la hora de tener un coche también nos capitalizamos porque, lo podemos llegar a tener pero luego hay que mantenerlo. De eso habla PORNOCAPITALISMO, de lo explícito del capitalismo. La palabra porno no tiene solamente que ver con el sexo, sino también con lo explícito, lo grotesco, algo que puede aplicarse también con el capitalismo que se extiende a toda persona que tenga un capital, independientemente de si es mayor o menor.

P.: Este espectáculo se estrenó en el Festival SURGE Madrid...

S.S.: Así es. Se representó cinco días en los que se llenó el teatro y la demanda de la gente que no pudo verlo fue grande. Pero yo me fui a Sudamérica de gira con los Actos Intimos, rodé la película Ojos grises y protagonicé el musical Tan Lejos. De momento se harán tres funciones en Madrid y también estaremos en Murcia. Para estas funciones se ha incorporado una actriz venezolana, Arlette Torres, muy popular en el cine y en el teatro y que trabajó en los Actos Intimos hace ya unos años y se incorpora para hablar del capitalismo desde el punto de vista venezolano. Aporta aires nuevos, habla de un capitalismo nuevo que se vive en Caracas con una dictadura fuerte que hace que, aunque se tenga dinero, no se puede comprar pañales, por ejemplo. Eso es lo que va a aportar ella. Además en el equipo está Cary Rosa Varona, que es cubana, Federico Pouso es uruguayo y yo soy español, eso contribuye a la visión global que le damos al tema del capitalismo. 

Nos encerramos en una gallera, una especie de corral de gallinas, donde se soltaban los gallos de pelea, como en la época de los gladiadores, donde los espectadores iban a disfrutar viéndoles. Eso también es capitalismo. Se paga una entrada para ver pelear, ver las miserias y ver cómo dos personas, en este caso Arlette y yo, vamos a luchar por sobrevivir mientras los demás se divierten. Cary Rosa, por su lado, va a ejercer de maestra de ceremonias con una variedad musical para que represente al pueblo y Fede Pouso, responsable del vestuario y de la puesta en escena, será el DJ que mezclará las canciones de esa fiesta capitalista para concienciarnos de que todos somos capitalistas. 
Un instante de PORNOCAPITALISMO

En el espectáculo hablamos de temas como las fronteras que arman imperios, como la Gran Muralla china o el Cerco de Leningrado, y se levantan fronteras entre pueblos hermanos. También hablamos de meternos en una guerra que no nos pertenece. Otros temas de los que hablamos son la adopción y el vientre de alquiler, que es carísimo y sólo pueden permitírselo gente muy rica. La fecundación asistida, además, no garantiza el éxito a pesar del dinero que cuesta, y ahí queda ese capitalismo emocional de gente que se queda hecha polvo, no sólo las mujeres, también los hombres, porque tienen instinto paternal, por lo que también forman parte del capitalismo emocional.  

P.: Por todo lo que está contando, uno toma conciencia de que el capitalismo es algo tan antiguo como el mundo...

S.S.: Sí. En la puesta en escena de PORNOCAPITALISMO nos mostramos como los elegidos por la pirámide. Los espectadores van a ver cómo nos "matamos",  como ocurría con los gladiadores. La gente disfrutaba con la sangre, cuanta más, mejor, y más aplaudían. Mientras nosotros peleamos en la gallera el gallinero era la zona más alta y es donde está la gente que tiene poder.

P.: Usted tiene una extensa carrera. Ha actuado varias veces en el Festival de Mérida interpretando textos clásicos, ha hecho películas, musicales, ha participado en series y luego los Actos Intimos...

S.S.: Empecé muy joven y he actuado en el Teatro Romano de Mérida de la mano de Mauricio Celedón, de Cristóbal Jodorowsky, de Jerome Savary, que es el director de la Ópera Cómica de París. He hecho clásicos como Agripina o Lisístrata, del que era el coprotagonista junto a Paco León. También he hecho el Don Juan de Molière, Hamlet, Romeo. También he rodado varias películas, pero todo ha ido en paralelo a los Actos Intimos donde he tenido momentos fuertes como con el Marqués de Sade en La Religión de Sade. Traté el tema del suicidio en INTENTO. Un acto de amor

En los Actos Intimos se viven muchas cosas, como el estar en un estado puro de vulnerabilidad, de entrega, donde sale a relucir la parte más visceral, intuitiva y más honesta del ser humano. Los propios espectadores llegan a formar parte de la dramaturgia del acto. Llevo más de veinte años haciéndolos y he rodado dos películas con el lenguaje de los Actos Intimos como Sesión, donde interpretaba a un satiriástico, el equivalente masculino de la ninfómana. Era una terapia con distintos enfermos sexuales. También interpreté a Jesucristo en Canción para después de la batalla donde estoy solo hablando del deseo de vivir, resaltando la parte más humana de Jesucristo. El lenguaje de los Actos Intimos no sólo está en el teatro sino también en el cine, en la fotografía, en la escultura, en el baile. Se mimetiza con muchas manifestaciones artísticas.

P.: Yo del primer acto íntimo por el que empiezo a tener constancia de su trabajo fue el titulado Desnudando a los clásicos...

S.S.: En ese Acto Intimo se trataban cuatro textos clásicos: Don Juan Tenorio, Romeo y Julieta, Hamlet y La Divina Comedia desde la perspectiva de cómo escritores como Zorrilla, Dante y Shakespeare no pudieron escribir lo que realmente quisieron por la época en la que les tocó vivir. ¿Por qué se llama Don Juan Tenorio y no Doña Inés, Hamlet, y no Ofelia, o Romeo y Julieta y no Julieta y Romeo? En esta propuesta se pretende desnudar la verdad, el poder de la mujer, y mejor hacerlo sin capa ni espada, sin vestimenta ni atrezzo para no ver un personaje identificable por su forma de vestir sino con la desnudez física, unida a la emocional de esa escritura, de esa verdad que los autores no pudieron explicitar sino encubrirla en un subtexto. Con ese Acto Intimo estuvimos cinco años de gira. Ahora podemos ser más explícitos. En las redes sociales mostramos mucho más nuestros cuerpos, lo mismo ocurre en el cine y en otras manifestaciones artísticas.

P.: Si hablamos de un ejemplo de naturalizar el sexo y los desnudos en el cine eso lo hizo Instinto Básico que mostraba a Michael Douglas salir desnudo de la cama al baño a refrescarse después del primer encuentro sexual con Sharon Stone...

S.S.: Totalmente de acuerdo. Además en esa película hay una liberación porque, hasta que llega ese momento, sí pegaría verle a él con una toalla puesta, pero cuando se libera se muestra todo de una manera más natural. No hay que privar al espectador de ver algo natural. Muchas veces somos nosotros los pacatos y nos autocensuramos nuestras puestas en escena. Mi forma de ser no consiste en que yo vaya de diferente y transgresor, porque la transgresión ya existe en el ser humano y hay que aceptarla. No nos inventamos nada.

P.: ¿Ha tenido amagos de censura con los Actos Intimos?

S.S.: Sí, en algunos festivales y teatros. Nos han pedido si podíamos cambiar el cartel o vestirnos en algunas propuestas. Ante eso y ponernos condiciones no he ido a esos teatros y festivales.

P.: El hecho de que usted salga desnudo ¿le hace prepararse en un gimnasio o haciendo algún deporte? 

S.S.: Para nada, a veces he estado más gordo o más delgado, con más o menos pelo, porque ahí se ve a la persona. Si me preparase físicamente estaría creando una piel ficticia, algo artificial y que yo no soy. Es mi esencia y mi verdad. Incluso algunos espectadores se han desnudado físicamente, no sólo emocionalmente, de manera voluntaria, para vivir el Acto Intimo. Suelen ser personas que necesitan romper con ataduras y prejuicios. La desnudez es más emocional porque se suelen sentir identificados con un tema concreto. No hay nada pactado, sino que surge de manera espontánea. Se crea una comunión y lo incorporamos a la dramaturgia.

P. Uno de esos Actos Intimos lo hizo en Nueva York ¿cómo fue la experiencia?

S.S.: Lo que hice fue llevar el lenguaje de los Actos Intimos allí.Estuve en un estudio de un pintor en Brooklyn y me pintaron mientras yo realizaba un Acto Intimo. Por otro lado estuve en la casa donde Federico García Lorca escribió Poeta en Nueva York y recibió las visitas de Buñuel, Picasso y Dalí. Esa casa se llama La Española y ahí hice un Acto Intimo tratando la doble moral de los estadounidenses. Fue una experiencia maravillosa.  

Atalaya trae al Lope de Vega su aclamada versión de "Marat-Sade"

Hay obras de teatro que se convierten en punto de referencia para su época y para los años venideros. Marat-Sade es una de ellas. Fue escrita por el alemán Peter Weiss (1916-1982) en 1964 con el título Persecución y muerte de Jean-Paul Marat representado por el grupo teatral del hospicio de Charenton bajo la dirección del señor de Sade. La prestigiosa compañía Atalaya estrenó en coproducción con el GREC de Barcelona una nueva versión en el mes de junio del año pasado y ahora llega al Teatro Lope de Vega donde permanecerá en cartel del 23 al 27 de noviembre
Presentación de Marat-Sade en el Teatro Lope de Vega de Sevilla. Alejandro Reche Selas

Ricardo Iniesta dirige y realiza la versión de este clásico contemporáneo contando con un reparto formado por Jerónimo Arenal (Marat), Manuel Asensio (Sade), Carmen Gallardo (Presentador), Silvia Garzón (Carlota Corday), María Sanz (Simone), Raúl Vera (Roux), Raúl Sirio (Duperret) Lidia Mauduit (Rosignol) y Joaquín Galán (Coulmier). La producción cuenta con espacio escénico del propio Iniesta, vestuario de Carmen de Giles, música de Luis Navarro y dirección coral de Esperanza Abad y Marga Reyes.

Iniesta trajo a la rueda de prensa para los medios sevillanos el Premio al Mejor Espectáculo del Festival Noches de Moscú por Celestina. La Tragicomedia obtenido el pasado mes de octubre y estuvo acompañado en la misma por Isabel Ojeda, Directora General de Cultura, Juan Víctor Rodríguez Yagüe, Director del Teatro Lope de Vega, y los actores Jerónimo Arenal, Manuel Asensio y Silvia Garzón. Antes de comenzar a hablar de Marat-Sade, Iniesta hizo entrega Rodríguez Yagüe de una placa de agradecimiento al Teatro Lope de Vega por albergar representaciones de Atalaya en más de diez ocasiones, hecho que ha repetido en varios teatros con ocasión de las dos mil funciones del grupo teatral desde su creación.

La placa de agradecimiento de Atalaya al Teatro Lope de Vega. Alejandro Reche Selas

Esta representación de Marat-Sade supone recuperar un texto fundamental del siglo XX que Adolfo Marsillach estrenó en España en 1968 y cuyas últimas puestas en escena, previas a la de Atalaya fueron las estrenadas por Miguel Narros en 1994 con José Luis Pellicena, José Pedro Carrión, Nuria Gallardo, Chema Muñoz, Enriqueta Carballeira y Fernando Sansegundo entre otros y por Animalario-CDN en el año 2007 con dirección de Andrés Lima y un reparto en el que estaban Alberto San Juan, Pedro Casablanc, Nathalie Poza y Roberto Álamo entre otros.

Iniesta manifestó que "Marat-Sade es pura política, cuya consigna es que no hay libertad si no hay igualdad. Si no hay igualdad ni fraternidad no puede haber libertad. Tiene una gran actualidad. Sade dice que el hombre con este planeta acabará. Weiss se basó en Brecht, Artaud y Meyerhold, tres autores a los que tenemos muy presentes. Ha sido el montaje más extenuante para nosotros de todos los que hemos hecho. El montaje exige que todos los actores se les vea en escena como locos. Este montaje está en clave musical con veinte temas, no los originarios pero sí respetando esas músicas. Con respecto a la escenografía , tiene que ver con los baños de Charenton, con grandes telas que pueden ser, sábanas, guillotinas, o pabellones donde están los locos que se ven por detrás. Hay tres elementos escénicos: el piano, la bañera, en referencia al famoso cuadro de David, y la mazmorra, referencia a lo que está oculto".

La muerte de Marat, de Jacques-Louis David
Asensio apuntó que "la risa del público es amarga, se ríen pero el mensaje es muy fuerte ya que se plantea la dicotomía del individualismo y de la lucha revolucionaria. Este espectáculo se ha concebido desde lo grotesco y el humor negro, lo que le da mucha potenciay la risa del público duele". 

Jerónimo Arenal señaló que "los actores con los que Sade representa la función son internos del psiquiátrico. Yo no soy Marat sino un loco que hace de Marat, un personaje visto desde un punto de vista más épico porque tiene que lanzar una serie de proclamas duras y claras, por lo que te planteas el nivel de locura que adoptas". 

Silvia Garzón aseveró, con respecto a los coros, "solemos hacer propuestas personales. Para el público son momentos de descanso por los monólogos tan potentes que hay en la obra donde cada palabra tiene un potente significado. El coro hace que le lleguen al público mensajes pero a través de la música, con una participación en el ritmo coral por parte de los músicos, llegándoles la palabra de otra manera" 

Las funciones de Marat-Sade serán del miércoles al sábado a las 20:30 horas y el domingo a las 19:30 horas. Precios de las entradas, de 4 a 21 euros. A la venta en el Espacio Turina y en las taquillas del Teatro Lope de Vega una hora antes de la función y en Internet a través del siguiente enlace

lunes, 21 de noviembre de 2016

Montse Pérez Riu: "La cultura es la base de la sociedad"

Montse Pérez Riu tiene muchos motivos para estar contenta y uno de ellos ha sido la concesión del Premio de Honor en los Premios PAD, por parte de los profesionales de la danza de Andalucía. Como Gerente del Grupo Nuevos Proyectos ofrece asesoramiento legal para mejorar las condiciones de los profesionales de las artes escénicas y participa en la producción de numerosos proyectos, siendo La pícara Justina, Tóxicos y La rendición de Brenda los más recientes y su actividad futura inmediata cristalizará en El circo de Valentina de La Maraña Teatro, Lola en soledad con Rosario Lara y Gregor Acuña, Ay, Carmela de Maldito Veneno y mucho más. El Rinconcillo de Reche habló con Pérez Riu sobre la labor que desempeña en favor de la cultura. Pasen y lean.

Un servidor con Montse Pérez Riu tras la entrevista. Alejandro Reche Selas
Pregunta: ¿Qué siente al recibir este premio?


Montse Pérez Riu: Personalmente es una gran satisfacción. Estamos trabajando desde el 2007. Son casi diez años de esfuerzo, trabajo, empeño, constancia, muchas noches pensando cómo hacer las cosas. La recompensa no es sólo para mí, sino también para el equipo. Para mí es una gran satisfacción que los profesionales de la danza andaluza nos hayan concedido este premio. Estoy muy agradecida y mu contenta.

P.: ¿Qué hizo que se crease GNP?

M.P.R.: Fue por el siguiente motivo. Somos una asesoría relacionada con el mundo de los artistas desde hace veinticinco años y claro, me venían profesionales del teatro o de la danza a darse de alta como autónomos, pero se iban y no se daban de alta porque era costoso. Yo tenía eso rondando en la cabeza desde hace tiempo. Entonces llegó Antonio Estrada, un actor sevillano, quien ha hecho el anuncio de este año de la Lotería de Navidad y me sugirió crear una empresa semejante a las que había en Madrid o en Cataluña. Además de esto, hace treinta yo trabajaba con mi padre llevando las pensiones a las casas de los abuelos, quienes no tenían el dinero en el banco y se le hacía el servicio de llevarle el dinero a sus casas. Eso me motivó porque hacíamos una labor social a cambio de un pequeño porcentaje. Prestamos un servicio que antes era a los abuelos y ahora a los artistas para legalizar su trabajo y cotizar para tener pensión. Con todo lo mencionado nos animamos a crear la actual gestora.

P.: ¿Cómo surgió el colaborar en producciones teatrales? 

M.P.R.: Fue posterior. GNP comenzó a funcionar desarrollando las labores de administración y gestión. Esto fue creciendo y se fueron incorporando personas que aportaron su grano de arena. Empezó a colaborar con nosotros Sofía Aguilar, especializada en el flamenco. Ella me trajo a Salvi, que se encarga de la comunicación, luego entró a trabajar Patricia Garzón, momento en el que la empresa empezó a coger forma de gestión cultural y empezamos poco a poco con las producciones. Se han abierto campos a medida que entraban personas a trabajar.

P.: Cuando os implicáis en una producción ¿tienen algún criterio para elegir en cuál sí o en cuál no?

M.P.R.: En principio no tenemos un criterio para decidir no implicarnos en un proyecto. Estamos bastante abiertos a todas las propuestas. Lo que sí decidimos es la manera de colaborar: como micromenazgo, aporte de ayuda económica o coproducción. En principio nos gustan todas las propuestas siempre que sean respetuosas y profesionales, ya sean los implicados personas amateurs o consolidadas.

P.: Le propongo ahora que me diga lo que piensa de personas que están implicadas en proyectos en los que GNP participa y que yo conozco personalmente.

a) Luis Felipe Blasco Vilches

M.P.R.: Es el dramaturgo responsable de Donde todo tiene arreglo y La pícara Justina. Considero que son dos obras muy actuales, pegadas a la más cruda realidad, aunque La pícara Justina partía de una obra que tiene cuatrocientos años. Estaban muy bien contadas interpretadas. Su calidad ha hecho que hayamos apostado por él ya en dos ocasiones.

b) Verónica Rodríguez

M.P.R.: Verónica es punto y aparte. La conozco personalmente y le tengo un cariño muy especial. Es muy íntegra y muy buena persona. Para mí es un diez, lo cual se extiende al terreno profesional, que es maravillosa y me quito el sombrero ante ella.

c) Néstor Barea 

M.P.R.: Es de los grandes y llegará muy lejos. Como persona y como actor otro diez.

d) Nacho Gómez: 

M.P.R.: Es medio familiar mío porque está casado con una sobrina de mi hermano, y eso hace que coincidamos en eventos familiares. Es guapo, buena persona, buen padre, buen marido, me encanta, y como actor es maravilloso. Él me trajo La pícara Justina y La rendición de Brenda.

P.: Con la labor que hace con GNP está demostrando apoyar a la cultura e ir en contra de aquellas personas que piensan que la cultura no es importante...

M.P.R.: La cultura es la base de la sociedad. Es fundamental para que un pueblo sea inteligente y pueda vivir en paz. Si hubiese cultura no habría la violencia de género que existe actualmente, un ciudadano culturizado sabría que eso es una barbaridad. La cultura es básica para que la sociedad funcione de forma pacífica y tolerante.

sábado, 19 de noviembre de 2016

"Celestina": Brillantes interpretaciones

No es nada fácil abordar un texto como el de La Celestina. Su extensión y su vocabulario la convierten en una joya de la literatura pero una prueba de fuego para quien decida llevarla a escena. Sin embargo, como suelo decir, si cae en las manos adecuadas puede dar lugar a una función para el recuerdo y eso lo consigue José Luis Gómez con esta versión, Celestina, que puede verse hasta hoy en el Teatro Central de Sevilla.

La labor de Gómez y Brenda Escobedo con el texto de Fernando de Rojas ha sido un trabajo artesano en el mejor sentido de la palabra, porque han sabido retratar el mundo de hace quinientos años con la vista puesta en la actualidad, acentuando dos de los motores de la vida: el dinero y el sexo. En el tramo final se ha ido al corazón de la tragedia porque, si incluían la trama de Elicia y Areusa, posterior a la muerte de Sempronio y Pármeno, hubiesen extendido la duración para llegar al mismo final que se ve en escena y que tiene la historia.
El maravilloso elenco de actores de Celestina. Sergio Parra
La dramaturgia se sigue a la perfección gracias a un elenco de actores en estado de gracia, que tienen cogida la medida a sus personajes. José Luis Gómez interpreta a la vieja alcahueta Celestina de manera excelente, ahondando en su capacidad de persuasión y su poder de convicción, una maestra del engaño y, sobre todo, que es consciente de su edad y de su oficio, del que conoce todos los secretos con los hechizos complementando su astucia con la palabra . Las escenas con Pármeno o la primera visita a Melibea son sólo unos ejemplos de esa picardía y los trucos para conseguir sus fines. A Gómez lo descubrí como actor en la adaptación televisiva de Los Pazos de Ulloa que dirigió Gonzalo Suárez en 1985 y donde estaba acompañado por Charo López, Victoria Abril, Omero Antonutti o Fernando Rey y su interpretación ya me dejó impresionado como en el filme Remando al viento, también de Suárez. Verlo ahora interpretar a Celestina es contemplar una lección interpretativa con muchos matices y muy medida.

Siguiendo con el reparto de nuevo he de quitarme el sombrero ante Raúl Prieto. Lo descubrí en La Señora y desde Veraneantes he visto todos los montajes con los que ha venido a Sevilla: Misántropo y Antígona, donde ha dejado constancia de su fuerza sobre el escenario. En Celestina da vida a un Calisto con varias capas. Se nos muestra como un enamorado melancólico por estar con su amada (la escena con el cordón es una prueba de ello), pero finalmente se demuestra que el deseo sexual y carnal es el que predominaba en su interior, o al menos esa es mi visión del personaje. 
Calisto y el cordón de Melibea, un gran momento de Raúl Prieto. Sergio Parra

Prieto domina el escenario con una profesionalidad pasmosa, prueba de ello es el momento en el que se desliza por la pendiente del escenario sobre sus rodillas y frena con gran seguridad antes de que el escenario acabe. La sensación que tengo con Prieto es que su nivel interpretativo es tal que no sé hasta dónde puede llegar, pero que seguirá fascinándome, eso seguro. 

Por su parte, Marta Belmonte, que estaba genial en la tercera temporada de Isabel, interpreta a Melibea con tal limpieza que vemos claramente todos sus estados emocionales y el monólogo final antes de su fatídico final en lo alto de la escenografía está dicho con un sentimiento que encoge el alma. Continuando con ese momento el planto final de Pleberio, en la boca de Chete Lera, es un deleite para el espectador porque no se puede transmitir mayor pena y lamentaciones con mayor sentimiento.

Otro gran momento: Celestina con Melibea (José Luis Gómez y Marta Belmonte). Sergio Parra

Los criados están interpretados por Miguel Cubero y José Luis Torrijo. El primero, en la piel de Pármeno, expone los matices de rechazo a Celestina que se transforma en un embaucamiento gracias a, de nuevo, la satisfacción del goce sexual con Areusa, Nerea Moreno, una actriz que llena el escenario con su belleza y su soltura, mostrando el descaro del personaje y cómo se burla de los enamorados. Torrijo, como Sempronio, muestra, con sutiles apartes, que mira más por su interés que por el de su señor, una actitud que no varía y, en ese caso es transparente, hasta en el arrebato de codicia que tiene por la cadena de oro.

El reparto se redondea con la inocencia y el sufrimiento en segundo plano de Diana Bernedo como Lucrecia, el desparpajo y picardía de Inma Nieto como Elicia y la ternura que despierta Palmira Ferrer como Alisa, con un desgarrador final.

José Luis Gómez realiza una puesta en escena donde la religión tiene mucha importancia e incide en la tenebrosidad de la España de los siglos XV y XVI, donde la Inquisición tiñó de un manto negro a la población y, con la colaboración de Alejandro Andújar, realiza una escenografía novedosa, con unos unas escaleras y pasillos metálicos que simbolizan calles por donde inquietantes personajes van pasando, muchos de ellos portando cruces.

Por todo lo dicho, gracias a Teatro La Abadía y a la Compañía Nacional de Teatro Clásico por dar vida de nuevo a unos personajes que forman parte indiscutible de nuestro rico patrimonio cultural.      

viernes, 18 de noviembre de 2016

"Tóxicos": Mezcla de estilos y sensaciones

Las relaciones humanas, y más aún las de pareja, pueden ir como una seda mientras los miembros de la misma estén de acuerdo en temas como el sexo o sepan las preferencias de la otra persona. La cosa puede empezar a torcerse cuando se plantean situaciones que incomodan a alguno de los dos o se dice una palabra, porque con una basta, para que todo se vaya al traste o esa relación se vicie de alguna manera.

Tóxicos, de Alejandro Butrón, habla de esto y de mucho más. Verónica Rodríguez, directora con gran sensibilidad pero también valentía a la hora de poner en escena lo que su pasión por el teatro le provoca al leer un texto dirige sin cortapisas la obra, con una mezcla de sutileza y naturalismo que llega al espectador de una manera muy contundente. Tóxicos, que puede verse hasta el 27 de noviembre en el CICUS coproductor del montaje junto a GNP, es una propuesta directa y desnuda donde dos actores, Migue López y Verónica Morales, hacen un intenso trabajo interpretativo para dar vida a los distintos personajes de la obra, siempre teniendo en cuenta que cada personaje protagoniza dos escenas para respetar la estructura de ronda original.
Verónica Morales y Migue López en Tóxicos

Las interpretaciones son, dependiendo de la escena y de la pareja que se trate, descarnadas o dulces, románticas o con un punto de morbo pero lo que sí tienen en común es un grado de toxicidad que va aumentando según el caso. La obra pone sobre la mesa temas como las inseguridades personales y sexuales, los juegos excitantes, la dependencia de los encuentros cibernéticos o el hilo del que pende una cita, en resumen, la complejidad del ser humano.

Todo ello con una mezcla del lenguaje teatral y el audiovisual bastante curiosa que hace a los actores estar concentrados puesto que tienen que dar en todo momento la expresión facial adecuada en cámara cuando están diciendo el texto. El resultado hace al espectador voyeur por partida doble y tiene la opción de ver el escenario o aquello que la cámara capta reflejado en una pantalla.

Tóxicos es un viaje sin concesiones a la intimidad de varias parejas que tienen la característica de no ser una un calco de la otra sino que ofrece un abanico emocional en diversas tonalidades, del suave al crudo pero no se está inventando nada, cada persona es un mundo y cada pareja, también 

"Misterios del Quijote": "El Brujo" hechiza al público de Sevilla

Si nada más entrar en el escenario, alguien recibe un caluroso aplauso antes de empezar a hablar eso significa un grado de respeto y admiración muy alto por esa persona. Rafael Álvarez "El Brujo" demostró ser muy querido en Sevilla visto cómo respondía, un servidor incluido, en el transcurso de Misterios del Quijote otra genialidad del actor cordobés que representa en el Teatro Lope de Vega.

Con una base literaria importante, un factor común en todas sus producciones, "El Brujo" se adentra por segunda vez en su carrera en El Quijote y en la vida de Cervantes. Lo hace con un dominio apabullante del escenario que llena él solo con una escenografía mínima y una maravillosa iluminación de Miguel Ángel Camacho, adecuada para cada momento y creando hermosos efectos en el escenario. A su vez el vestuario de la gran Elisa Sanz le cae como un guante a "El Brujo".

Rafael Álvarez "El Brujo" en Misterios del Quijote. Chicho

Rafael Álvarez, desentraña capítulos de El Quijote y aporta datos curiosos sobre la inspiración de Cervantes para el mismo. Todo ello para hablar de la situación política actual y un humor que provoca carcajadas en los espectadores por su dominio absoluto de la palabra y del movimiento corporal, dando como resultado un recital interpretativo cómico, didáctico y satírico pero sin desviarse de El Quijote, que, como gran obra que es, da para muchos temas como la vanguardia y aquí sólo digo unas palabras para no destripar uno de los mejores momentos de la función: Meninas y Picasso.

Misterios del Quijote está impregnado también de una cierta melancolía con el recuerdo, con un comienzo cómico, de la figura de su propio padre. Otra de las bases de este espectáculo son las reinterpretaciones de diversos pasajes de El Quijote que son vistas desde un ángulo inaudito aderazado con el detallismo con el que describe los diversos momentos y ahonda también en la presencia del teatro y en el carácter de personaje de ficción que es Don Quijote. Ahí introduce una curiosa teoría sobre la ficción que se construye dentro de la propia ficción. 

"El Brujo" domina la palabra con maestría, escenifica con movimientos todo lo que requiere y muestra un gran amor a la palabra y a los clásicos, añadiendo reflexiones existenciales y sarcásticas muy bien hiladas. Esta crítica podría ser más clásica pero es que a "El Brujo", hay que ir a verlo. Tienen hasta el domingo si están en Sevilla. Ah, y no pierdan detalle del papel que una rosa juega en la dramaturgia, de lo más bello visto sobre un ecenario.